中国画的气韵及欣赏

中国画的气韵及欣赏

  中国画是中国传统民族绘画的统称,也称国画或水墨画。它是以墨为主要颜料,以水为调和剂,以毛笔为主要工具,以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它是中国艺术的典型代表,是一种精神性、哲学性很强的艺术。中国画是建立在艺术想象基础上的一种艺术创造,通过虚实相生、书印结合,进行意象造型,美学追求,从而展示了中国画独特的艺术境界。聚贤堂带你一起领略一下中间的韵味。以下是小编精心整理的中国画的气韵及欣赏,仅供参考,欢迎大家阅读。

  中国画的气韵及欣赏1

  一、欣赏中国画要看气韵

  所谓“气”指先天的气质,秉性。气质,系指创作者本人主观能动性与创作个性的充分发挥。 “韵”指发而为画的笔墨情韵。金丹元教授曾把中国艺术思维气质概括为雅、游、和三种形式,这三种思维气质完美融合是一种艺术形式,也就是指人的精神与人格修养。新儒学学者徐复观在他的《中国艺术精神》中说过:中国的绘画,是要把自然物的形象得成为神、灵、玄。通过某种形象而将其画了出来,达到最高的画境,以自己的精神为创造对象传承中国画的精神。

  谢赫在《古画品录》中言术“六法”时,首先提出“气韵生动”之后,接着说“骨法用笔是也”。很明显,谢赫将“骨法用笔”列为“六法”中第二大法,这一方面说明气韵与笔墨的重要关系,气韵全由笔墨而生,舍笔墨无从谈气韵。中国绘画的用笔用墨,历代画家、理论家都做过详细而精辟的论述。孟子说:“吾养吾浩然之气”。气韵不能师授,人品胸襟都可以修养,后天的补养修炼有与扩充先天气度的不足。董其昌也说:“气韵不可学,此知而知之,自有之授。”郭若虚将人品视为绘画的必要前提,所谓“气韵”是人的个性在整个心性流露出来的,本自心源,必在生之,故不可以巧密得,复不可以岁月到,默契神会,不期然而然。文如其人,画如其画,石涛曰:“作书作画,无论老手后学,先以气胜之者,精神灿烂,出之纸上。”元代杨维桢指出:“故论画之高下者,有传形,有传神,传神者,气韵生动是也。”清代唐岱谈到:“六法原以气韵为先,然有气则有韵,无气则呆板矣。”清方薰则说:“气韵生动,须将生动二字省悟,才会生动,则气韵自在。”由于历代艺术家的分析,总之,气韵生动成了绘画的首宗要义,成为画家 在创作中追求的最高目标,也成为欣赏中国画的主要准则。

  二、欣赏中国画看神韵

  文人画家首先是画家,以画为乐,其次是文人。董其昌因博学多闻形成自家风范,把绘画的功能用意趣表达,与画工画区别日益明显,尤其是北宋中期文人画成熟后区别更为突出。郭若虚秉承文人画的创作理念,视六法为品赏准则,尤其着重气韵。纵观唐及宋的绘画,宫廷画家,民间画工不乏传世名作,他们看重绘画的基本功训练,以画为业,风格工谨细致,状物自然生动。

  大家都知道被称中国十大传世名画之一的《富春山居》是元朝黄公望七十九岁高龄创作的作品,全图用墨淡雅,山水的布置疏密得当,墨色浓淡,干湿并用,笔势雄伟,充分体现出“寄兴于画”的思想和浑厚华滋的笔墨效果,既形象地再现了山水的秀丽外貌,又把其本质美的特征挥洒得淋漓尽致。展开这幅传世名画,呈现在我们面前的是富春江一带秋出景色,丘陵起伏,峰回路转,江流沃土,云烟掩映村舍,近树苍苍,疏密有致,人物飞禽,生动适度。正是景随人迁,人随景移,这幅山水画布局由平面向纵深展宽,空间显得极其自然,使人感到真实和亲切,具有“清水出芙蓉,天然去雕饰"之妙,集中显示出画的神韵和画家的心灵境界,被后世誉为“画中之兰亭”。正如齐白石说:“绘画的神韵妙在似与不似之间,太似则媚俗,不似则欺世”。

