中国对抽象艺术的引介从民国便出现,从二十世纪二十年*始,中国美术界先后受到日本和苏联的影响,发展出两种对于抽象艺术的理解方式——比附的理解观与推演的理解观——前者强调去历史化的、审美共通的比对,而后者强调基于艺术抽象一般性规律演进的无差别生成.通过这两种理解观,中国开始生成与西方抽象艺术历史逻辑不同的中国的抽象艺术.随着改革开放后重要的理论观念争论和抽象艺术家来华展览与讲学的影响,抽象艺术在理论观念与创作实践上的本土化要求开始迅速提上日程.随后中国当代抽象艺术在对形式问题、文化关照问题、情感表现问题以及材料问题的回应中正式走上历史舞台,并以多种形式的视觉实验占据着中国当代艺术的一席之地.

本论文研究的时间范围为20世纪80年代至当下,主题是中国当代艺术中的西方模版.

中国当代艺术从发生之初就模仿西方现代艺术的观念、图式、语言逻辑.这与全球化的时代背景,以及西方文化的强势地位有很大关系.中国当代艺术对西方的模仿,这已经不是中国特有的现象,当今世界所有欠发达国家都存在这样的问题.因为发达国家向欠发达国家提供了走向未来的发展途径,他们的经济、文化、政治等都被全球范围的欠发达国家用作参照体系.

中国当代艺术的开端是以西方现代艺术作为模版,它主要体现在改革开放以后,西方思潮大规模传入中国,以及中国结束“xxx”后社会意识形态的变化,而带来的一系列文化上的变化.伴随着改革开放和全球化格局下的中国社会发展,中国当代艺术从精神观念、图像语言等层面上对西方现代艺术进行了全面临习、摹仿、移植、嫁接和融合.随着中国当代艺术自身的发展,中国当代艺术家在艺术创造中,逐步回归到中国文化资源和本土文脉的创新探索中,开始了超越西方模版的初步实践.

本文通过对具体艺术家的具体艺术理念和艺术图像分析,阐释中国当代艺术家是如何学习西方模版,又是如何进行超越西方模版的实践.进而提出在后殖民文化背景下,在全球化的世界格局下,如何重建中国当代艺术的价值观与话语体系.

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西方艺术引用文献:

本学期选修了近代美术史，由于高考基本能力科目涉及大量美术及其鉴赏的知识，中学初步学习了有关西方美术的知识，当时仅仅注重对西方美术的流派及其人物作品的学习，很少涉及对美术作品的鉴赏。但是对美术的欣赏与鉴赏产生了一定的兴趣，使我选学了西方美术史。通过这学期的学习，使我更深的了解了西方美术的博大精深，感受到国外众多画家流派的风格，深刻地感觉到，不能以好看不好看来评价画的好与坏，要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。首先我想先理顺一下西方美术的发展过程：西方美术在经历了较长时间的原始美术之后，逐渐发展了包括美索不达米亚、古埃及、古罗马、古希腊时期的美术，课上老师主要讲授了对古希腊和古罗马时期雕塑和绘画的鉴赏及区分。雕塑师古希腊艺术的灵魂。古希腊的雕塑家们对身体结构的认知，对神态的描摹以及对雕刻技术的运用，都达到了炉火纯青的境界。另外古希腊雕塑具有很强的感染力，比如，雕塑《掷铁饼者》，最初见到这件艺术作品时，我还完全不知道什么是古希腊艺术，但当时依然给我很深的震撼作用，雕塑者给予了这件作品完美的线条，生动的神态，赋予了它神秘的神话色彩，让人一下就置身于这种豪迈的气势中。而古罗马艺术在建筑上成就很高。大型建筑物风格雄浑凝重，构图和谐统一，形式多样。

罗马人开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑艺术手法。接下来的中世纪美术由于受到教会的制约，开始不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。这一时期建筑艺术高度发展，拜占庭教堂、罗马式教堂和哥特式教堂是主要的成就。十七世纪在欧洲出现了巴洛克美术，发源于意大利，主要是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。十八世纪洛可可风格在法国兴起，其特点是追求华丽纤巧和精致。期间随着法国资产阶级大革命的到来，先后出现了新古典主义艺术运动和浪漫主义画派。德拉克洛瓦和席里柯都是杰出的代表人物。十九世纪是现实主义美术蓬勃发展的时期，期间的大量作品或深刻反映了当时的社会矛盾或歌颂人民的辛勤劳动。十九世纪后期在法国产生了印象派，受到现代光学和色彩的启示，注重在绘画中表现光的效果。二十世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。在如此多的流派时期的作品与画家当中，印象派给我的感觉最深刻也最独特。可能最初学习钢琴的原因，曾经学习过印象派音乐德彪西的《月光》，再了解美术的印象派时我的印象更加深刻。德彪西尝试以音乐捕捉事物的印象或情绪，在他的音乐中，色彩、音色与节奏的重要性绝对不亚于和声与旋律。这种特点跟印象派美术非常相似，印象派画家就是注重表现绘画中光与影的变化。

我查阅了各类资料，加上我一些个人的认识和观点，形成了以下的一些看法。“印象派”这个名称不是画家自己取的，1874年4月，几个青年艺术家在巴黎的一个摄影师的工作室举办了”无名画家、雕刻家和版画家协会”的展览，看展览的人很多，但对于这种新风格的绘画却难以接受。因为莫奈展出了一幅名为《日出·印象》的作品，有一个杂志记者就把他们讽刺性地称为”印象派”。印象派画家并没有一个组织或团体，也不是想发起一场艺术运动，但这个展览一出来，他们就被看成了一个有共同艺术倾向的群体，印象派这个称呼就这样被人们接受了，而且还把他们称为印象主义绘画。拂晓时分，一轮红橙橙的太阳缓缓升起，挣扎着冲出平静的水面，奋力地划破浓浓的晨雾，露出自己的面目。朝阳，染红了天空，染红了云彩，染红了水面，染红了画布，染红了我们的视觉。三艘小船，早已扬帆，摇曳缓进，沿水而行，由远及近，慢慢行驶出重雾，渐渐淡入到前景，静悄悄的，好像不忍惊醒远方还在沉睡的港都，隐约约的，好像不敢干扰眼前正在凝视日出的观众。日出而作，日落而息，新的一天开始了。这就是莫奈给我们的《日出印象》。静谧的，朦胧的，深邃的，富有韵律，富有节奏的。一种素描的风格，一种诗的意境。观看日出给我们带来了人生感慨，而对艺术家是好的表现题材。红日冉冉上升，阳光由柔而强，大地迎来光明，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，由他们构思自己的图画，让他们表现自己风格。

