小提琴演奏技巧

　　小提琴是一种四根弦的弓弦乐器，是高难度演奏技巧的独奏乐器。下面是小编分享的小提琴演奏技巧，欢迎大家参考!

　　小提琴演奏技巧 篇1

　　一、左手的基本技巧

　　1.持琴：坚持正确的持琴方法，小提琴在演奏状态时，会受到来自身体的三个力，一是来自下巴向下的力，二是来自锁骨向上的力，三是来自左手向上的力。三力一定要自然，不能紧张，特别是左手的力，要非常轻松，如果左手抬琴太高太紧，都会严重影响到左手的音准、换指的准确性及流畅性。

　　2.手指起落：手指起落关键是手指在运动中的准确性和**性，要确保每一个按音的手指都要提前准备在音的上方，即垂直方向，因为直线距离最小，手指起落需要的时间和力量就最少，根据这个定律来调整指尖准备时的高度和指尖按位时的力量，就能保证用最省力的动作来完成每一次手指的起落，准确性也就更高。手指触弦需要做到准确松弛，才能发出准确的音，这对音质是很重要的，按弦不要太紧，抬指要迅速放松，手指在音乐拍子上，手指起落要做到自然流畅有弹性。如果手指按得太紧，在快速音乐中音质就非常乱。

　　3.换把的基本方法：换把是小提琴左手技巧中最主要的基本功，换把要做到自然连贯松弛，从低把位到高把位演奏中，大臂和小臂要向里弯曲，从高把位向低把位时，大臂和小臂向外还原。换把的方式有三种，一是通过手指滑动换把，二是借助空弦换把，三是通过伸缩手指换把。左手食指根不能紧靠琴颈，要稍微离开点，拇指要通过滑动一同进入新的把位，换把时手指抬起不离弦，然后进入新的把位，要有抬、滑、按的动作，换把时所有的食指要让路，使换把流畅，保持手型以求每次换把的**精确，上行时过度音到新把位时，不高于把位音，下行时过度音到新把位时，不低于把位音，达到即止。

　　4.揉弦的三种方法：揉弦是小提琴演奏最具表现力的演奏技巧之一，揉弦是演奏者表达自己情感及情绪的有力**，揉弦时要做到轻松自如，手臂、手腕、手指关节和肌肉不紧张，不僵硬。“宽、窄、快、慢、指、腕、臂”这七个字是揉弦的关键。“宽窄快慢”四个字组成揉弦的基本方式，即慢而窄，慢而宽和快而窄，快而宽。“指腕臂”是揉弦的三个发力点。

　　(1)手臂揉弦：手臂揉弦的动力直接来自整个小臂要做到松弛不紧张，手指顺着指板和琴弦的前后运动，而不要左右晃动，前后摆动可快可慢，摆动快音波大，摆动慢音波小，拇指和食指不要将琴颈抓紧，比较激情的情绪要在G弦和低把位的音域，臂揉较多。

　　(2)手腕揉弦：腕揉它的运作要轻自然，指尖在弦上的滚动幅度可宽可窄，揉弦主要依靠手腕颤动，听起来舒展委婉，手腕揉弦在演奏中是最常用的。

　　(3)手指揉弦：手指揉弦是指手指第一关节要“轻”“松”动起来，类似二胡的压弦 ，通常在极高把位**所按音符用手指抓紧，放松，再按紧，再放松，上下滚动而获得揉音效果。

　　5.颤音：颤音也叫打音，在音乐作品中经常出现，颤指要注意手指的起落速度不能打的太紧，不是打指快就是好，而是要有弹性，颗粒型强，一定要匀速，根据音乐的要求去演奏，1、2、3、4指都可以颤，但是2、3指要容易些，1、4指有些困难，只要多练习才能达到最佳效果。

　　6.泛音：自然泛音是在一根弦上震动产生的音，这类泛音只需要一个手指，伸直轻轻按在琴弦上使其发出声音。人工泛音是在同一条弦上，食指按在琴弦上，小指伸展，轻微触动在弦上。人工泛音要求高音准难度大，两个手指同时按在一根弦上，其中只要有一个手指位置不准，就发不出正确的声音。

　　7.双音与和弦：小提琴可以同时演奏两个音，甚至三个音，也可以分奏4个音的和弦，双音是两个手指同时按下，同时抬起，才能达到双音效果。小提琴三度，六度，八度，十度双音音阶是演奏的基础，也是小提琴家必须终身练习的一项基本功。

　　8.左手拨弦注意的问题：左手拨弦虽算不上左手的基本技巧，但也是小提琴练习和演奏中的重要性，是不能被忽略。左手拔弦从E弦开始，拔弦的方向是手指自如收缩的方向。在需要两个手指同时动作时，按音的手指除了保证音准，还要注意使用较多的压力，这样才能保证声音的清晰度。拔弦的音量和速度，音量由小指决定，练习的目的是使四个手指的**力得到均衡发展，所以不能急于求成，难弃求易，速度要做到**自如。

　　二、右手对音乐流畅性的.影响

　　1.对基本运弓的影响：右手控弓能力的好坏，是能否保持准确触弦的关键，触弦点保持不变，能使运弓具有直线性，音色具有饱满度、结实度，此外在换弦换弓时，能减少旋律的停滞及运弓的不均匀，以加强音乐的连贯及流畅性。小提琴演奏要在左右手的协调配合才能完成，其中右手运弓主要涉及音色质量，而音色质量的好坏直接影响音乐的表现力和感染力。右手运弓发音主要有3个，即弓子的速度、力度和弓弦接触点。所以小提琴演奏能否打动听众，除了音准节奏外，右手运弓好坏对演奏成败起着至关重要的作用。流畅的运弓技巧是肩、大臂、小臂、腕掌、指各部位关节在大脑的**指挥下相互配合协调完成。

　　2.对其他特殊运弓的影响：小提琴演奏要求非常精细，对肌肉运动的**有相当高的要求，因此良好的控弓能力是基础。特殊运弓技巧有：连弓、分弓、顿弓、跳弓、波弓、击弓、碎弓、混合弓法等。特殊运弓就好比一个绘画的调色板，何时轻、何时重、何时急、何时缓、何时亮、何时淡，都需要演奏者正确地按乐曲的要求去表达，能够随心所欲地挥洒自如，将特殊运弓融入到乐曲中去。

　　3.对音乐力度情感的影响：小提琴演奏时，音乐的情感表现很大程度上取决于力度的变化或对比，小提琴演奏是依靠右手运弓的不同技巧以及肌肉对手臂对琴弓重量的**来实现的。例如演奏家蒙蒂的《查尔达什舞曲》，先由小提琴在低音区演奏出节奏**，充满激情的引子，然后奏出深沉而略含忧愁的主题，并由这一主题组成了查尔达什舞曲的特有“拉绍段落”，在G弦演奏时，由弱渐强，运弓越来越宽，力度越来越强，速度越来越快。从这个巅峰骤然跌落，弓子越来越慢，力度越来越轻。这种运弓的力度技巧，充分表达了力度在音乐中的表现力和情感的影响。

　　小提琴演奏是一项需要左右手协调配合的技术，左手负责音准，右手负责音乐，所以要演奏出优美动听的音乐，需要双手精确**及配合。

　　小提琴演奏技巧 篇2

　　1.身体姿势

　　姿势的真实含义，是变化着的动作。姿势产生于动作：由于要演奏便必须动作，由动作的需要而产生姿势;姿势又为动作服务;好的姿势使动作方便，演奏有效。正确姿势是保证学生的演奏水*高度发展的基础条件之一。

　　学习演奏小提琴，在初学阶段，一定要掌握正确的演奏姿势，如果演奏姿势不正确，会直接影响到运弓发音、音色以及演奏技巧的正常发挥。小提琴可以采用坐和站两种演奏姿势。

　　坐姿是重奏、合奏时采用的姿势。要求要坐端正，腰挺直，身体不能靠在椅背上来(最好坐在椅子靠前部分)。要选择高一点的椅子，使右膝部分稍能伸展，这样，在演奏E弦上半弓时不致碰到右大腿。