  三、欣赏中国画看笔墨

  中国画以墨为主,以色为辅,是其基本特点,笔墨二字几乎成了中国画的代名词,是点、线与水墨的协奏。墨分五色,释为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨,五大色阶,并由五种色阶之间形成的无数细微的渐变。唐代张彦远在论墨时说:“草木敷荣,不待丹绿而采,云雪飘扬,不待铅粉而白,山不待空青而翠,风不待五色而卒。是故韵墨而五色俱,谓之得意。意在五色,则物象乖矣。”说明墨不仅能决定形象,分出明暗,拉开距离,代替色彩,还能制造画面的氛围。中国画家深谙绘画要旨,认为画面太枯则有燥气、画面太湿则无生气,墨无变化则僵滞死板。因而数块浓墨必以湿墨润之;一块湿墨必以枯墨提醒。观其面目时往往尚未看清具象形态,就已被画面笔墨中溢出的抽象意韵所感染。在品赏中国画时,看运笔所表现出的一种内在节律,情感起伏,通过气与力的统一变化而形成用笔的韵律感和节奏感,亦是画家心弦的拨动。笔力、笔气、笔韵是有机的统一,以气统力、统韵、以韵助气,助势、三者结合,方称上佳的用笔。

  中国画以线条构成,我们绘画的祖先认为,以点作画易于散,碎,以画作画易于模糊、平板、用线最易扑捉于物体的形象及动感,最适合发挥毛笔水墨、宣纸绢帛的特性。可以说线条是中国画家的艺术语言。绘画的线条具有生命力,千百年来,中国艺术家伏案笔耕,利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、干涩、虚实、顺逆、繁简等不同质地、不同感觉的线条,并用这些含情线条的渐变,排列、组合、交搭、分割、呼应,在画上构成造型的诸多形式。抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿变化、正如古人说的好,“干裂秋风,润含春雨,”这些无不显现着画家的才思、意韵功底。

  中国绘画以其独特的造型语言,鲜明的表现形式,原质的文化意味,积淀着中华文明璀璨的文化资源。其特有的哲学理念、美学意韵、文化精神所搭建构筑的精神高地。挖掘其更深远意义的艺术精品。

  中国画的气韵及欣赏2

  山水国画是中国传统国画中分量较重的一部分。我国山水国画具有独特的意蕴美,历来备受文人雅士的喜爱。在今天,山水画多用于家居装饰,对于提升家居环境品质具有非常不错的效果。收藏网专家称,对于我国山水国画的欣赏一定要注意把握以下四个原则。

  1、注意欣赏作品的神韵美

  中国山水画很讲究整体气势,就是要我们先体味他的“神似”或“神韵”最后就是看他的笔墨趣味、着色、构图、笔力等方面。最后才要对其的造型进行研究,就是要看他们像还是不像,或者是有点“形似”。由此,神韵美是一种很深级别的审美享受,也是中国画追求的目标。

  2.注意欣赏作品的意境美

  中国山水画讲究写意,讲究气韵生动,天人合一。所以,欣赏山水画,只注意作品的笔法、墨法、章法及色彩是不够的。除此之外,人们还要注意欣赏作品的形式美、色彩美,甚至充满着节奏美、旋律美。其结构是开放的、自由的、无拘无束的,这正是它博大、充满生机活力的原因。

  3.注意欣赏作品的笔墨美

  山水画同人物画不一样。人物画讲究用笔精确,细腻传神,它的束缚很大,而山水画特别是写意山水画追求的是笔墨自由、奔放、无拘无束和激情宣泄,讲究用笔用墨、讲究皴法、讲究急缓顿错,讲究一波三折、讲究韵味,就像音乐的旋律、舞蹈的节奏。其实艺术的高境界是相同的。

  4.注意欣赏作品的诗词美

  许多的中国山水画,都附带着诗词在其中,其珠帘合璧,诗情画意,也是人们审美享受的一大方面。例如,郑板桥善画竹,再配上一首七律诗:“咬定青山不放松,立根原在破岩中;千磨万击还坚劲,任尔东西南北风。”其意境真是美极了!