而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它画出。不再把自己关在画室里闭门造车，不再重现虚构的传说故事，他们带着折叠式手提画架，背着木制颜料盒，搭起遮棚，要着干粮，到野外去写生作画，把亲眼看到的搬到画布上，把实际发生的记录在作品中，把室内绘画变成户外艺术。莫奈把自然的真实性降低于色彩表现形式之下，把理想化的主题排斥在绘画目的之外，他为着运用色彩去作画。从此艺术不再是描绘对象的附庸，而有着独立的品格和自主的权利。1892年2月至4月中旬及1893年，莫奈在两次大行动中为鲁昂教堂绘制了30余幅油画。他是从三个不同的位置画的。第一个位置差不多选在教堂的正对面，即一家衬衫店。商店内的工人来来往往，使得他无法工作;他于是又在一家时装店二楼的试衣间安顿下来;由于顾客的埋怨不绝于耳，画家只得用一扇屏风把自己同外界隔开。到了1893年，他又选了第三个地方;这一次，他经常从两个不同的角度同时作画，最多时候同时画14幅画，随着光线和时间的转换而不停地奔波于各帧画幅之间，努力捕捉色调和明暗的变化，树立起其色彩的构架。《鲁昂大教堂》，壮观的建筑形象，完全被强烈的反射光冲淡了，看了令人目眩。建筑物本身的结构似乎被一层厚厚的光所包裹。看上去笔触狂放不羁，实际上是画家在长时间观察后才落笔的。

当莫奈画完鲁昂教堂的连作之后，精疲力竭，视力几乎不能恢复。对太阳光谱如此迷恋，正是这位艺术家的特殊的个性表现。在画鲁昂教堂时，莫奈有时把画架放在鲁昂时钟大街一角的一幢房子里，有时就干脆在大桥的马路上，面向教堂的西大门。从黎明的薄雾画到昏昏目落，不断在好几幅画布上记录建筑物在阳光下的反射光变化。庄严的哥特式教堂在他的眼里，成了一簇充满着色彩旋律的光的结晶，人们已经看不到建筑物本身的结构，只有一层刺眼的复杂的反射光。对莫奈的作品评价最为中肯、理解也最为深刻的当推其多年好友——政治家乔治·克莱蒙梭。乔治在一篇题为”教堂革命”的文章中写道：”灰暗的物体，其本身因阳光的照射而获得生命，获得给人们的感官以印象的能力。但这种围在物体表面、深入其内部、反射至外部空间的光波，始终处于杂乱无章的状态：有时如高耸入云的‘波涛’，有时如风平浪静的‘水花’，有时则像是一场‘急风暴雨’。物体正是依靠这种‘有生命’粒子的狂放不羁才得以显现出来，我们也正因为这种狂放不羁才可以看见物体，同时物体也正是因此才得以显出其确实存在;那么一件东西在光的照射下究竟是什么样子，这是我们现在必须弄清楚的，是画家所要阐明的，也就是通过画家之手来进行化解和重新组合。”

在这五幅《鲁昂大教堂》的画面上，可以领略不同的色彩感觉。从中可以看到莫奈对光和色彩的探索匠心，在光照下教堂的轮廓被冲淡了，显得很微弱，随着光的变化引起色彩的改变，教堂形态也发生了变化。画家注意捕捉每一瞬间表面色彩之幻影与长久不变的形体结构的对比关系。这两幅色调不同的同一教堂所呈现的形象和气质也不一样。画家运用浑厚的笔触层层叠加画法，形成大片的碎块厚涂，使教堂具有分量和体积感，深沉而神秘。在印象派绘画出现之前，法国巴黎乃至整个欧洲画坛，都是以安格尔为代表的所谓新古典主义和派占据统治地位。印象派从精神上是对立于古典传统绘画的，强调创新。创新在什么地方呢?风景、人物、裸体这些题材早已被前人画过几百年了，这些题材是不会触怒古典主义和派的。他们不屑于像宗教和文学那样主题性地再现现实，提出应而随意地表现生活与客观物象，注重画家对于现实情境的自我感受和自觉表现，擅长于对现实情景的生命状态和存在形式进行直觉式的客观再现与描绘，将绘画从客观的自然再现转向主观的精神表现，以迎合新兴市民阶层审美的需求，努力反映印象派具有绘画独立性的美学观念。

因此，他们的创新主要在于画法以及对于题材的态度，其实，印象派画家并不是反对以自然为师，他们离开画室，采用小尺寸的画框和便于携带的油画布及其他材料，就是到大自然中去转瞬即逝的色彩变化，去寻找宣泄自己情感的方式，去发现和创造自己的思想。正如文艺复兴运动使欧洲从中世纪摆脱出来一样，“印象派”的出现，则标志着艺术家从室内走向了室外，从画面的一种近似于“酱油色彩”的调子走向了色彩斑斓的画面，从古典画法的看不见笔触到现在的自由奔放的笔触，从关注宗教题材到表现乡村题材和平凡生活的变化，从客观再现到主观的精神表现等。20世纪初期，印象派已经成为广受欢迎的艺术流派。它在法国取得了最为辉煌的艺术成就，遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地。以上就是我通过结合西方美术史的学习对印象派美术(主要是莫奈的艺术作品及风格)的一些粗浅见解。短短十个周的学习，使我对美术知识认识还很有限，对画家及其他们作品的评价可能有点片面和不足。但是，完成西方美术史的选修后，再鉴赏外国画家的作品时，不再人云亦云，能够提到自己的观点。这或许就是选修西方美术史后最大的收获吧。

摘要：

关键词：

美术论文发表

高中美术课以鉴赏为主，美术鉴赏是在对作品感性认知后的理性追求，是鉴赏者运用自己的感知经验和知识对美术作品进行感受，体验分析和判断。在理解美术作品和美术现象中获得审美体验。美术鉴赏活动不仅能培养学生高尚的情操，还能激发学生学习活动。但在我几年的教学工作中发现单纯的美术鉴赏课教学过于枯燥，一般情况下都是教师在分析作品，学生在欣赏作品，但课堂上学生对艺术作品的热情不会坚持很久。课堂气氛不够活跃，久而久之学生会产生厌倦，不屑一顾的态度。课堂上出现了你讲你的，我干我的情况。针对这种情况我对如何更有效的组织鉴赏课堂产生了一些想法，并用在实际工作中，还是有一定的收效:

一、语言导课的艺术

高中美术鉴赏没有学生动手的内容，这就区别于学生在初中，小学上过的美术课。所以不要把鉴赏课变成千篇一律的你讲他听的习惯。在引课时就要吸引住学生，让学生对本课产生一种好奇，这就要求教师在备课时多下功夫预设出有深度的问题或创设好教学情境。在上《古埃及美术鉴赏》时，我分别在高一(9)和高一(10)班上，导课的方法不一样，效果也大相径庭。在高一(9)班上时，我是这样引课的，上一节课我们欣赏了史前美术，请同学们回顾一下，说说你们的收获，(学生稀稀拉拉的回答问题，明显他们积极性不高)这节课我们继续欣赏古埃及时期的艺术作品。(高中学生学业负担重，在学生的意识里不重视美术课。一些学生出现了懒得复习美术知识的现象)。无疑这样的引课，学生表现出淡漠，学习毫无热情的现象。是而在(10)班上时我提出关于四大文明古国之一的古埃及你知道多少，说说看。刚开始有几位学生脱口而出说:金字塔、法老、木乃伊等，班里一下热闹起来了，出现了很踊跃的回答问题的现象，有几位同学把关于古埃及的历史和艺术作品讲出来，我都大吃一惊，学生的知识量尽有这么丰富!当一位同学讲到关于图坦卡蒙墓室，把关于在该墓中发掘的文物的数量、文物内容到图坦卡蒙的故事一一讲给大家听，尽管他在讲解的时候神情一开始还是有点羞涩，但通过我微笑的鼓励，加上他们对古埃及文化深刻的感受，慢慢的他们的讲解就顺畅了起来，特别是后几个上台的同学，由于有时间为自己的讲述打一下腹稿，他们的讲述尤其精彩。此时的我则站到旁边，把这些同学的讲述同课本结合起来进行系统的总结，引出本课的内容。

所以，经过实践，我认为作为一位高中美术鉴赏教师，要让学生对鉴赏课产生好奇，首先导课是很重要的，所以你是不是在第一时间抓住学生的注意力决定一节课的成败。

二、在理解艺术作品时学生活动的重要性

在美术鉴赏中一般比较重视对理论知识的探讨和理解，教学手段主要是欣赏图片，然后就是你说我说，手段的单一性不仅使学生感到乏味，教师也觉得疲倦，学过的东西很快忘记，所以在课堂上引导学生动起来，不但可以加强学生的记忆，更能加深对艺术作品的理解。如，在上《文艺复兴时期的美术时》讲到《西斯廷天顶画》这幅作品时，讲解了作品的内容，艺术性后。我本人很感动的是xxx由于长期的高空仰面作画，使他的颈椎严重受损，以至后来看书看信时必须置于头顶。我觉得很有必要向同学们讲讲这位大师为艺术的奉献精神，从而能让学生产生共鸣。这时我请同学们头仰起来，手试图在空中作画，尝试一下仰面作画的感觉，有一部分男生调皮的说:这简单，但我说你能坚持3分钟吗，学生回答没问题，我说你能坚持一节课吗学生边尝试嘴里开始犹豫，我又说xxx坚持了4年，而且是站在高18米的脚手架上，其劳作至艰辛可想而知，学生都低下了仰酸的脖子哇的一声，他们通过短短几分钟的尝试，从心底里佩服这位大师的毅力。有一位同学从而联系到自己的学习，他由衷的说xxx的毅力是我们学生学习的好榜样，学生这样的参与，体验后对美术作品和艺术家的理解更加深刻。这样的教学活动收效很大，体验后的人文教育更好的渗透在本课中。

三、创建问题性情境，激发探究欲望

甲方：

乙方：

经甲、乙双方平等协商，本着双方互惠互利原则，依据《^v^合同法》、《^v^著作权法》，《^v^专利法》等法律法规，双方自愿达成如下合同内容，供双方共同遵守。

一、 由甲方绘制的艺术品(油画、国画以及其他等相关艺术品以下简称艺术品)授权乙方从_______________至_______________期间在规定的区域内_______________________________________________销售，并严格执行甲方的营销策略及价格体系，未经甲方书面许可，严禁在代理区域外营销，否则，乙方该销售收入归甲方所有。

二. 不经甲方书面同意，乙方禁止实施复制、复印或进行微小改动等一切侵犯甲方著作权，专利权和商标权的行为;乙方承诺不经营销售第三方仿制侵犯甲方著作权和专利权的艺术品,乙方违反上述两条，应承担违约责任并自愿同意每复制或临摹一幅甲方作品以及营销一幅由第三方造假或复制等侵犯甲方权益的艺术品，都将付给甲方每幅10万元人民币的违约金。

四. 诚信和守法是双方合作的基础,为保证甲方的权益不受到侵害,乙方准许甲方采用各种方式监督乙方,并准许甲方不定期进入乙方经营场所、库房、工作室等场所进行工作检查,如存在侵权或违约行为,乙方需按本合同第二条款承担违约责任。

五.在乙方销售区域内, 如发现甲方艺术品遭到复制、临摹等侵权现象,乙方要及时通知甲方,并协同甲方按相关法律、法规予以打击.如需要起诉侵权人,所需费用甲、乙双方各承担50%,所取得利益甲、乙双方各分得50%。

六. 严禁乙方在未经甲方书面许可的情况下，将甲方提供给乙方的资料、图片以及相应电子版文件交给他人使用。如果乙方违反本条款，乙方要按本合同第二条款向甲方承担法律责任。

八. 乙方可以免费参加甲方组织营销策划，以及销售方面的培训，并得到全方位的技术支持。(食宿差旅费等费用自理)

九. 乙方订购甲方艺术品，款到后十日内发货，如乙方要求特殊题材、尺寸十五日内发货。

十. 乙方在甲方订购的艺术品、包装以及在甲方所在地(市区)运输费由甲方承担，长途费用等其它费用由乙方承担。在运输过程中造成艺术品损坏的，乙方保存的，破损艺术品待甲方验证后双方协商解决。

十一. 甲方承诺,甲方向乙方提供的艺术品,是自主创作或有合法使用版权的艺术品.如因甲方所提供的艺术品造成侵权责任,给乙方造成经济损失,由甲方承担。

十二. 乙方选购甲方所绘制的艺术品,题材、尺寸、数量、单价，经双方确认，乙方将画款一次性付清后，艺术品不退不换。

十三. 乙方取得区域独家代理权，要努力开发市场，接受甲方营销方式方法以及价格指导。如果乙方在营销及开拓市场不能达到甲方要求，甲方有权单方终止合作。

十四. 合同期满后，严禁乙方将甲方遗留下的艺术品、照片资料等进行临摹仿制，如乙方有侵权行为，甲方有权按本合同第二条款继续予以追究。

十五. 未尽事宜双方可另行协商。

十六.合同履约地：北京市通州区。

十七.此合同传真件有效。

甲方(公章)：_________ 乙方(公章)：_________

法定代表人(签字)：_________ 法定代表人(签字)：_________

_________年____月____日 _________年____月____日

本文的研究对象为二十世纪下半叶起源于西方分析美学阵营内关于“艺术定义”之论争的艺术体制理论.从狭义上来说,艺术体制论特指以分析美学家丹托和迪基等人为代表的从分析哲学出发的为艺术下定义的理论；而从广义上讲,艺术体制论也可以是指从体制角度来分析艺术界景观和现象的诸种艺术理论.虽然艺术体制理论在不同研究路径下呈现出不同的面相,但总的来说,它把艺术视为一种体制,将艺术作品和现象置于具体的文化社会背景中加以讨论,将目光从艺术的“本质属性”移向艺术生产、传播、消费和分配过程中所涉及到的制度、行为和各种权力关系,打破了艺术是“纯粹的”这一美学幻象.

