中国画的气韵及欣赏

　　中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它是以墨为主要颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它是中国艺术的典型代表，是一种精神性、哲学性很强的艺术。中国画是建立在艺术想象基础上的一种艺术创造，通过虚实相生、书印结合，进行意象造型，美学追求，从而展示了中国画独特的艺术境界。聚贤堂带你一起领略一下中间的韵味。以下是小编精心整理的中国画的气韵及欣赏，仅供参考，欢迎大家阅读。

　　中国画的气韵及欣赏1

　　一、欣赏中国画要看气韵

　　所谓“气”指先天的气质，秉性。气质，系指创作者本人主观能动性与创作个性的充分发挥。 “韵”指发而为画的笔墨情韵。金丹元教授曾把中国艺术思维气质概括为雅、游、和三种形式，这三种思维气质完美融合是一种艺术形式，也就是指人的精神与人格修养。新儒学学者徐复观在他的《中国艺术精神》中说过：中国的绘画，是要把自然物的形象得成为神、灵、玄。通过某种形象而将其画了出来，达到最高的画境，以自己的精神为创造对象传承中国画的精神。

　　谢赫在《古画品录》中言术“六法”时，首先提出“气韵生动”之后，接着说“骨法用笔是也”。很明显，谢赫将“骨法用笔”列为“六法”中第二大法，这一方面说明气韵与笔墨的重要关系，气韵全由笔墨而生，舍笔墨无从谈气韵。中国绘画的用笔用墨，历代画家、理论家都做过详细而精辟的论述。孟子说：“吾养吾浩然之气”。气韵不能师授，人品胸襟都可以修养，后天的补养修炼有与扩充先天气度的不足。董其昌也说：“气韵不可学，此知而知之，自有之授。”郭若虚将人品视为绘画的必要前提，所谓“气韵”是人的个性在整个心性流露出来的，本自心源，必在生之，故不可以巧密得，复不可以岁月到，默契神会，不期然而然。文如其人，画如其画，石涛曰：“作书作画，无论老手后学，先以气胜之者，精神灿烂，出之纸上。”元代杨维桢指出：“故论画之高下者，有传形，有传神，传神者，气韵生动是也。”清代唐岱谈到：“六法原以气韵为先，然有气则有韵，无气则呆板矣。”清方薰则说：“气韵生动，须将生动二字省悟，才会生动，则气韵自在。”由于历代艺术家的分析，总之，气韵生动成了绘画的首宗要义，成为画家 在创作中追求的最高目标，也成为欣赏中国画的主要准则。

　　二、欣赏中国画看神韵

　　文人画家首先是画家，以画为乐，其次是文人。董其昌因博学多闻形成自家风范，把绘画的功能用意趣表达，与画工画区别日益明显，尤其是北宋中期文人画成熟后区别更为突出。郭若虚秉承文人画的创作理念，视六法为品赏准则，尤其着重气韵。纵观唐及宋的绘画，宫廷画家，民间画工不乏传世名作，他们看重绘画的基本功训练，以画为业，风格工谨细致，状物自然生动。

　　大家都知道被称中国十大传世名画之一的《富春山居》是元朝黄公望七十九岁高龄创作的作品，全图用墨淡雅，山水的布置疏密得当，墨色浓淡，干湿并用，笔势雄伟，充分体现出“寄兴于画”的思想和浑厚华滋的笔墨效果，既形象地再现了山水的秀丽外貌，又把其本质美的特征挥洒得淋漓尽致。展开这幅传世名画，呈现在我们面前的是富春江一带秋出景色，丘陵起伏，峰回路转，江流沃土，云烟掩映村舍，近树苍苍，疏密有致，人物飞禽，生动适度。正是景随人迁，人随景移，这幅山水画布局由平面向纵深展宽，空间显得极其自然，使人感到真实和亲切，具有“清水出芙蓉，天然去雕饰"之妙，集中显示出画的神韵和画家的心灵境界，被后世誉为“画中之兰亭”。正如齐白石说：“绘画的神韵妙在似与不似之间，太似则媚俗，不似则欺世”。

　　三、欣赏中国画看笔墨

　　中国画以墨为主，以色为辅，是其基本特点，笔墨二字几乎成了中国画的代名词，是点、线与水墨的协奏。墨分五色，释为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨，五大色阶，并由五种色阶之间形成的无数细微的渐变。唐代张彦远在论墨时说：“草木敷荣，不待丹绿而采，云雪飘扬，不待铅粉而白，山不待空青而翠，风不待五色而卒。是故韵墨而五色俱，谓之得意。意在五色，则物象乖矣。”说明墨不仅能决定形象，分出明暗，拉开距离，代替色彩，还能制造画面的氛围。中国画家深谙绘画要旨，认为画面太枯则有燥气、画面太湿则无生气，墨无变化则僵滞死板。因而数块浓墨必以湿墨润之;一块湿墨必以枯墨提醒。观其面目时往往尚未看清具象形态，就已被画面笔墨中溢出的抽象意韵所感染。在品赏中国画时，看运笔所表现出的一种内在节律，情感起伏，通过气与力的统一变化而形成用笔的韵律感和节奏感，亦是画家心弦的拨动。笔力、笔气、笔韵是有机的统一，以气统力、统韵、以韵助气，助势、三者结合，方称上佳的用笔。