  中国画的气韵及欣赏3

  欣赏中国画要抓住绘画的常理与绳纲。何为绳纲呢?笔者认为,谢赫提出的“六法”论;顾恺之“以形写神”;张彦远“载其容,备其象”;荆浩“六要”原则;齐白石“似与不似之间”,等等。本文研究的重点是以谢赫的“六法”为基础,提出欣赏解读中国画要注重作品的气韵、笔墨、构图和形式,掌握方法后,才能真正读懂作品的底蕴和内涵。

  中国画是中国传统民族绘画的统称,也称国画或水墨画。它以墨为主要颜料,以水为调和剂,以毛笔为主要工具,以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它植根于华夏浓厚的文化沃土之中,跨跃不同时空,历经萌芽、发展、成熟、创新、再发展的诸多不同阶段,形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系。它与西方的油画形成了两座并峙的艺术高峰。

  一、欣赏作品要看气韵

  早在1500年前,南齐的.谢赫就提出了品画艺术的标准“六法”论。即“气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写”六项法则。气韵生动,是对作品的总体要求,是艺术达到的最高境界,也是品评、赏析中国画的主要原则。

  气韵,在传统中国画中,是指神气与韵味的总和。石涛曰“作书作画,无论老手后学,先以气胜得之者,精神灿烂,出之纸上”。元代杨维桢指出:“故论画之高下者,有传形,有传神。传神者,气韵生动是也。”清代唐岱谈到:“六法原以气韵为先,然有气则有韵,无气则呆板矣。”清方薰则说:“气韵生动,须将生动二字省悟,能会生动,则气韵自在”。由于历代艺术家的分析、总结,气韵生动成了绘画的首宗要义,成为画家在创作中追求的最高目标,也成为中国画品赏的主要准则。

  二、欣赏作品要看笔墨

  “六法”中,谢赫将“骨法用笔”列在第二位。“骨法”在中国画中指的是运用线条作为骨架进行造型的方法。它融合了汉字书法中用笔的规律和美学原则,体现出线条的力度、质地和美感。通过不同的线条去体现笔墨的动态、势向、韵律、节奏,以写神、写性、写心、写意为目的。

  中国画以线条构成,是与中国艺术家对线条的情有独钟和独特感受分不开的。我们绘画的先祖认为,以点作画易于零散、琐碎,以画作画易于模糊、平板,用线最易捕捉物体的形象及动感,最适宜发挥毛笔、水墨、宣纸绢帛的特性。可以说,线条是中国画家独到的艺术语言,是中国画的灵魂。

  用于绘画的线条是有生命力的。千百年来,中国艺术家伏案笔耕,利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、毛涩、疾徐、虚实、顺逆、繁简等不同质地、不同感觉的线条,并用这些含情线条的渐变、排列、组合、交搭、分割、呼应,在画面上构成造型的诸多形式。抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿、无不显现着画家的才思、功底。

  笔韵是中国画家追求的较高境界。运笔时所表现出的一种内在节律,情感起伏,通过气与力的统一变化而形成用笔的韵律感和节奏感,亦是画家心弦的拨动。笔力、笔气、笔韵是有机的统一,以气统力、统韵,以韵助气、助势,三者完美的结合,方称上佳的用笔。或浑厚苍劲、刚健挺拔或含蓄内敛、简约空灵、飘逸洒脱,无不是画家千锤百炼,用心血和汉水浇灌的结果。