通过介绍、梳理艺术体制理论的发生、发展和演变,本文揭示了当代美学发展的一个重要的范式转变：从探寻艺术品自身的“本质属性”的内结构思路,转向以探讨作品与其外在历史、社会、文化语境之间关系的外结构研究范式,换言之,传统艺术哲学和美学的本质主义追问“何为艺术”,在艺术体制理论对艺术品资格何以获得的考察中,被置换为“为何为艺术”.艺术体制论的出现表明,传统美学和艺术哲学在当代艺术实践创新与自身理论发展需要的双重压力下,需要从其他学科(如社会学)汲取理论资源的趋势.美学也该从对“美”的过分关注和一统天下的本质主义思路中走出来,摆脱抽象的哲学思辨的束缚,重新关注生活与艺术的融合.

论文包括引论、正文和结语三部分.引论部分综合论述了艺术体制理论的界定,研究背景和意义及其国内外研究历史和现状.

正文第一章梳理了现代自主性艺术观念的形成以及由此必然出现的本质主义诉求的关系,分析了本质主义界定艺术的路径在面对后现代艺术实践时表现出明显的阐释乏力,而分析美学家们在反本质主义批判中发展出了“艺术不可定义”与从“非显性属性”出发重新界定艺术的两派,后者为艺术体制理论的发生提供了新思路.

第二章阐述了分析美学家丹托的“艺术界”理论的发生和发展.在丹托看来,“艺术界”就是由艺术史知识和理论所构成的赋予某物以艺术资格的体制性环境.文章指出,丹托的这一艺术“类定义”引发了“某物何以获得艺术品资格”的问题.本章进而对丹托围绕这一问题而提出的核心概念“艺术指认的‘是’”、建构性阐释以及作为“理由话语”存在的理论氛围等进行了逐一解析,并指出对艺术品资格的判定和建构因素的讨论不应只停留在语言学层面,而应该深入到社会现实语境中去,这一思路在迪基的体制论中得到了继承和延续.

第三章讨论了迪基以艺术资格的“授予”为核心概念的早期惯例论.首先分析了迪基如何通过对“审美经验”和“审美态度”的解构为建构价值中立的定义铺平道路.继而分析了迪基如何从“第三种关系属性”(艺术与社会体制系统之间)出发和艺术概念的“分类意义”出发,提出其惯例论的核心内容,即艺术品资格的获得是一种艺术体制对某欣赏对象进行的艺术地位的“授予”过程,艺术体制就是一种惯例性的既定实践体系.

第四章主要研究的是迪基后期惯例论以及由此产生的体制论的文化社会学转向.首先概述了分析美学界对惯例论的几种具有代表性的批评.针对这些批评,迪基的艺术哲学思考逐渐从艺术品本体的定义型思维模式转向对艺术界作为文化结构框架的探求.其次,本章对丹托和迪基的艺术体制论之间的异同进行了比较,指出丹托视角中的艺术品所处的“语境”(context)是一种具有形而上学意味的“理论氛围”,而迪基的“惯例论”则比较详尽而实证地阐述了这一背景,因而带有更鲜明的社会学色彩.最后,本章探讨了艺术体制理论在当代分析美学中所引发的文化学转向,指出体制取径已呈现出溢出传统美学所秉持的艺术品本体论视域的趋势,向文化社会学靠拢的趋势.

结语部分总结了艺术体制理论的意义和价值,同时剖析了艺术体制理论所揭示的分析美学所面临的困境,指出体制理论引发了当代美学在思考路径上的范式革命.

摘要：西方美术作品的欣赏是美术教学的重难点问题，中国学生在没有受到西方文化的熏陶下，很难对风格各异的西方美术作品产生深入的理解。另外，对于西方美术作品的欣赏和理解不是一种简单性的自我判断，而是需要在了解美术创作历史、美术批评、美术理论等基础上进行。文章在对西方美术作品欣赏方法探索的基础上，以xxx的《大卫》为例，具体论述西方美术作品欣赏。

关键词：西方美术作品;欣赏;研究;《大卫》

任何美术家的美术创作都需要在一定的历史文化语境和氛围中进行。西方美术作品的创造和发展需要依据特定的西方美术发展历史。西方美术发展历史能够对美术风格流派的特征及发展变化进行介绍，从而加深美术家创作作品的内涵，提升欣赏者对美术作品复杂性的认识。另外，对于西方美术作品的欣赏还体现在美术批评上。美术批评(评论)是一种专业性的谈论，是对美术作品进行解释的重要方式，能够帮助欣赏者以一种客观的态度来理解美术作品，进而提升欣赏者对艺术的理解能力和欣赏水平。

一、西方美术作品欣赏

西方美术表现形式高雅深奥，具有很强的人文情怀，会给人带来一种身临其境的感受，加强对艺术的体悟能力。西方美术发展根本 在于对自身的认识，西方美术在西方指的是一种非公立主义的艺术，是在审美认识的基础上创作出的有形艺术。

(一)美术作品的描述

(二)美术作品的分析

对于美术作品的分析时将美术作品划分为成几部分，将复杂的问题以一种简单的要素来进行研究。对美术作品的分析具体从以下几个角度进行：第一，美术评论角度。从美术评论角度对作品进行分析一般是超过语言描述的，是进一步对作品创作原因的分析，包括美术作品创造的要素以及创作规则，具体表现为色彩、线条、形状、系统空间布置方面，讲究作品设计的均衡、比例协调以及节奏问题。第二，美术史的发展角度。主要是通过对不同美术家作品的比较，来对美术创作的流派进行分析。

(三)美术作品的.说明

美术作品的说明是为了进一步探讨美术创造的内在含义，了解美术家赋予美术作品的思想观念内涵。对美术作品的分析具体从以下几个角度进行：第一，美术评论角度。美术作品的创作是通过某种信息符号唤起欣赏者的心理反应，这种反应能够对欣赏者的回忆、情感以及价值观形成产生作用。不同的欣赏着受自己阅历的影响对同一种美术作品会产生不同的想法。第二，从美术史发展角度。主要是从美术家的创作背景来对作品进行更深层次的理解。比如想要了解戈雅的绘画作品，就需要了解戈雅所在的社会政治背景。