　　站姿是独奏和练习时采用的姿势。要求身体自然直立、放松，双脚左右分开(与肩宽一致)

　　成八字形，全身的重心*放在两脚上。在演奏时，可随着乐曲的思想感情和由此而引起的内心激动而适当地自然摆动身体。但要避免演奏时过份的身体动作，因为过份的动作不仅看上去不舒服，而且还要不断地调整弓与琴的关系，这会给演奏中带来很多的不利因素。

　　2. 夹琴

　　①右手拿起琴(大拇指在琴的面板上，其他四个手指在琴的背面)。

　　②拿起来放在左肩上(手仍拿住琴,头在自然的位置,用琴的腮垫和左腮挨近)。

　　③用下颚和左肩夹住琴(琴身与人的肩膀构成45度角，琴面稍向右倾斜，琴的方向稍偏左)。夹琴的角度(稍向左或右移动)，取决于左右手臂的长短，一般以弓尖部分在琴弦上的位置与琴马*行，与琴弦成十字为佳。

　　④左手单独的做成持琴的弯曲(这时琴可以放在一旁)。

　　⑤左手食指的指根和琴颈接触，大拇指和琴颈接触(做这一动作可以先用右手拿住琴，然后再放在肩上)。

　　⑥左手手掌向内弯曲呈半园型。(使手指前后排列和指板方向一致，腕部和小臂基本保持*直)。

　　⑦左手四个手指摆好四度的位置。

　　3.持弓和运弓

　　首先，拿的不是弓，而是一枝铅笔。

　　1. 右手手心朝上自然的*放在桌子上。

　　2. 把一枝铅笔放在手上，一端放在小指的顶端，一端放在食指的第二关处。

　　3. 大拇指微的弯曲着用指尖(稍偏右那部分)放在中指和铅笔接触的位置上面。

　　4. 四个手指弯拢起来轻轻的抱住铅笔，同时大拇指也随着拱起一些来。

　　5. 手如上面已做好的样子，然后翻转过来手心朝下，手指关节上、下活动自如。

　　6. 小指不能僵直，而应松弛，自然弯曲地立在弓杆上，以抵消支点另一端弓的重量。

　　如果每一个动作都做得很准确的话，当翻转过来我们便发现已经成了一个很美好的握弓姿势(当然手里拿的还是一枝铅笔)。接下来可以用同样的步骤在提琴弓上操练，为了减少学生心理上的紧张和小指的骤然负担过重，可以先在弓的其他部位开始做(例如在弓的中间)。

　　手部正确的持弓有很大的意义，弓法的正确与否和持弓的方法关系很大，好的持弓在外形上看来没任何一个关节是突出的、生硬的，而是柔软的、舒坦的，如果发现那一个指节是绷紧或是手指僵硬的，这便会很大的影响发音的自如和弓技弓法方面技术的发展。

小提琴演奏技巧扩展阅读

小提琴演奏技巧（扩展1）

——什么是小提琴协奏曲

什么是小提琴协奏曲

　　协奏曲是小提琴演奏艺术中最完善、最丰富、最具有**性的一种作品体裁。下面来随小编一起具体了解下什么是小提琴协奏曲吧。

　　协奏曲（concerto）一词源自拉丁文collcertaye，原意是在一起比赛，协奏曲也就是两种因素既竞争又协作的意思。协奏曲（concerto）最早是作为一种声乐体裁出现的，十六世纪指意大利的一种有乐器伴奏的声乐曲。十七世纪后半期起，指一件或几件独奏乐器与管弦乐队竞奏的器乐套曲。巴洛克时期形成的由几件独奏乐器组成一组与乐队竞奏者称为大协奏曲。古典乐派时期形成的由小提琴、钢琴、大提琴等一件乐器与乐队竞奏的控协奏曲称“独奏协奏曲”。拉赫玛尼诺夫、海顿、莫扎特、贝多芬以及浪漫乐派的许多作曲家均作有大量的独奏协奏曲作品。第一乐章，一般为该协奏曲的本调性：比如G大调协奏曲，则第一乐章必建立在G大调上。第二乐章，为比该协奏曲本调性高一个纯四度的调性：比如G大调协奏曲，第二乐章则建立在C大调之上。第三乐章，一般会回归原调性，但在其中间会进行一个小三度的转调：海顿《Oboe Concerto in C Major》第三乐章，由C大调转bE大调。古典乐派及浪漫乐派的部分协奏曲的第一乐章多采用双重呈示部，先由管弦乐队演奏第一个呈示部，之后独奏乐器加入演奏，随后由独奏乐器为主演奏另一个内容不完全一样的第二个呈示部。除此外，在第一乐章和第三乐章再现部结束、结尾开始前的主和弦第二转位和弦后安插由独奏乐器演奏的华彩乐段，并用属和弦上长时值的颤音过渡至管弦乐合奏的结尾。

　　协奏曲是小提琴演奏艺术中最完善、最丰富、最具有**性的一种作品体裁。几百年来。几乎没有一个伟大的作曲家不在小提琴协奏曲这个领域里充分展现各自的才能、气质、技巧和作曲风格。那些精湛的不朽之作如一颗颗璀灿的明珠，始终耀眼地闪烁在琴坛之冠；一代又一代的演奏大师以辉煌的技艺，各领风骚地傲居于世界的演奏舞台；各种各样的令人眼花缭乱、顾及不暇的精彩录音为后人不断探求大师们高深的演奏技法提供了丰厚的音响资料。

　　协奏曲，顾名思义即是协同演奏的一种乐曲形式，源于16世纪，多为教堂音乐。

　　17世纪的托雷利开始将一件或几件乐器和乐队协同交融地演奏，之后，科雷利和亨得尔为大协奏曲的形式拓宽了天地。但真正奠定独奏小提琴和乐队合作演出协奏曲形式的人却是维瓦尔迪。他所作的著名的协奏套曲《四季》，无论是作品的新颖构思以及小提琴演奏技巧的拓展，还是配器的丰富色彩，都是功在千秋，为后人在协奏曲的创作上提供了范本。

　　巴赫的“a小调”和“E大调”两首小提琴协奏曲传承了维瓦尔迪的写作技法，只是在作品中更加突出了小提琴主奏的地位。他的作品庄重而富有活力，似有永远探求不尽的内涵。

　　乐坛早逝的神童作曲家莫扎特的小提琴协奏曲使人感到完全面目一新，人们喜爱他的音乐是因为每当听到他那清新亮丽的旋律，便会感到与幸福甜美融合在了一起。无论是纯朴典雅的《C大调第三协奏曲》还是明快并充满活力的《D大调第四协奏曲》，亦或是热情洋溢的《A大调第五协奏曲》，都已成为音乐会演奏最多的部分曲目。

　　18世纪的维奥蒂在协奏曲的创作上有了革新，他把前人以室内乐队协奏的形式扩大为完整的交响乐队，在小提琴与乐队协奏的写作技法上更具有恢弘的交响性。在他的29首小提琴协奏曲中，《a小调第二十二协奏曲》尤为精致，至今仍为琴坛演奏的经典曲目和攀登演奏高峰中一道不可跨越的阶梯。

　　由18世纪古典**到浪漫**时代，一批优秀的演奏家，如贝里奥、恩斯特、维厄当等，他们以自己精湛的`演奏技艺以及对协奏曲这一形式的钟爱和探求精神，为后人留下了一批光辉的作品，这些作品对小提琴演奏艺术的发展给予怎样高的评价都不为过。