  中国画以墨为主、以色为辅,是其基本特点。笔墨二字几乎成了中国画的代名词。如果说西画是体、面和色彩的交响,那么,中国画就是点、线与水墨的协奏。墨分五色,释为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五大色阶,并由五种色阶之间(加水量多少)形成的无数细微的渐变。唐代张彦远在论墨时说:“草木敷荣,不待丹绿而采,云雪飘扬,不待铅粉而白,山不待空青而翠,风不待五色而卒。是故运墨而五色俱,谓之得意。意在五色,则物象乖矣。”说明墨不仅能决定形象,分出明暗,拉开距离,代替色彩,还能制造画面的气氛。中国画家深谙绘画要旨,认为画面太枯则有燥气、画面太湿则无生气,墨无变化则僵滞死板。因而数块浓墨必以淡墨破之;一片淡墨必以浓墨破之;一片枯墨必以湿墨润之;一块湿墨必以枯墨提醒。观其面目时往往尚未看清具象形态,就已被画面笔墨中溢出的抽象意韵所感染。在欣赏中国画时往往也从这里入手。

  在中国画创作过程中,始终离不开墨。用墨有几种主要方法,泼墨法、积墨法、破墨法、宿墨法、渍墨法、蘸墨法,等等。好的画无不在用笔、用墨、用线、用水方面有高妙之处,在画面上显现出浓淡干湿变化。古人说的好,“干裂秋风,润含春雨”,就是这个道理。

  三、欣赏作品要看构图、形式

  中国画的构图有多种形式,也有多种提法,习惯称谓“章法”、“布局”。东晋顾恺之称之为“置陈布势”,谢赫则称之为“经营位置”。提法虽不一样,但其意相同,即作者将要表达的内容与形式加以组织、安排,构成一个体现个性、呈现气势、和谐统一的整体画面。一幅作品境界或高或低,或奇或特或平庸,构图至为关键。

  构图法则有其自身规律,最主要的规律就是辩证法中的对立统一。凡符合对立统一规律的作品,就耐看,就有美感,就有吸引力,反之,美的因素就会大打折扣。构图的来源是生活,是眼界,是修养,是格调。构图具有极大的灵活性,因为中国画使用独特的散点透视法。用这种透视法来展现绚丽多姿的世间万物,给作者带来极大的自由性和灵活性。它不受时间和地点的限制,不求物体具象,只求构思和形象入“理”。

  中国画讲究稳中求奇,险中求稳,着意对比,打破对称,形成一个富有节奏的协调整体。大多采用“三七停”起手法则,把主体物象放在三七点上,对打破均衡起到至关重要的作用,也易于形成韵律节奏,给观者以视学美感。

  中国画博大精深,源远流长,融诗、书、印于一炉。宋人邓椿说:“画者、文之要也。”“画到极至”谈何容易,能创作出一两件与众不同,经得起历史检验的作品并非易事。因循守旧不行,越雷池甚远也不行;不师古人不行,师古不化也不行;不师自然、不师心不行,走捷径、搞旁门左道更不行。

  绘画有高有低,因而就有了不同时代的品评标准。张怀瑾提出了“神、妙、能”三品,朱景玄提出了“神、妙、能、逸”四品,黄修复则强调“逸、神、妙、能”四格,张彦远定了“自然、神、妙、精、谨细”五品级。不论是神行逸后,还是逸先神后,都说明中国画始终追逐着高品位。充满着美学意识,自我意识,在借鉴传统的基础上艰难探索,力求创出个人高雅的风格,力争呈现出更加自然的气息。

  看画还要远观其势,近取其质。利用不固定的视距、观其物象。远看大势气韵,近看点线质量。“六法”精论,是画学传统的金科玉律。在中国绘画史上这一理论具有无法憾动的深远作用。也是时下评价、品赏中国画的根本法则。凡属画人必受这一法则的约束和检点,用这一法则鉴赏,评价中国画作品,其高低自可辨也。

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