(四)美术作品的判断

美术作品的判断是针对美术作品的艺术角质，主要从以下几方面进行：第一，美术批评角度。具体表现为对艺术家创作作品风格的判断，比如美术家使用的具象派还是写实派，是表现主义还是情感主义等。第二，美术史角度。需要了解美术作品创作的目的、风格、情感、表现方法等。

二、西方美术艺术起源及发展成果研究

(一)起源

西方美术艺术的起点在希腊，主要发展的高峰时期包括古罗马时期、文艺复兴时期和十九世纪。历史的发展体现了艺术发展的一种普遍规律，且艺术发展的过程中逐渐实现了革新。中世纪时期的西方主要被教会思想笼罩，人们的思想行为及艺术创作深受教会影响，表现为艺术创作缺乏创造力。文艺复兴的发展则是解放了人们的美术创造天性，创造出了无与伦比、流传至今的西方美术作品。在文艺复兴时期，欧洲出现了大量的艺术创作天才，比如xxx、达芬奇等。

(二)xxx的美术艺术作品创作

文艺复兴时期，xxx的作品具有强大的爆发性力量，其美术作品的创作发展带来了文艺复兴运动发展的高潮。xxx对身体绘画的创造具有很强的表现力，在进行人体解剖研究的同时，创作出了展示人体美的美术作品。比如早期的浮雕作品《阶梯旁的圣母》和《山陀儿之战》，以一种朴实、庄重的画风展现了在强烈运动中的人体美。xxx的美术创作具有以下几方面的特点：第一，其宗教题材的美术作品中具有鲜明的人性特色，描写的宗教对象大多是穷人。第二，他的作品体现了时代发展 的气息，比如《大卫》的思想、《摩西。中的愤怒等。第三，作品集中展现了个人思想发展和时代进步发展之间的矛盾，具有很强的悲剧性色彩。

(三)xxx美术创作的作品――《大卫》

大卫是以色列的大王，他在少年时期，是一个牧童，在非厉土人对以色列进行侵略时，大卫到前线给自己的哥哥们送饭。在送饭的过程中遭遇了凶悍的敌人，以色列人不能抵御这种强悍的敌人，大卫用武器杀死了敌人，拯救了整个民族。因此，西方将大卫视作一名英雄，代表的形象是保卫国家的英雄。

在1501年的春季，xxx回到弗洛伦撒，在当年的秋天开始创作雕塑美术作品《大卫》，创作历经三年完成。当这部作品问世时，整个弗洛伦萨热烈欢呼，人们都纷纷来欣赏这部美术作品。xxx没有将大卫塑造成一个牧羊少年，而是将他塑造成了一个青年的壮士，在他身上赋予了一切美好的思想。大卫不再是圣经里的理想人物，而是代表了市民英雄，将人们的英勇反抗斗志赋予在大卫身上，体现了强烈的改造世界的人文主义思想。xxx的《大卫》是一座高为公尺的立像，塑造的是一个肌肉发达、体格匀称的青年男子，这名青年男子充分自信地站着，左手持有石块，右手持有石器，描向远方的敌人，体现了男性的英勇魄力。《大卫》是西方美术发展史上被人们夸耀最多的男性雕塑，赋予了人迷你的抗争精神。

总结：西方美术艺术发展历史悠久，具有很强的人文主义色彩，体现了当时人们对幸福、对理想的美好追求，经过时代的变迁，西方美术艺术在时代发展洪流中愈发地显示出了自己独特的魅力，得到了各国的关注。为此，需要有关艺术人员进一步加强对西方美术史的研究，充分借鉴，在借鉴基础上促进本国美术艺术的创作发展。

参考文献：

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01、《人物龙凤帛画》/战国帛画

02、《长沙马王堆一号汉墓帛画》/西汉帛画

03、《女史箴图》·局部/顾恺之

04、《洛神赋图》·局部/顾恺之

05、《职贡图》·局部/萧绎

06、《竹林七贤与荣启期砖画》/画像砖

07、《鹿王本生图》/莫高窟壁画

08、《西方净土变》/莫高窟壁画

09、《维摩诘经变》/莫高窟壁画

10、《张议潮统军出行图》/莫高窟壁画

11、《游春图》/展子虔

12、《历代帝王图》·局部/阎立本

13、《步辇图》/阎立本

14、《虢国夫人游春图》/张萱

15、《捣练图》/张萱

16、《簪花仕女图》/周昉

17、《高逸图》/孙位

18、《江帆楼阁图》/李思训

19、《明皇幸蜀图》/李昭道

20、《辋川图》/王维

一幅名画的诞生的教案设计

教学目标：

1、通过自学,学生能正确理解“难以磨灭、褴褛、顽强”等词语意思。

2、借助“读、议、感悟”相关练习，理解重点句段。

3、在理解、体会的基础上有感情地朗读课文。

4、了解列宾创作名画的原因及过程，体会他对底层劳动人民的深切同情，同时感受他们身上不屈的力量。

教学重点：

学习名画诞生的原因及创作过程，体会列宾对劳动人民的深切同情，及对他们不屈力量的赞颂。

教学难点：

在重点语段的学习中，学会理解重点句段的方法。

教学过程：

一 、背景解读，感受名画。

1、出示课题，了解名画。

师：今天我们学习《一幅名画的诞生》。(板书课题)，板课题时，我们一起来书写“诞”字。(齐读课题)大家预习了课文，知道这幅名画的名字吗?(板书：伏尔加河上的纤夫)

“纤”这里读qian,它还有一个读音，交流、组词。(让学生在黑板上板出“qian”和“xian” 纤维)

理解：纤夫 (谁能告诉我什么是纤夫?)

师：纤夫就是以拉船为生的人。

2、介绍背景

师：这幅画画的就是在俄国著名的伏尔加河上的纤夫。看看当时的情况。

媒体出示：19世纪60年代的俄国正是俄国历史上最黑暗的年代。沙皇的残酷统治，使得俄国人民生活在水深火热之中。盛夏的伏尔加河气温高达40多度，但是纤夫们为了挣得几块面包，不得不贱价出卖自己的劳动，终年拉着沉重的货物，在伏尔加河上来来去去。)

(指名学生读，)

3、介绍名画

师：这是俄国著名画家列宾的成名作。

媒体出示：《伏尔加河上的纤夫》这幅画。

(1)、画中有些什么?(学生交流)

师：文中是这样写的。

媒体出示：文第一节

(2)、全班一起读

师：你觉得纤夫的工作怎样?(让学生交流：辛苦 艰苦 艰辛……)

师：是啊，他们的生活是这样的艰辛，脚步是这样的沉重，让我们放慢节奏再读读这段话。(指名读，齐读)

二、初读课文，整体感知

师：这幅名画是怎样“诞生”呢?让我们继续学习课文。 (打开书，自由读课文3-7小节，读准字音，读通句子，然后划出表示时间的词语，想想在这些时间段中，列宾看到了什么?或做了些什么?)