　　人们更为熟悉和喜爱的还有帕格尼尼、贝多芬、门德尔松、勃拉姆斯、**亚夫斯基、柴科夫斯基、布鲁赫、圣。桑斯、拉罗和西贝柳斯等人的作品，这些被视为珍品的大型协奏曲无论在结构的完整、技巧的难度以及旋律的魅力和风格的独特方面都堪称绝无仅有，将这些伟大的作曲家的作品演奏好是每一位小提琴演奏家毕生的追求。

　　20世纪以来，一些富有个性和独创精神的作曲家写出了一些根植于民族音乐土壤的协奏曲。爱尔加、普罗科菲耶夫、巴托克、哈恰图良、沃尔顿、康戈等，他们在自己的协奏曲作品中运用了富有特色的迷人旋律和别致的音响色彩，给世人带来了新的喜悦。

　　在丰富多彩的小提琴曲库中，协奏曲始终占有着演奏领域中的主导地位。艺术家们一生中都在不懈地努力演奏好这些能充分体现和检验自身演奏水*的光辉作品。

小提琴演奏技巧（扩展2）

——小提琴揉弦技巧解密

小提琴揉弦技巧解密

　　如何在小提琴上发出歌唱般的丰满、动听的声音，是小提琴演奏中最为重要的问题。今天小编先给大家分享下小提琴揉弦技巧。希望大家喜欢。

　　小提琴揉弦技巧解密 篇1

　　1、初级(一)

　　将左手的手腕放置在琴的首钮位置(三把位)，然后将一指放在小提琴的指板上，将你的拇指放置于琴颈的左方，做手腕揉弦的动作，将手指尖上下滚动。节拍器= 60

　　2、初级(二)

　　将手放置于第一把位，在你的手腕和小提琴中间放一个橙子，重复刚才的动作。节拍器60的速度

　　3、中级练习

　　揉弦始终在正确音高以下，揉弦动作的最高点是正确的原音。反复练习半度宽窄的揉弦。反复练习四分之一度或更少宽窄的揉弦。节拍器 = 60

　　4、高级练习

　　在高把位时，运用肘臂动作来帮助手腕揉弦。由于在高把位上音与音之间的距离变得非常窄小，手臂揉弦动作需要窄。

　　5、乐曲的练习和揉弦运用

　　选择一些优美的慢板乐章，注意乐谱上标写的节拍器速度。每一拍练习3、4和5个揉弦。记住哪一个速度是最适合你想要的速度。从正音往下慢慢移动。将手指以很快的速度向上滚动到正音为止。注意听每次到达正音后发出的很小的揉弦重音。

　　开始用慢速揉弦，然后逐渐加快。根据曲目尝试不同的速度和宽窄然后选择你喜欢的那个。当你想变换不同风格的音色时，变换你揉弦的速度快慢或宽窄。

　　同时要注意：手腕前后揉动时，带动手指的关节，手指的触弦点不能随着手腕的揉动而移位。在练习手腕揉弦时，可先从三指开始。因为用三指揉动可以使动作更为宽松，然后再练**指和一指。而练习四指时，还可将三指紧靠四指帮助揉动。这样的练习会使颤动的效果更为自如。在手腕揉弦练习的基础上也可逐渐学习和熟悉手臂的揉弦和手指的揉弦。目的是为了更好的丰富演奏上的表现力，适应于各种力度和情绪变化的需要。

　　小提琴揉弦技巧解密 篇2

　　一、揉弦

　　揉弦在小提琴技巧中绝对占有不可，又是音乐表现中一个获缺的地位，它既被视为一种演奏能力重要的组成部分。在初级小提琴学习者心里，能够揉弦是相当水*的**，是迈向成熟演奏的光环。其实揉弦并不神秘也不高深。从技巧来说它只是基本功的一环，经过一定的方法正确的训练，每个演奏者都能拥有的一种左手技能。从效果来说它是声音应有的自然地流动，就好比徒手画一条直线跟借用尺子画出来的效果是完全不一样的。

　　莱奥波德·莫扎特在《论小提琴演奏的基本原理》一书(1756)中说, 揉弦是 “在小提琴上的自然震颤”。并说: “震音不完全发生在一个音上，听上去是起伏连绵的，所以每个音都这样拉便错了。有些演奏家就是在每个音上颤个不停，好像在抽搐”

　　有些专业机构，尤其在**，对古典音乐演奏法(古法演奏)的研究、探索和实践硕果累累。他们从古代审美出发，古乐器的采用，古乐谱的整理，古演奏技法的摹拟，为现代人呈现了“返朴归真,纯洁无华”的音乐画面。而揉弦被视为 “修饰,装饰”效果的运用只是演奏者画龙点睛的一笔。

　　二、每音必揉

　　随着时代推进，人们审美渐变，对视觉听觉刺激加大，戏剧冲突加剧，口味加重。揉弦演变为每音必揉，更连贯、持久、浓烈。揉弦就是洗衣服加的柔顺剂;抄菜添的味精;妆脸沫的粉底。曾经的 “矫揉”已转化为 “情感的宣泄”。

　　明式家具的简节明快和雕龙绣凤的清代家具相比，恐怕后者更被世人视为财富显贵。我们的时代是多元化的时代，更合适用 “百家**、争奇斗艳”形容。我认为无论古典还是现代, 揉弦的急缓、张弛、长短，一切在演奏者**之中，根据音乐的不同有感而发，做到游刃有余、得心应手，自然流畅就是好揉弦。而恰到好处的揉弦会是少则寡味、多则作做、浓则腻口、淡则失劲。那要做到 “好”揉弦，技术上如何实现呢?

　　三、揉弦常见的问题

　　【1. 左手虎口太紧(大拇指太紧)】

　　揉弦通常在学生有一定音准基本功(良好的手型)的基础上开始学习的。为了保证音准和手形的稳定，不少学生虎口都夹得较紧。换言之,大拇指和食指紧夹琴颈。这样就局限了颤指的活动空间。就像始终带着刹车，车轮就无法顺畅转动。揉弦时的手指状态与不揉弦时最大的变化有三处: 其一，揉弦时大拇指稍低，略往琴头靠。不过拇指位置的高低前后更取决于手的大小。对于手不大或偏小的演奏者通常拇指位置较手大者偏低，这样可以为四个手指的揉音腾出更多空间。以我的经验，拇指放在琴颈下面与下腭百分百地托住琴身，让左肩完全放松甚至处在一种悬空状态(不用肩垫时更明显)，这时的手指非常轻松、悠闲，反映在揉弦上更有极佳的表现;其二, 揉弦时一指(即使不是一指是其他手指揉弦时)的指根内侧靠琴颈处不应与琴接触，与琴颈略有一手指距离，这是手指揉弦时前后运动必需的空间;其三，揉弦时手指应比*时按音时略*，让多一些肉头抚触琴弦使揉出来的声音更饱满有 “肉感”。

　　【2. 手指不会动,拼命摇手腕,形成手腕前后摆动的错误动作】

　　错误的原因在于不知道揉弦应该哪里发力。手腕对很多人来说是最灵活最容易动的关节，错误地用手腕发力既简单又轻松，看上去也摇起来了,而效果就天差地别了。正确的力应来自手掌, 揉弦的过程左手不应改变基本手形。我编了个口诀来形容: “手掌发力手指摆,风吹树杆树枝甩;手腕只是传送带，大臂小臂一起来”。川籍小提琴***杨通六曾说：“揉弦像摇一棵大树，树干没怎么动但树尖很明显”。

　　在初始阶段，我会用左手召唤“来，来，来”的动作启发学生，即手臂抬起呈V字形不动，手掌朝自己的脸像扇子般前后摆动。一般来说学生很快就能了解基本运动原理。为了练习手掌摆动的均匀，可左手握糖果硬盒(小粒糖果或口香糖最好)，边摇边听里面糖果筛出的有节奏的“嚓，嚓”声。

　　从揉弦的视觉来看，有的人手掌摆动幅度大，有的人手臂(主要是小臂)动作幅度大乐器培训。不论是手的哪部分动作明显，手指、手腕和手臂是揉弦基本运动形式的三个不可分割的因素。