　　中国画以线条构成，我们绘画的祖先认为，以点作画易于散，碎，以画作画易于模糊、平板、用线最易扑捉于物体的形象及动感，最适合发挥毛笔水墨、宣纸绢帛的特性。可以说线条是中国画家的艺术语言。绘画的线条具有生命力，千百年来，中国艺术家伏案笔耕，利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、干涩、虚实、顺逆、繁简等不同质地、不同感觉的线条，并用这些含情线条的渐变，排列、组合、交搭、分割、呼应，在画上构成造型的诸多形式。抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿变化、正如古人说的好，“干裂秋风，润含春雨，”这些无不显现着画家的才思、意韵功底。

　　中国绘画以其独特的造型语言，鲜明的表现形式，原质的文化意味，积淀着中华文明璀璨的文化资源。其特有的哲学理念、美学意韵、文化精神所搭建构筑的精神高地。挖掘其更深远意义的艺术精品。

　　中国画的气韵及欣赏2

　　山水国画是中国传统国画中分量较重的一部分。我国山水国画具有独特的意蕴美，历来备受文人雅士的喜爱。在今天，山水画多用于家居装饰，对于提升家居环境品质具有非常不错的效果。收藏网专家称，对于我国山水国画的欣赏一定要注意把握以下四个原则。

　　1、注意欣赏作品的神韵美

　　中国山水画很讲究整体气势，就是要我们先体味他的“神似”或“神韵”最后就是看他的笔墨趣味、着色、构图、笔力等方面。最后才要对其的造型进行研究，就是要看他们像还是不像，或者是有点“形似”。由此，神韵美是一种很深级别的审美享受，也是中国画追求的目标。

　　2.注意欣赏作品的意境美

　　中国山水画讲究写意，讲究气韵生动，天人合一。所以，欣赏山水画，只注意作品的笔法、墨法、章法及色彩是不够的。除此之外，人们还要注意欣赏作品的形式美、色彩美，甚至充满着节奏美、旋律美。其结构是开放的、自由的、无拘无束的，这正是它博大、充满生机活力的原因。

　　3.注意欣赏作品的笔墨美

　　山水画同人物画不一样。人物画讲究用笔精确，细腻传神，它的束缚很大，而山水画特别是写意山水画追求的是笔墨自由、奔放、无拘无束和激情宣泄，讲究用笔用墨、讲究皴法、讲究急缓顿错，讲究一波三折、讲究韵味，就像音乐的旋律、舞蹈的节奏。其实艺术的高境界是相同的。

　　4.注意欣赏作品的诗词美

　　许多的中国山水画，都附带着诗词在其中，其珠帘合璧，诗情画意，也是人们审美享受的一大方面。例如，郑板桥善画竹，再配上一首七律诗：“咬定青山不放松，立根原在破岩中;千磨万击还坚劲，任尔东西南北风。”其意境真是美极了!

　　中国画的气韵及欣赏3

　　欣赏中国画要抓住绘画的常理与绳纲。何为绳纲呢？笔者认为，谢赫提出的“六法”论；顾恺之“以形写神”；张彦远“载其容，备其象”；荆浩“六要”原则；齐白石“似与不似之间”，等等。本文研究的重点是以谢赫的“六法”为基础，提出欣赏解读中国画要注重作品的气韵、笔墨、构图和形式，掌握方法后，才能真正读懂作品的底蕴和内涵。

　　中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它以墨为主要颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它植根于华夏浓厚的文化沃土之中，跨跃不同时空，历经萌芽、发展、成熟、创新、再发展的诸多不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系。它与西方的油画形成了两座并峙的艺术高峰。

　　一、欣赏作品要看气韵

　　早在1500年前，南齐的.谢赫就提出了品画艺术的标准“六法”论。即“气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写”六项法则。气韵生动，是对作品的总体要求，是艺术达到的最高境界，也是品评、赏析中国画的主要原则。

　　气韵，在传统中国画中，是指神气与韵味的总和。石涛曰“作书作画，无论老手后学，先以气胜得之者，精神灿烂，出之纸上”。元代杨维桢指出：“故论画之高下者，有传形，有传神。传神者，气韵生动是也。”清代唐岱谈到：“六法原以气韵为先，然有气则有韵，无气则呆板矣。”清方薰则说：“气韵生动，须将生动二字省悟，能会生动，则气韵自在”。由于历代艺术家的分析、总结，气韵生动成了绘画的首宗要义，成为画家在创作中追求的最高目标，也成为中国画品赏的主要准则。

　　二、欣赏作品要看笔墨

　　“六法”中，谢赫将“骨法用笔”列在第二位。“骨法”在中国画中指的是运用线条作为骨架进行造型的方法。它融合了汉字书法中用笔的规律和美学原则，体现出线条的力度、质地和美感。通过不同的线条去体现笔墨的动态、势向、韵律、节奏，以写神、写性、写心、写意为目的。