1、自读课文，理出时间线索，根据时间概括列宾所做的。

交流板书：

1868年 1870年 1873年

2、简要复述名画的完成的过程。

媒体出示：( 读读课文，填一填：1868年夏天，在涅瓦河畔，一队______的纤夫给列宾留下了______的印象。于是，他____次来到伏尔加河，与纤夫们________，并_____地观察，______地工作，反复修改，用了___年时间，终于创作了名画——_________________。)

(1)填空。

(2)全班齐读。

三、感悟过程，升华情感

(一)找出列宾看到的和怎么做的句子。

师：这段话有几句话?(两句)，第一句写的`是……(留下印象)请你快速浏览3-4小节，用直线画出描写纤夫的话。

(二)交流、相机教学：

交流看到的句子：“天哪……流露出凝重的神情。”

媒体出示：天啊，为什么他们这样-------

1、从这个句子中你读懂了什么?

师：再读句子，抓住“肮脏、褴褛、凝重”等词语，说说你从这些词语中感受到什么?

2、交流：

板书：肮脏 褴褛 ( 留下印象)

师：课文怎样把“肮脏、褴褛”写具体?(引读：有些人的裤子……)师：课文先概括写，后具体写。我们一起来分读，老师读概括的句子，你们读具体的句子。

3、为什么他们这样“肮脏、褴褛”? 难道他们不想穿干净点吗?

学生交流：(不是的，因为他们贫穷啊!谁不想穿好，吃好呢?……)

师：怪不得每个人的脸都是阴沉沉的，神情是凝重的……

师：从“凝重”中感受到什么?(学生交流……沉重，痛苦)

板书：凝重

师：那凝重的神情分明写着他们不堪重负，却还要默默地(承受着)。列宾的心灵受到了震撼，久久不能平静，所以，刚看见纤夫时，他脑海里蹦出的第一个词“天哪”。

这个词里包含什么?该用怎样的语气读?(生说：惊奇 同情 )

师：让我们带着惊讶和同情，再来读读这个词。(生读：天哪)

4、说话练习：

师：这一切都给列宾留下了——(难以磨灭)的印象。

此时，他会想些什么呢?

媒体出示:说话练习： 列宾目送着渐渐远去的纤夫，直到他们消失在视线里，可列宾心中却忘不了 ，忘不了 ，忘不了 ，他心想：

预设：1、我要帮助他们--- 2、我要把他们画下来 ----

师：这些人给他留下了难以磨灭的印象。

**交流怎么做的：(6-7自然段)

过渡：师：纤夫苦役般的劳动情景，激发了列宾的创作欲望，这个想法一直在他心里激荡，两年以后，他终于的机会来到伏尔加河畔

引读：在那里，他和纤夫们生活在一起……

“他仔细地观察着……抚摩那些铁铸般粗壮的手……”

“他勤奋地工作……带着厚厚的一册素描回到了彼得格勒。”

“根据这些素描……于1873年完成了作品《伏尔加河上的纤夫》。”

1、体会重点词句。

(1)出示句子指名读，

媒体出示：他仔细地观察着……

师：这句话中写了列宾的哪些动作?

板书：共同生活 观察 注视 抚摸

(2)观察着---注视着-----抚摸着------，这三个结构相似的短句连起来就是一个什么句?(排比句)

(3)再读读句子，从这一系列的动作中你明白了什么?

(4)师：为了更好的创作，列宾和纤夫们吃住在一起，从生疏到熟悉。在深入生活的同时，列宾从纤夫身上看到了——

学生交流：强壮、蕴藏着无穷的力量、善良。

师：列宾不仅走进了纤夫的生活，还真真切切的走进了纤夫的内心，他看到了纤夫的善良，看到了不屈的力量，看到了民族的希望。有一天这不屈的力量会站起来，贫穷的俄罗斯会有翻天覆地的变化。

(5)感悟敬佩，再读句子。

师：此时列宾对纤夫的情感还是原先的同情吗，而是转变成了——(生交流：喜爱，敬佩、热爱……) 。让我们带着敬佩之情，再来读读这一句。

2、小结归纳、引读6、7小节

师：为了画好这幅画，列宾三次来到伏尔加河——(引读“他勤奋工作……”)

为了画出列宾心中对力量的赞歌，对光明的向往，它更是——(引读“画啊，改啊……，”)

板书：反复修改 顽强

三年来列宾倾注自己全部的情感与心血，终于在——(引读“1873年完成了作品《伏尔加河上的纤夫》。”)这幅画里，他描绘了——(引读“劳动人民苦难……”)

3、结文

三年中，列宾勤奋刻苦地画着，他把自己高超的画技和他对沙皇反动统治的不满，对劳动人民悲惨生活的同情，完美地融入了画中，这一切赋予这幅画更深刻的意义，所以我们把这幅画的完成，称为诞生。(齐读课题。)

四、布置作业，总结全文

1、激发情感，再读课文第一节。

师：同学们，此时我们再一次站在这画面下，我们仿佛听到，远处传来纤夫苦役般劳作的声音;我们仿佛看到列宾正用自己火一样的热情画啊，改啊……让我们带着内心的感动和震撼再来读读第一小节。

板书：

31、一 幅 名 画 的 诞 生

伏尔加河上的纤夫

1868年 留下印象 肮脏 褴褛 凝重

1870年 深入生活 观察 注视 抚摩

1873年 反复修改 顽强

一、现代艺术对现代设计的影响

（一）现代艺术激进的探索推动了现代设计的革命

19世纪后期，绘画界对现代艺术激进的探索推动了现代设计的革命。在美术界对构成产生明确认识，是从19世纪的后期印象派塞尚开始的。塞尚的绘画构图及其方法论，与立体造型的构成是相通的。其后塞尚对构成的认识又影响了特朗、马蒂斯、乌鲁克等，使他们建立了“野兽派”。继而又建立起了“未来主义”艺术。“未来主义”又发展为革命的“达达主义”。其表现贯穿着几何的、抽象形态的意识观念。受构成主义、未来主义、立体主义等艺术流派影响，新时代的设计师开始挑战传统艺术形式，开拓了符合新的、工业化时代的的现代设计艺术风格。立体主义是最早地把时间-空间概念转化为视觉形象的艺术派别。它利用相对性原理和同时性原理，把不同时刻观察到的对象同时地表现出来，在画面中表现出更纯粹的几何形态。受此影响，设计师里特维尔特设计的“红蓝椅子”和“施罗德”住宅，把蒙德里安的二维构成延伸到三维空间，成为“风格派”设计的最著名的代表作品之一，是现代主义设计在形式探索上一个非常重要的里程碑。对工业化生产方式的强化对秩序的重要性，设计通过简化体现出秩序感，传统做法被设计师所淘汰。现代设计受到柯布西耶简洁主义所影响，把抽象的几何构成形式看作设计终极原则，反对过度的装饰，注重体现基本形态和强化功能，使理性主义成为设计风格的先锋。