　　【3.手指的前后运动直接产生了音高波浪式的起伏】

　　手指压力的变化，指肉与琴弦接触面的大小，都是小提琴演奏者对音乐色彩深度处理的基本源泉**音乐家***杰克·弗拉希特著书曾对手腕在揉弦中的重要性这样说：“手腕起枢轴作用，它必须把手臂和手指结合成为**的整体。手腕中出现任何不该有的紧张，便可能使手臂或手或两者通统**为力”。他同时认为“忽略手臂是产生紧张和遭受挫折的基本原因

　　消除紧张，拥有舒适的动作和*静的**是我们首要解决的问题。肩是紧张的源头，打开这道阀门，让力量的源泉通过手臂在手指间**流淌。手指、手腕和手臂，各自分工不同，应相互协作配合，为优质揉弦而共同努力。

　　小提琴揉弦技巧解密 篇3

　　揉弦的三种方法：通常我们接触到的揉弦有三种方法：手臂揉弦、手腕揉弦、手指揉弦。这三种不同的揉弦其效果自然不同。手臂揉弦主要依靠小臂颤动，听来热情饱满。手腕揉弦主要依靠手腕颤动，听来舒展委婉。而手指揉弦则依靠手指关节颤动，听来则柔美细软。掌握这三种不同的揉弦方法，并能运用自如，自然会使演奏的音色变化，进入非同一般的美妙境界。遗憾的是，许多演奏者从一开始就习惯了某一种揉弦方法。因此，其演奏的音色也就显得贫乏和单调。

　　特别注意：这里特别要指出的是，许多琴童初学揉弦时没有正确的方法。因此通常出现两种弊端：一种是震颤动作过快，不能自控，形成痉挛式的颤抖声音就如同小山羊咩叫。另一种则是动作过于缓慢，手腕处不规律的扭动，其声音就如同没有上足发条的留声机音响。

　　学习揉弦的正确方法：首先应学会手腕揉弦。其方法可先将手臂放在大腿上或椅臂上，然后将手腕放松前后摇动，力求*均，待动作习惯自如后，再放到指板上练习。注意：大指和虎口之间不要捏紧，手指在指板各音的位置上前后揉动时重要的是强调手腕后仰的动作，然后再往前回到原位。而万万不可一味往前揉动，而没有后仰的动作。

　　同时要注意：在手腕前后揉动时，带动手指的关节，手指的触弦点不能随着手腕的揉动而移位。在练习手腕揉弦时，可先从三指开始。因为用三指揉动可以使动作更为宽松，然后再练**指和一指。而练习四指时，还可将三指紧靠四指帮助揉动。这样的练习会使颤动的效果更为自如。在手腕揉弦练习的基础上也可逐渐学习和熟悉手臂的揉弦和手指的揉弦。目的是为了更好的丰富演奏上的表现力，适应于各种力度和情绪变化的需要。

　　当然也有一些演奏家，一开始就习惯手臂的揉弦。他可以将手臂颤动的幅度和快慢**得非常自如，同样富有极好的表现力，也实属难能可贵。

　　小提琴演奏中的揉弦，如同歌唱演员演唱时的颤音一样，人们可以从中感受到他的气息和情绪的变化。好的揉弦和好的运弓巧妙地结合在一起，其演奏必将和美妙的歌唱一样，沁人心肺，动听无比。

　　小提琴揉弦技巧解密 篇4

　　一、揉弦的种类

　　小提琴的揉弦是多样的，主要有手揉弦、手臂揉弦、手指揉弦三种。

　　从开始学习揉弦就要强调：手在任何情况下都不要将琴颈捏紧。将乐器抓紧后再去揉弦，必然造成极大的紧张，并使左手的动作瘫痪。几乎所有的学生在开始学习揉弦时，都要抓紧琴颈，因为他们感到这是件很困难的事情，于是产生紧张心理。教师必须从心理和生理两方面进行引导，使学生始终保持放松的状态。

　　(一)手揉弦

　　手揉弦也称为“手腕揉弦”，具体为通过左手指末端关节的凹凸拉伸动作，带动整个手及手腕前后晃动。练习这种揉弦，左手放在第三把位，手的下半部和琴身相接触，二指放在A弦的E音位置，二指末端关节向下凹陷，手指便向琴头方向伸直，手指被拉长，但是不改变它在弦上的位置。之后手指末端关节向上凸起，手向琴马方向移动，回到它的原起点，手指弯曲。这样手揉弦的一个周期就完成了。

　　在学习过程中，手心的下半部分要保持和琴身接触，以保证手臂处于不动的状态，食指侧边最好和琴颈离开。刚开始练习时，每拍揉几下要有严格的数目，可以先每拍揉两下，然后揉三、四、六下，以后更多，不计数目。

　　可以先抱琴练习。右臂抱着琴，左手二指在三把位慢速进行练习，这样可以使学生的肌肉动作建立在自然松弛的状态下。掌握了第三把位手揉弦之后，就可以在其他把位进行练习。在较低的把位练习时，可能由于手失去支撑而感到有点困难，这时应该特别注意手腕的支撑作用，还要注意食指不要夹紧琴颈。

　　(二)手臂揉弦

　　手臂揉弦的发力点来自于整个左小臂，手指是被动的，是随着手臂的晃动而前后摇动的。手指用适度的力量在弦上保持固定位置，要有足够的弹性使手臂可以**运动。手指要随着揉弦向后和向前的摆动而伸直、弯曲。

　　在开始训练手臂揉弦时，四个指头中分别用一个指头(最好是先用三指或二指)轻按第一把位的音，然后从一把位至五把位快速来回滑动，逐渐以三把位为中心(动作继续进行)，最后手保持换把的动作，而指尖和大拇指则停在第三把位中该指应当按的音上。这时，手指、腕、臂都要放松，继续轻轻地揉动。在第三把位以上练习手臂揉指时，把二指放在弦上，在手每次向前摆动时，都接触到琴的边板，就好像是用手心在小提琴的边上走打指的动作，这样做可以使动作均匀有节奏。

　　(三)手指揉弦

　　手指揉弦的动力来自于手指本身，从指根关节摆动，手就被动地、有韧性地跟随着手指轻微摆动。这种揉弦的幅度要比其他两种小，训练的难度却更大。要在充分**好手臂揉弦和手揉弦之后再去学习手指揉弦。

　　开始训练时，可以先不用乐器，用右手的拇指和其他手指握住左手，使左手做手指快速摇动动作;也可以利用半音上下滑动获得手指揉弦的感觉，然后停在音上揉。在演奏一些速度很快又需要有表情的乐句时，来不及使用手及手臂揉弦时，可使用手指揉弦。

　　(四)三种揉弦的结合

　　三种揉弦都有各自的特点和音色，学习时三种揉弦可以单独练习，但是实际演奏中很少孤立地单独使用其中某一种。好的揉弦可能是以手臂、手或手指为主，其他邻近的肌肉都要加入，所以揉弦多数是某两种揉弦的结合，甚至也有三种揉弦的结合。例如我国青年小提琴家林昭亮先生在演奏《流浪者之歌》的开始引句是将左手的手指几乎是放*贴在弦上。用手臂动作来推动手指的揉动使旋律线连绵不断，这样就在G弦上营造出富有戏剧性的浓郁而悲壮的音调。中间一段抒情的旋律却又用手腕的轻摇奏出了委婉和凄凉的情感，令人深受感动。其间还有用手指第一关节与手腕明显配合的揉弦动作，几段旋律充分显示了不同揉弦方式的艺术效果与感人的力量。

　　通常揉弦要和运弓力度相适应，力度强时揉弦的幅度要大且强烈，力度轻时揉弦要窄且慢而柔和。手臂揉弦最强烈，手揉弦最柔和，手指揉弦最细小。力度强的时候经常使用手臂揉弦，柔和的乐句多采用手揉弦，速度快而又有表情的乐句则多采用手指揉弦。但也有例外，一些柔和的乐句有时需要非常强烈和快的揉弦，最强有力的乐句也经常可以使用手揉弦。虽然宽的揉弦通常是比较慢、窄的，但是演奏者也能够演奏宽而快和窄而慢的揉弦。