　　中国画以线条构成，是与中国艺术家对线条的情有独钟和独特感受分不开的。我们绘画的先祖认为，以点作画易于零散、琐碎，以画作画易于模糊、平板，用线最易捕捉物体的形象及动感，最适宜发挥毛笔、水墨、宣纸绢帛的特性。可以说，线条是中国画家独到的艺术语言，是中国画的灵魂。

　　用于绘画的线条是有生命力的。千百年来，中国艺术家伏案笔耕，利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、毛涩、疾徐、虚实、顺逆、繁简等不同质地、不同感觉的线条，并用这些含情线条的渐变、排列、组合、交搭、分割、呼应，在画面上构成造型的诸多形式。抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿、无不显现着画家的才思、功底。

　　笔韵是中国画家追求的较高境界。运笔时所表现出的一种内在节律，情感起伏，通过气与力的统一变化而形成用笔的韵律感和节奏感，亦是画家心弦的拨动。笔力、笔气、笔韵是有机的统一，以气统力、统韵，以韵助气、助势，三者完美的结合，方称上佳的用笔。或浑厚苍劲、刚健挺拔或含蓄内敛、简约空灵、飘逸洒脱，无不是画家千锤百炼，用心血和汉水浇灌的结果。

　　中国画以墨为主、以色为辅，是其基本特点。笔墨二字几乎成了中国画的代名词。如果说西画是体、面和色彩的交响，那么，中国画就是点、线与水墨的协奏。墨分五色，释为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五大色阶，并由五种色阶之间（加水量多少）形成的无数细微的渐变。唐代张彦远在论墨时说：“草木敷荣，不待丹绿而采，云雪飘扬，不待铅粉而白，山不待空青而翠，风不待五色而卒。是故运墨而五色俱，谓之得意。意在五色，则物象乖矣。”说明墨不仅能决定形象，分出明暗，拉开距离，代替色彩，还能制造画面的气氛。中国画家深谙绘画要旨，认为画面太枯则有燥气、画面太湿则无生气，墨无变化则僵滞死板。因而数块浓墨必以淡墨破之；一片淡墨必以浓墨破之；一片枯墨必以湿墨润之；一块湿墨必以枯墨提醒。观其面目时往往尚未看清具象形态，就已被画面笔墨中溢出的抽象意韵所感染。在欣赏中国画时往往也从这里入手。

　　在中国画创作过程中，始终离不开墨。用墨有几种主要方法，泼墨法、积墨法、破墨法、宿墨法、渍墨法、蘸墨法，等等。好的画无不在用笔、用墨、用线、用水方面有高妙之处，在画面上显现出浓淡干湿变化。古人说的好，“干裂秋风，润含春雨”，就是这个道理。

　　三、欣赏作品要看构图、形式

　　中国画的构图有多种形式，也有多种提法，习惯称谓“章法”、“布局”。东晋顾恺之称之为“置陈布势”，谢赫则称之为“经营位置”。提法虽不一样，但其意相同，即作者将要表达的内容与形式加以组织、安排，构成一个体现个性、呈现气势、和谐统一的整体画面。一幅作品境界或高或低，或奇或特或平庸，构图至为关键。

　　构图法则有其自身规律，最主要的规律就是辩证法中的对立统一。凡符合对立统一规律的作品，就耐看，就有美感，就有吸引力，反之，美的因素就会大打折扣。构图的来源是生活，是眼界，是修养，是格调。构图具有极大的灵活性，因为中国画使用独特的散点透视法。用这种透视法来展现绚丽多姿的世间万物，给作者带来极大的自由性和灵活性。它不受时间和地点的限制，不求物体具象，只求构思和形象入“理”。

　　中国画讲究稳中求奇，险中求稳，着意对比，打破对称，形成一个富有节奏的协调整体。大多采用“三七停”起手法则，把主体物象放在三七点上，对打破均衡起到至关重要的作用，也易于形成韵律节奏，给观者以视学美感。

　　中国画博大精深，源远流长，融诗、书、印于一炉。宋人邓椿说：“画者、文之要也。”“画到极至”谈何容易，能创作出一两件与众不同，经得起历史检验的作品并非易事。因循守旧不行，越雷池甚远也不行；不师古人不行，师古不化也不行；不师自然、不师心不行，走捷径、搞旁门左道更不行。

　　绘画有高有低，因而就有了不同时代的品评标准。张怀瑾提出了“神、妙、能”三品，朱景玄提出了“神、妙、能、逸”四品，黄修复则强调“逸、神、妙、能”四格，张彦远定了“自然、神、妙、精、谨细”五品级。不论是神行逸后，还是逸先神后，都说明中国画始终追逐着高品位。充满着美学意识，自我意识，在借鉴传统的基础上艰难探索，力求创出个人高雅的风格，力争呈现出更加自然的气息。

　　看画还要远观其势，近取其质。利用不固定的视距、观其物象。远看大势气韵，近看点线质量。“六法”精论，是画学传统的金科玉律。在中国绘画史上这一理论具有无法憾动的深远作用。也是时下评价、品赏中国画的根本法则。凡属画人必受这一法则的约束和检点，用这一法则鉴赏，评价中国画作品，其高低自可辨也。