（二）新的艺术和设计形式通过现代艺术和现代设计相互影响而产生

二、结语

现代艺术激进的探索推动了现代设计的革命，拓展了设计的理念和语汇。新的艺术和设计形式通过现代艺术和现代设计相互影响而产生。现代艺术所体现特性与机器大规模生产说要求的的机械化，标准化所吻合，成为工业化时代生产的必然选择。从现代艺术与现代设计它们在本质上始终相互关联，彼此互融。

关键词：抽象 具象 对立 互补

摘要：现实世界处于两难境地，出现抽象艺术和具象艺术的对立与互补。精神、情感是一种抽象的物资，如何把这种抽象具体化，艺术家采用熟悉的具象的形态的组合来表现抽象的内涵。西方现代美术作品中的抽象元素与具象元素大多难以简单地用概念划分是抽象艺术还是具象艺术，他们处于一种变化的统一的状态。

在西方现代美术的范围中去划分作品的风格，从概念上大多以作品形象与自然对象的相似程度来比较。其中的抽象艺术一般是艺术形象较大幅度的变化或完全偏离自然对象原有外观的艺术：其中的具象艺术一般是艺术形象与自然对象总体上类似或极为类似的艺术。抽象艺术发展自具象艺术，源于具象艺术，抽象的本义是人类对事物非本质元素的舍弃和对本质元素的提取。在美术领域的研究和应用中，抽象艺术和具象艺术共同构成一对相互关联的基本概念。西方现代美术中的抽象和具象发展在不同的阶段，两者之间的对立和互补的关系也在不断的发生着变化。

一、印象派中主观具象的发展

印象派的出现和发展改变了西方美术界对艺术的认识，同时对西方现代美术产生了深远的影响。印象派画家用科学理论中新发现的新色彩理论，观察到物体本身并没有永远固定的色彩，颜色随着环境与时间而不断变化。作品表现的不单单是物体本身的色彩，而是光线在物体表面呈现出的变化，表现的是画家的主观视觉世界。是在具象的物体基础上发挥主观的视觉感受，作品描绘的是具象事物，但色彩上呈现的更多的是主观感受，这种主观感受多少夹杂着抽象的因素。

后印象派不满意印象派过于依赖感觉和自然，流于瞬间，他们认为光靠眼睛是不够的，还必须思考。后印象派的绘画是在大自然的面前长期观察思考的结果，而不是自然中短暂瞬间效果的快速记录。后印象主义画家的作品不再刻意表现光线，而是强调主观感受，主观感受是一种抽象的物资。印象派对二十世纪初期的立体主义、原始主义和表现主义等现代美术流派的观察方法和风格发展产生了很大影响。

二、现代主义艺术中的抽象与具象

在近现代科学技术高度发展的西方现代社会，人类改变自然的能力是越来越强。但是人与自然、人与社会、人与人之间的关系却日益复杂和严重。现实世界处于两难境地，出现抽象艺术和其象艺术的对立与互补。象征主义发起于法国，艺术家受高更的影响，反对写实主义，相信艺术是内心的召唤，情感和意念成为他们艺术创作的出发点，随意表现人的精神状态，包括梦中所形成的象征符号。精神、情感是一种抽象的物资，如何把这种抽象具体化，艺术家采用熟悉的具象的形态的组合来表现抽象的内涵。

野兽派是典型的具象和抽象的结合，野兽派发起于法国，最具代表的领军人物是马蒂斯。曾经受到黑非洲雕刻艺术的影响。他们的特点是受梵高影响，反学院派，惯用红、绿、青、黄等原色，喜用大笔触、单纯化的线条，情感真挚外露，富于激情。野兽派的艺术家的作品线条单纯，虽外形没有完全脱离具象，但线条的组合，色彩的搭配，形状的分割，已有抽象的意味了，是介于抽象与具象的完美统一，是抽象与其象互补的完美体现。

立体派是典型的抽象表现形式，立体派和野兽派一样发起于法国，立体派受野兽派及非洲黑人雕塑的影响，将自然的形象还原为几何学的图形，将不同时间、不同角度所获得的景象组合在同一个静止的视觉形象上。立体派的代表人物有xxx，波拉克等，立体派的作品都是经过提炼的几何形，同时又是多空间事物的同一空间组合，虽画面整体是抽象的，但从画面中还是可以找到具象的单个造型形态。

三、二战后美术中抽象艺术的多元化

二战后经济复苏，社会发生了质的变化，科学技术彻底走向了反人本主义的境地，形成了科学与人相互对峙的局面。在这样的生存语境下，构成二十世纪现代人本主义核心的不再是以科学技术为基石的理性主义，而是反科学、反理性的非理性主义。艺术作为时代思想的形象表征，具有了浓烈的反现代的后现代主义色彩，出现了与传统艺术流派皆面目全非的后现代艺术。

二战后形成的艺术风格名目繁多，如波普艺术、新达达艺术、新具象艺术、综合艺术、最少派艺术、观念艺术、环境艺术等如潮水般涌来。后现代艺术以反历史、反传统、反宏大叙述作为起点，追求个人言说和标新立异，各说各调，并非追求一定的理论目的，有较大的偶发性，常常匆匆而来，又匆匆而去。艺术以抽象或具象或抽象与具象的结合的形式来来去去，也反映出抽象与具象既对立又互补的复杂关系。

后现代主义艺术不管形式如何多变，都是以抽象的观念为中心，通过各种具象的形式、行为表现出来，使艺术从单纯的架上发展到更多元化的表现形式。

四、后现代美术的新动向

在后现代美术的发展中，观念艺术、波普艺术、环境艺术等流派的艺术家在创作中不断的挑战绘画的固有形式，希望取消架上绘画。但在进入70-80年代后，传统的架上绘画并没有逐步的走向消亡，而是打破原有格局，重新的迅速发展起来，成为西方70-80年代后现代美术的艺术主流。