　　我国著名小提琴***林耀基先生曾对三种揉弦进行形象比喻：手可比作一棵树，手指晃动可比作风，手指微微颤动时犹如微风吹动树叶，手腕揉好比和风吹动了树枝，臂揉好比大风把树干也吹动了。在演奏时揉弦的幅度和速度随着音乐的需要而变化，正如自然界的风有时大有时小，甚至也有无风的时候。

　　二、揉弦的风格

　　揉弦不仅仅是动作，还是一种密度很高、如心灵在颤动的乐响。它必需和具体的作品相结合，和作曲家所处的时代背景、创作特点、演奏风格相适应。

　　(一)巴赫

　　巴赫是巴洛克音乐时期重要的**人物，他的音乐作品严谨、深刻、富有哲理，它不是直接由小提琴乐器本身而产生出来的，而是纯灵感和最宏伟艺术构思的结晶。当演奏他的作品时，要避免过多、过密、不稳定的揉弦，以突出空旷、无杂音的发音效果和演奏双音和弦时的和声效果;多采用手揉弦，连续演奏连弓较多的小音符时，最好不用揉弦;在演奏一些中速音符时要使用非常微小的手指揉弦。

　　(二)莫扎特

　　莫扎特是古典**音乐时期重要的**人物，他的音乐作品给人的印象总是那么雍容华贵、恰如其分。当演奏他的`作品时，要严格**揉弦，揉弦的手指在弦上不能有任何负担，要选择比较窄的触弦点和频率稍快的揉弦，以达到声音明亮透彻的效果;还要注意揉弦与弓速恰如其分的配合，以突出莫扎特作品典雅、欢快而具节制的特点。 　　(三)勃拉姆斯

　　勃拉姆斯是浪漫**时期重要的**人物，他的音乐作品深沉、严肃甚至令人感到过于复杂滞重。他的音乐从不单纯追求华丽辉煌的音响，而是重视对音乐本身表现力的创造和对民间音乐的挖掘。演奏他的作品时，选择以宽广、厚实的手臂揉弦为主，手指在弦上的接触面要尽可能宽，为使声音显得宽实而密集，多采用手臂和手揉弦相结合的方法。

　　这几位只是音乐史中几个重要时期具有**性的作曲家，我们实际演奏中，对于每个作品和作曲家都要做这样的分析和设计，并融入演奏者自身的理解与情感情绪个性的表达，从而找到与之相适应的揉弦方式并合理安排，以适合作品的特定风格。

　　三、揉弦的音准及其他问题

　　(一)揉弦的音准和速度

　　揉弦是音乐表现的需要，在练习的时候，千万不要因为某个音拉不准而用揉指来掩盖。所以，在练音准时最好不使用揉弦。但在**演出时，可以用揉指来弥补一下偶尔出现的音误，但这只是临时的应急措施。

　　揉弦的动作方向并不是和琴弦完全*行的，它和琴弦形成一个锐角，否则揉弦的动作将很不舒服，且动作范围也要小很多。具体练习中可以通过缩小揉弦的幅度使揉弦变快，手的距离越近，每拍中可以达到的揉弦数目越多。而且使用缩小幅度来加快速度的方法比纯粹使用加大力量的方法要好，它可以使手不至于产生太多紧张。同时，手腕如果稍稍向琴头方向突出，就能使揉弦的动作变小，从而加快了手揉弦的速度。

　　(二)揉弦常见问题

　　当演奏双音揉弦时，通常出现的问题是揉不动，这是由于手指僵硬、紧张而造成的。最好是先分别练习每个手指的揉弦，当手指建立了松弛、放松的感觉后再练习两个手指一起的揉弦。某些和弦需要用三个或四个手指同时按音，这时就需要手臂揉弦。

　　有些学生有这样的坏习惯，要等声音拉出来以后再开始揉弦，这时弓子的很大一部分已经用掉了，作为一种音色的因素，偶尔地这样演奏是可以的，但是不能把这养成一种习惯，每个音都这样演奏。为了获得揉弦的多样化，可以在一个音上用一弓练习渐快和渐慢的揉弦，还要练习换指按弦时不间断揉弦的动作。

　　任何类型的揉弦都需要手指关节的柔韧和放松。提高手指柔韧性的一种方法是不用弓子，把手指放在弦上前后摆动，使得最靠近指甲的那个关节交替出现弯曲和伸直的形状;另一种放松手指的方法是手和手腕保持不动，只用手指的动作，在同一个音上用较低的手指代替较高的手指。使用滑指演奏半音音阶，也有助于手指关节柔韧性的提高。

　　综上所述，好的演奏者要会**每种揉弦的速度、幅度和强度，自如地按要求放慢、加快或停止揉弦，能随时调整手的动作变宽或变窄，从一种揉弦自然地换到另一种，还能很好地将这几种揉弦结合起来，加上弓所做出来的各种力度变化，可以创造出无限的可能性，从而给演奏者的表演以生命、色彩和无穷变化。

小提琴演奏技巧（扩展3）

——大提琴的演奏技巧

大提琴的演奏技巧

　　大提琴在*有着广泛的应用范围，无论中西乐团、戏曲等乐队都需要它，何况它又是如此接近人声，表现力十分丰富的乐器，对陶冶身心提高修养都十分有益。下面是小编整理的大提琴的演奏技巧，一起来看看吧。

　　大提琴的演奏技巧 篇1

　　一、大提琴演奏姿势

　　1、手型。左手在演奏时采取什么样的手型，往往因演奏者习惯和手的条件不同而具有微小的差异。我的体会是基本的手型是松弛地拿口杯状，拇指自然弯曲，处在琴颈左后侧与一指和二指间相对(稍往二指靠一点)的位置；在用大把位时，拇指可向相对三指的位置靠近。这种手型松弛自如，进退自如，便于在一般情况下触弦的四个手指摆准位置，也便于把位的上下转换，与此相联系，左臂应自然放松，与琴颈形成约60度的夹角，并随把位的高低适时调整。

　　2、按弦。大提琴琴弦较粗，要把它按结实需要左臂的自然重量传到手指上。但按弦结实并不等于按死它，这里有必要从概念上把它们加以区别。“结实”是有弹性的、能动的按弦，发出来的声音是活的；“按死”是硬梆梆的按法，发出来的声音是直的。有种方法可以体会按弦手指放松的感觉，即在A弦上，用任何一个手指放在第四把位E音的上方落指，拉出实音，然后立即放松，拉出泛音来，上臂放松，手腕*，肘与指尖是一个整体。要学会手指第一关凹节去或放*，这样指尖肉垫接触弦的面宽，力也容易传上去，可使声音丰满，特别是手指细长而又较尖的人。良好的按弦将给揉弦提供极好的基础。

　　3、按弦动作的抬与落。大提琴演奏过程中，左手手指按弦能否达到时值准确、力度适中的要求，与按弦动作有很大关系。

　　第一步四个手指排列均匀，高低整齐地准备在同一根弦的上方。

　　第二步依次直接、有力地按节奏落指，以指根关节为主，手臂每个关节放松，但不介入。每当一个手指落下后，原先的手指便把力传给它，然后，先落手指仍*衡保留在弦上，勿需用力。

　　第三步逐个抬指，也是用指根关节，垂直抬起，勿拨弦，动作十分果断、利索，离弦越近越好，在拾每一个手指的同时，将力传到下面一个手指，抬起来的手指保持在弦的上方。如此顺序和反序地练习起落，特别要注意抬指的节奏感。这样，手指的动作就是在整个手臂抬动的情况下，在手掌的支撑下有力地、灵活地进行。

　　第四步用弓演奏，注意清晰、均匀。由于我们的手指粗细、长短、强弱不一，如顺其自然，就会发出节奏不均匀，音质不**的声音。在空手训练时，就要给予注意，用弓演奏时练习四个手指依次起落，用1、2；2、3和3、4指有节奏地打指；在做每个练习时，仔细听手指的均匀度，不论落指和拾指，每个音都要有清晰的爆发点。在抬落指的训练中，有一个概念需要搞清楚，即“**”与“孤立”的差别。只进行单个手指的训练，往往导致手指的孤立活动，手型难以保持，准确性也得不到保证，而且显得“吃力”并非“有力”。

　　4、揉弦。揉弦作为一种乐曲情感的表述**，它的基本要求是轻柔如歌。演奏者除了必须以身心的松弛引发手臂、手腕、手指的松弛外，还要注意揉弦动作的完美。

　　一般来讲，初学者大都把揉弦理解为朝琴马方向的揉动，不了解为什么还应包括琴头方向。实际上，揉弦如同人体的自然摆动一样，左一下、右一下对称、协调。这不仅是一个幅度大小的问题，而且是一个能否真正揉得起来的问题。单向的揉动让人感到牵强、生硬，揉着揉着就揉不下去了；双向的揉动才赋予整个动作的活力，出现“柔”的效果。

　　揉弦其训练方法有:四个手指按弦上，同时揉动，在揉动中手指逐个抬起和按下，在弦上的手指始终保持揉动的方向，这样可使换把、换指时揉动动作不致中断。揉弦的均匀速度是可**的，这点最重要，它是检查揉弦正确与否的标尺。其方法是计数训练，真正做到心中有数:用2指按在D弦第四把位上拉一弓长音A，每揉动两下停一停，一弓停两次。然后揉三下停一停，然后四下、五下，直到八下后，可不计均匀地揉

　　二、大提琴颤指探讨

　　在大提琴演奏中，左手颤指这一技术动作是非常非常重要的。它对我们演奏中的音乐旋律更富于情感、动感、歌唱性，对色彩的斑斓变化起着锦上添花的作用和效果，使听众产生丰富的联想和情感变化，进而引起人们强烈的感情共鸣。在谈到颤指的重要性之后，我们先来了解一下它的起源。器乐颤指起源于各种乐器对人声的摹仿。为什么说是对人声的摹仿呢?在人类的日常生活交往中，人的声音语调都。

　　三、学大提琴首先要解决音准问题

　　学大提琴首先要解决音准问题.练习音准是任何一种乐器演奏者的基本功。而每一种乐器又因其在构造上和发音原理的不同.练习音准的方法也就要求各异，大提琴也不例外。本文正是从大提琴的特殊要求出发，就有关影响音准的诸多方面──手型、指触、换把、保留指、颤指、泛音及律制等等──深入浅出地讲解了达致演奏音准的方法和经验。

　　四、关于教大提琴中的发音问题

　　关于教大提琴中的发音问题.大提琴发音的好坏直接影响音色，纯美、浓厚、轻松、自如、具有穿透力的声音是大提琴教师在教学过程中始终追求的目标。好的发音是由许多要素组成的，握弓时手指的位置、拉弓时手臂的动作、适中的触弦点，如何克服生理上的弱点，及力量的来源等。在教学过程中注重发音训练，提高学生的演奏水*达到音乐表现目的。

　　大提琴的演奏技巧 篇2

　　一、大提琴演奏握弓技巧

　　在学**提琴之前，首先要学习相应的握弓和抱琴技巧。只有养成良好的习惯，才能够减轻因长时间演奏对身体造成的不适，有一个轻松的心态，进而达到事半功倍的学习效果。下面简单介绍一下规范的.握弓姿势和技巧。

　　说到如何让初学者拿弓的右手放松，其实关键是要想办法让其右肩放松。整个身体坐正，右肩自然放*和左肩同高，因为很多初学者在拉琴时右肩比左肩高，他们认为这样拉A弦会比较容易，其实不然，这样会直接导致其肩膀紧张，拿弓子手也随之紧张。右肩放松自然下垂，不会影响拉A弦的。还有一点就是，握弓子的右手要自然张开成握鸡蛋的状态，*时刻意感受一下握着一个鸡蛋是什么感觉，拿弓就是这种感觉。

　　另外，在拉推弓时，肩膀带动前臂一起动，不要只动前臂或手腕，这样弓子就不可能放松了，整个右半部分身体要舒展开。初学者在练琴的时候要注意这几点，一是右手放松，左手也要放松，特别是在柔弦演奏的时候。二是在大提琴演奏的过程中，特别是在更换把位的时候要注意音准。三是注意右手弓子不要打滑，弓子在指板下方5厘米处最适合，但是不要上下打滑。

　　最后简单说明一下抱琴的姿势。初学者在抱琴的时候身体要主动前倾，不要往后仰，坐在琴凳的三分之一处，双臂环抱琴，这样有助于换把位，特别是换高把位。

　　初学者要纠正自己演奏大提琴时的姿势，并逐渐养成习惯，熟练掌握大提琴握弓和抱琴的技巧，避免身体产生疲劳感，有利于提高大提琴的演奏能力。

　　二、大提琴音准把握技巧

　　大提琴演奏过程中，音准的**是要由手指来完成的。所以，要想把握好大提琴的音准，首先要进行手指的训练，将每一个音符把握好，进而熟练掌握每个音的准确性。

　　由于手指的结构特点不同，在进行指法教学的时候也需要注意不同的教学技巧。比如拇指较之其他手指少一个关节，其触碰弦的位置是拇指指端，很多演奏者不注意这个细节，常常是利用拇指外侧来触碰弦，导致在演奏过程中出现手腕压住拇指的情况。在*时的运动中大多数都是张合动作，在进行演奏的时候关节运动会比较僵硬，因此在训练指法技巧时注重拇指柔韧性的锻炼，多对拇指进行垂直运动的锻炼。另外，拇指还需要**整个手掌的移动转移，让手指在大提琴上得以迅速移动演奏，演奏出时间比较持久的音符串列。

　　当逐渐了解了每个手指所对应的琴弦时，要进行快速演奏的训练。这就要求初学者手指的灵活度，以及手指之间的完美配合。通过手指之间的完美配合，再加上每个手指音符把握的准确度，形成一个连续清晰的音乐演奏，并让音乐富有饱满性，避免在音乐演奏过程中出现停顿现象。

　　总之，通过对手指灵活度和配合性的训练，以及手指音准的把握，进而形成演奏者自己的音准把握技巧。

　　三、大提琴演奏揉弦技巧

　　在众多大提琴演奏技巧中，揉弦技巧难度较高，因为揉弦技巧的运用对手指的要求比较高，并且演奏过程比较复杂。但是，揉弦技巧也是在大提琴演奏过程中经常用到的一种技巧，对于大提琴初学者来说，在练习揉弦技巧的过程中，不要因为弹奏不好而产生急躁心理，要对自己的练习时间和任务做好规划，有规律地进行练习。揉弦技巧主要是通过手指**大提琴演奏中的速度和力度，协调不同音区和不同类型的音符，再加上颤指技巧的使用。下面简单介绍一下如何把握速度和力度。

　　在演奏过程中，会有一些强音和低音之间的转化，对于一般的演奏，在演奏强音的时候，要加快速度，提高振幅；演奏弱音的时候，振幅要比高音时的振幅要大，节奏和速度要慢。但是对于不同的琴弦来说，规律又有一些改变。总之，演奏中所谓的快慢、高低都是相对而言的，把握好演奏的速度和力度，形成揉弦技巧。

　　总而言之，大提琴演奏技巧的熟练掌握，不是一蹴而就的，需要初学者进行长时间的练习，进而提高大提琴演奏水*，并将情感融入到大提琴演奏之中，进一步提高演奏能力。

小提琴演奏技巧（扩展4）

——古筝演奏如何把握古筝音色技巧

古筝演奏如何把握古筝音色技巧

　　所谓音色，其实指的就是声音的特性和特色，是音乐表现的重要**。从古至今，人们都非常关注古筝的音色问题。下面是小编给大家带来古筝演奏如何把握古筝音色技巧，希望对大家有帮助！

　　一、在古筝的演奏中音色把握的重要作用

　　（一）美化音乐的旋律

　　“音”贯穿古筝演奏的始终。音色在演奏中的作用就是美化音乐的旋律。在演奏中，音色的作用，好像文字对于书本，一本包装在别致的书，如果有几个字不在了，这本书就读不下去了，其价值就会大打折扣。

　　音色对于音乐也好比光线对于摄影，光线不到位，拍出来的作品，美感将荡然无存。演奏中如果不把握好音色，即使旋很流畅，整个演奏效果也不会达到预期的效果。在音乐的演奏中，把握好音色会产生不同的艺术效果，古筝音乐的形式美离不开筝乐的基本声音色彩及其变化。

　　（二）恰如其分的表现情感

　　在古筝演奏中，音色可以将乐曲所蕴含的感情恰如其分的表现出来。可以说，古筝的灵魂是韵律，古筝的魅力是音色。表演过程中，其表现的内容可分为虚、实、刚、柔、明、暗等。准确的音色把握，不但可以将音乐的魅力展现得淋漓尽致，而且可以可以充分表现出演奏家的内心情感。

　　观众也会因为这样的演奏产生极大的触动。古筝的音色随着演奏技巧的改变而改变。因此，在表演之初，演奏者理所当然应该分析一下将要演奏乐曲所蕴含的思想和所要表达的情感，然后准确把握音色。比如，在演奏《汉宫秋月》时，就必须了解此作品所蕴含的感情，然后在表演当中，恰当运用按、揉、滑、吟等技法，让听众身临其境，仿佛看到一名的宫女在深夜独自面对冷月，内心的苦闷、凄凉跃然眼前。这时的表演效果才是最好的。

　　二、在古筝演奏过程中影响音色主要因素

　　（一）外因

　　义甲、演奏提示以及演奏场地等，都是影响古筝演奏音色的外部因素。义甲是古筝演奏艺术发展到一定程度的产物。在古筝演奏的初期，人们通过真的指甲来演奏，这对演奏者来说是极大的伤害。

　　随着时代的发展和生产力的发展，难度越来越高的乐曲，运用真指甲来演奏对演奏者的伤害也越来越大，同时很多技巧也无法通过真指甲来完成。这时义甲应运而生。在做工方面，义甲的.选料以及制作工艺都是非常考究的。在音色方面它比真指甲更为饱满，在保护指甲方面，功效功能更好。

　　义甲使用的材料很多，比如说塑料片、有机玻璃片、牛角、玳瑁等。不同义甲演奏出来的音色也是不同。这当中玳瑁义甲的选择最为讲究，必须要选用优良品。只有这样才能演奏出古好的音色。除此以外，演奏提示和演奏场地对音色也会产生一定的影响。演奏的提示主要指的就是乐谱，演奏者在演奏之前必须认真的阅读演奏提示，揣度创作演奏的创作时的心境，把创作者的情感表达出来。至于演奏场地，对音色的影响非常大。广场、剧场、操场、专业的表演舞台等，不同的演奏场地会产生不同的音色。

　　（二）内因

　　在演奏中，除了外因的影响外，内因也会对音色产生影响。内因的影响主要体现在：演奏姿态、演奏者自身手掌和手指自然条件、义甲佩戴方法、触弦变化、演奏者自身素质、意志力调整以及与观众互动等。

　　一般来说，在运用古筝演奏时，要使自己全身放松，把着力点放在手指上。宽大而厚实的手掌，演奏出来的音色必然是深沉浑厚，窄小而薄的手掌演奏出来的音色则会显得轻快干净。义甲的佩戴方法也会对音色的产生一定的影响，一般而言，义甲的佩戴要以有利于增强甲片与指肚的贴合度为宜，甲尖裸露出的长度应适当。除此外，触弦速度、力度、方法、深度等。

　　三、古筝演奏中的音色把握的技巧

　　（一）运用正确的弹奏方法，准确把握古筝的音色

　　方法正确，则音色纯正。如果在演奏的过程中，演奏的方法是错误的，音色就会表现的虚而不实。最直接的表现就是演奏的乐曲节奏不稳，强弱音不搭调。整个乐曲就会变得单调乏味。

　　演奏者自己辛苦不说，演出的效果自然也是不如人意的。正确的做法是，在弹奏时，古筝演奏者的肩膀大小臂放松，自然下垂。要做到胳膊受到的重力和其松弛的力度大小对等。在没有特殊要求的情况下，力度不能大于此重力。在演奏过程中，演奏者应该将力度集中在手掌和指尖上，双臂只在这个过程中只是起到协调的作用。唯有这样，音色才会显得明亮、结实。

　　弹奏的过程中，要适当的调整弹弦的速度，想要得到透亮、清脆、干净的音色，就要用较大的力度快速弹弦。如果要得到悦耳、松弛的音色，就要用中速进行弹奏。在弹奏时，要合理的选择不要故意重或者故意轻，要合理的选择弹弦的力度，只有这样，才音色会产生饱满圆润。除此之外，弹奏者还要懂得用手掌发力弹弦。

　　（二）充实自己的内心，准确的古筝音色

　　一名出色的古筝演奏者，首先应该是一名热爱生活的人，他会细心的观察生活，感受生活。使自己的内心不断充实，以便使自己能够准确的把握古筝弹奏的音色。如果没有对生活的细心观察、仔细感悟，演奏者在弹奏名曲《高山流水》时，就弹奏不出取中蕴含的雄伟的高山、幽静的深谷。

　　演奏者还要培养自己对音色的鉴别力与想象力。一名专业的演奏者如果没有超凡的听觉和艺术鉴赏能力，也就不会运用创造力和想象力弹奏出高质量的音色。想成为一名古筝弹奏者，就要做好课下功夫，加强训练培养自己的听觉力，调整自己弹出来音色，使它不断地接近客观音色标准。

小提琴演奏技巧（扩展5）

——小提琴协奏曲梁祝赏析

小提琴协奏曲梁祝赏析

　　导语：《梁山伯与祝英台》是我国大众熟悉的民间爱情故事，流传千年，传承至今已被人们以多种形式展示出来，但是，在各种艺术形式中，小提琴协奏曲《梁祝》在的影响力最大，受到**外艺术家的一致好评，在世界范围内产生了广泛影响。

　　梁祝,讲的是千古爱情传奇梁山伯与祝英台的故事。这一个美丽、凄婉、动人的爱情故事,多少年以来就流传在河南省汝南县梁祝(马乡)镇。梁祝传说以鲜明的人物性格、曲折动人的情节、奇巧的故事结构而受到民众的广泛喜爱;以崇尚爱情、提倡求知、歌颂生命生生不息的鲜明主题深深打动着人们的心灵。梁祝传说和以梁祝传说为内容的其他艺术形式所展现的艺术魅力,使其成为*民间文学艺术之林中的一朵奇葩。1958年,陈钢与何占豪创作小提琴协奏曲《梁祝》,蜚声中外乐坛。小提琴协奏曲《梁祝》取得如此的艺术成就原因何在?现分析一下其辉煌艺术成就的原因。

　　一、“洋为中用”的艺术体现

　　《梁祝》中的主要乐器是小提琴,小提琴是四弦乐器,也有“乐器皇后”之称。传统的*乐曲融入*特有的演奏技巧,加之*越剧、京剧中的倒板、器板等,使小提琴协奏曲版的《梁祝》容纳了鲜明的*特质,所以无论是内容还是形式绝对是当时最与众不同的。因此小提琴协奏曲《梁祝》,享有“为*创造民族文化交响乐开拓一片绿野”的美誉。一次小提琴与*文化的大胆融合,为**民族交响乐开拓了未来,一次“洋为中用”的成功体现,使人记住了这段经典。

　　二、完整的结够设置

　　众所周知,情节设置是影视作品至关重要的因素。如果一部作品中有头无尾,或是有尾无头,都会让观众觉得茫然,音乐作品亦是如此。《梁祝》是所有*人耳熟能详的故事,既然是用音乐的方式来表现它,那么一个完整的曲式结构是曲子成功的关键。

　　(一)呈示部,在呈示部中又包括了引子、主部、连接部与副部、结束语。其中引子是由钢琴引出秀丽的长笛,以及弦乐演奏,为我们展示出了一派阳光明媚、鸟语花香的音画世界。

　　(二)展开部,展开部又包含了“抗婚”、“楼台会”以及“哭灵、控诉、投坟”。在展现“抗婚”时,不安的音乐带出了铜管乐器凶暴的主题,显示出了逼嫁的主题。而后小提琴的散板形式奏出的音调,表现了祝英台的痛楚,反抗音调与凶暴主题的交替出现,最后隆隆的鼓点以愤然的对抗结束此乐章;“楼台会”中,小提琴与大提琴的对话般的乐章更像是祝英台与梁山伯两人的对话,那种相视无言,难依难舍的情景油然而生,令人动情。“哭灵、控诉、投坟”这部分又是曲子的**,音乐急转直下,小提琴独奏出悲愤的情感,锣声又为我们流露出了凄惨和悲壮,似是祝英台在梁山伯坟前对苍天的控诉,最后管弦齐奏,象征了祝英台的反封建精神。

　　(三)再现部,竖琴、长笛再次响起,又将人们引入了那片美丽的景色,小提琴装**弱音器,流露出了爱情的主题,使之成为带有神奇的色彩的终曲。

　　完整的结构设置再现了整部《梁祝》的故事,充分表现了故事中人物的各种感情,以及其后的精神,是曲子成功的又一关键。

　　三、细腻的情感表达所表达出来的艺术感染力

　　在引子部分钢琴和长笛的`演奏中,我们不难感受到那种风和日丽的景色,似乎我们身临其境,在用心感受着美丽的风光。在音乐进行到5分钟左右的时候,曲子以欢快、跳跃和激情的三分钟时间的音乐,讲述了梁山伯与祝英台三年的同窗学习情景,以及他们之间如胶似膝,亲密的友情,而在音乐进行到7分33秒的时候,梁山伯与祝英台在长亭惜别时,依依不舍的乐句,又会让我们深刻地体会到他们之间心灵相通,不忍惜别的留恋不舍,令人心碎。这样,各种乐器以及我国戏剧、京剧中因素的加入,更加细腻的处理了曲中人物的思想感情,以及故事背后传达的反抗封建的精神,再现了梁祝二人的形象。也令每一位听众深受感染。曲终,余音绕梁,我们沉浸在了梁祝双双化蝶的美好愿望中。因此,曲子细腻的情感表达,亦是《梁祝》获得成功的重要原因。

　　四、结语

　　在我们的记忆里,总有一些经典,长存在我们的记忆,经久不衰,令人沉醉。它们就像一杯杯茗茶,越品越有余香。然而,不知道我们是否想过,经典为何成为经典,其实每一段经典背后,都包含作者苦心的思索与大胆的尝试。希望通过对小提琴协奏曲《梁祝》成为经典的原因分析中,我们能有所感悟,有所触动。

小提琴演奏技巧（扩展6）

——海阔天空（演奏版） F调钢琴谱

海阔天空（演奏版） F调钢琴谱

　　《海阔天空》是***摇滚乐队Beyond演唱的一首歌曲，由黄家驹作词、作曲，收录在Beyond1993年发行的专辑《乐与怒》中。以下是小编为大家整理的海阔天空，希望能够帮助到大家。

　　创作背景

　　1992年，Beyond将事业发展重心移至**，同时结束了与新艺宝长期合作的关系。成为国际化的乐队一直是Beyond的梦想，不过由于**对于音乐制作上的严格要求，加上语言不通，Beyond颇为消沉了一阵子，但他们仍然十分努力 。

　　1993年5月底，Beyond从**返回到了**，这一年也正值Beyond成立十周年之际，于是黄家驹写下了这首记录Beyond十年心路历程的歌曲《海阔天空》，歌词承载了黄家驹与乐队赴**发展的艰辛与对理想的坚持 ，并收录在粤语专辑《乐与怒》中。这首歌曲也表达了黄家驹内心深处对**乐坛的挣扎和失望 。

　　歌曲歌词

　　今天我 寒夜里看雪飘过

　　怀着冷却了的'心窝漂远方

　　风雨里追赶 雾里分不清影踪

　　天空海阔你与我

　　可会变(谁没在变)

　　多少次 迎着冷眼与嘲笑

　　从没有放弃过心中的理想

　　一刹那恍惚 若有所失的感觉

　　不知不觉已变淡

　　心里爱(谁明白我)

　　原谅我这一生不羁放纵***

　　也会怕有一天会跌倒

　　背弃了理想 谁人都可以

　　哪会怕有一天只你共我

　　今天我 寒夜里看雪飘过

　　怀着冷却了的心窝漂远方

　　风雨里追赶 雾里分不清影踪

　　天空海阔你与我

　　可会变(谁没在变)

　　原谅我这一生不羁放纵***

　　也会怕有一天会跌倒

　　背弃了理想 谁人都可以

　　哪会怕有一天只你共我

　　仍然**自我 永远高唱我歌

　　走遍千里

　　原谅我这一生不羁放纵***

　　也会怕有一天会跌倒

　　背弃了理想 谁人都可以

　　哪会怕有一天只你共我

　　背弃了理想 谁人都可以

　　哪会怕有一天只你共我

　　原谅我这一生不羁放纵***

　　也会怕有一天会跌倒

　　背弃了理想 谁人都可以

　　哪会怕有一天只你共我

　　歌曲鉴赏

　　《海阔天空》具有流行摇滚的所有特征，而且富于斗志，是青春年少澎湃热血在调音台和效果器后被放大的结果。这首歌的影响已不只是在卡拉OK和点歌节目，而在于人们的心间。这首歌曲带给人们的是一种积极向上的生活态度，坚持自己的理想，永远不放弃的信念。歌中的辛酸、歌中的**、歌中的不屈不挠、歌中大气磅礴的力量，激励了整整一代人。

　　《海阔天空》是Beyond音乐生涯中最杰出的作品之一，也是粤语歌在整个*流行的巅峰。它唤醒了**歌坛的主旋律意识，奏响了一种可以引起大众共鸣的音乐。这首歌充满励志性，唱出了“海阔天空”追寻**的豁达情怀。只可惜这首标志着Beyond真正走向成熟的作品却成为黄家驹的绝唱，而这样残酷的现实却在某种程度上应和了《海阔天空》中悲怆的宿命感。

　　Beyond

　　Beyond，***摇滚乐队，成立于1983年，由黄家驹、黄贯中、黄家强、叶世荣组成。

　　1983年参加“山叶吉他比赛”获得冠军并正式出道。1986年自资发行乐队首张专辑《再见理想》。1988年凭借粤语专辑《秘密**》在**乐坛获得关注；同年凭借歌曲《大地》获得十大劲歌金曲奖。*凭借歌曲《真的爱你》获得十大中文金曲奖、十大劲歌金曲奖。1990年凭借歌曲《光辉岁月》获得十大劲歌金曲奖。1991年主演电影《Beyond日记之莫欺少年穷》；同年在**红磡体育馆举办“Beyond Live 1991 生命接触演唱会”。1992年赴**发展演艺事业。1993年凭借粤语专辑《乐与怒》中的歌曲《海阔天空》获得十大中文金曲奖；6月30日，黄家驹去世，乐队以三名成员的组成形式继续发展。