在这股后现代艺术风潮中产生的重要的新一代艺术家代表就是德国新表现主义画家，他们对后现代艺术的风格产生了巨大影响。这一流派是70-80年代西方后现代美术中影响最为明显的力量，它撼动了美国在当代艺术发展的中心地位，而且还开创了新的当代艺术精神，给此后十余年的西方美术发展奠定了新的方向。新表现主义是德国在特定历史时期和文化环境中混合构成的，它在核心理论上接受当时流行的存在主义哲学观念，在创作实践中融合抽象表现主义的艺术风格，特别讲究在绘画过程中的情感突发和即兴处理，追求原始的、粗狂的、简单的美学风格，主张绘画要以本来面目出现，探索内容和形式，注重造型和色彩。新表现主义把具象与抽象同时运用，加以表现现实与荒诞的处境，增强绘画本身的感染力。

C：主要考核学习者的形象记忆能力和形象感知能力，以及视觉想象力和线条表现力。能正确运用工具材料；形象感知能力较强，观察力较好，形象生动，构图合理，线条有表现力，视觉效果舒适。

B：主要考核学习者的造型理解能力、形体塑造能力、空间表现能力、观察能力和素描综合表现能力。能熟练使用工具材料，有较强的空间、造型、结构理解能力；观察方法正确，绘画步骤合理，形体塑造较为深入，构图完整，视觉效果生动。

A：主要考核学习者的造型理解能力、形体塑造能力、空间表现能力、观察能力、创作能力和素描综合表现能力。能熟练使用工具材料，有很好的空间、造型、结构理解能力；能掌握写生造型的一般规律，形象生动；能掌握整体的观察方法和合理的绘画步骤；能将表现对象的视觉特征做合情合理的变体发展，进而能根据命题进行独立创作，有一定的情趣和意境；形体塑造深入构图完整，视觉效果有艺术感染力。

儿童画

C：主要考核学习者的形象感知能力，观察生活能力和简单画面绘制能力。对形象有较好的感知能力，能够进行临摹；对生活有一定的观察。能够简单地概括出描绘对象的主要物征；画面具有一定的想象力；能够正确运用工具材料进行画面创作。

B：主要考核学习者的造型、动态表现、空间表现、速写、默写能力以及画面风格绘制技巧。能够设计具有一定风格特色的角色造型；并且能够运用速写、默写经验为人物设计动态造型；能够绘制具有一定风格特色的画面。

A：主要考核学习者的整体画面设计能力、创造能力、叙事能力。能通过绘制画面清晰地阐述所要表达的主题；能够通过画面明确表述画面内容；能够较好地掌握绘画技巧。

C：对笔墨知识有所了解，并能以所掌握的表现方式表现自己感觉最深的山水，花鸟，人物，构图恰当，色彩自然。较好掌握笔墨技巧，讲求笔力和墨色的变化，色彩的运用，并具一定的造型能力。

B：主题明确，用笔熟练，并融会一定的传统技巧，构图恰当，色彩协调，有一定的意境及美感，题款用印与画面统一。

A：具备较好的绘画能力和较鲜明的个人特点，笔墨舒畅，画面自然生动，构图完美统一色调和谐，层次分明，能表达出较高的意境和较好的形式美感，题款与用印位置恰当，风格与画面有机统一。

名画《向日葵》鉴赏

初次看到《向日葵》的时候，就被它的这种强烈艺术品味震撼了。

这幅画有别于我看到过的所有画植物的画。另外的画，要不是表现花的娇美，就是变现树的挺拔。但《向日葵》就不同了。这一朵朵向日葵，就好像有美丽却又有些害羞似的。还有些三五成群的拥在一起，像好伙伴似的。梵高在生命一样，有的昂首怒放，充满朝气。有的半开半闭着，好像想展示自己的画的时候，运用了许多黄色。在这么多的黄色中，我竟找到了一些似乎看起来很不般配的颜色，蓝、红、黑。在这些不般配的颜色色背后，我似乎也找到了些梵高那超出凡人的想象和思想。

我想，这就是《向日葵》的魅力吧。不同的人看就有不同的想法，让人百看不厌。总之观者在观看此画时，都为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤。

1 印象派的诞生

19世纪六七十年代，西方画坛初步诞生了一种独特而又新颖的画风，完全变革了古典艺术的绘画素材以及绘画手段，新兴的绘画思维与审美品位吹拂艺术的殿堂，印象派由此产生。19世纪的主要美术流派有：古典派、学院派、浪漫派、写实派、印象派。印象派在对这些流派的或反对或继承上发展出了它所独有的新面貌，不同于古典派、浪漫派的“崇尚理想”，更不同于学院派的“闭门造车”，印象派与写实派在描绘现实生活上还是有接承衣钵的感觉。但印象派与传统流派的绘画风格有很大出入，印象派摒弃了古典画派的古板与浪漫主义的浮夸，脱胎于传统思想之中。受益于光学理论的发展，印象派画家感受自然中的色泽，聆听自然的动人旋律，捕获自然的光和影，通过手中的画笔，勾勒出心中的色彩，描绘画家独特的感受。例如，印象派的起始作品，克劳德·莫奈的油画《印象·日出》即是运用光影的代表之作。光线与色彩的运用是印象派画家的代表绘画手法，他们透过眼睛捕捉到事物的闪动点，再使用手中的画笔重现记忆中的感受，印象派的名称由此得来。画家描绘自己印象中的事物，竭力突出自己的主观感受，将自己对自然的热爱，对自由、平等的渴望淋漓尽致地展现出来，在当时犹如海啸般冲击着传统绘画观念，在西方美术形式变革中起到无可替代的领头作用。

2 新印象派的发展

新印象派的产生，是源于印象派融合十九世纪后期实证主义以及科学乐观主义两大思想，解决传统印象派色彩表现不严谨的问题。新印象派在绘画过程中结合科学手段，严格分析光影，通过构建色点排列组合完成绘画。另外，构图手法上使用坚实的数理分析，通过装饰处理后形成新的印象派画风，即新印象派。代表人物有修拉与西涅克等。新印象派与印象派的不同点在于，新印象派更关注科学理论的研究，例如，新印象派参考法国化学家米歇尔·欧仁·舍夫勒尔完成的《色彩的谐调与对比原理及其在艺术中的作用》，完善了绘画色彩的科学分析，形成了一种绘画理论。

3 后印象派对西方美术形式的巨大影响

后印象派是西方较早的主观绘画，是现代艺术的起源。后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统。印象派与新印象派都着重于对光学、色彩的探究，能够充分利用光影、颜色完善绘画手段。然而，印象派画家对绘画事物的感受仅仅止于表面，绘画展现出来的内涵只是画家看到事物那一刻的印象，忽视了事物本身的价值和意义。面对印象派绘画过程中的这一问题，十九世纪80年代法国的部分画家，开始呼吁印象流派要突出画家主观感受，挖掘事物的本质内涵，在绘画过程中逐渐运用光彩、事物形态的表现性因素，后印象派以此为契机产生。

（1）后印象派的绘画艺术风格。后印象派的英文名称是“Post—impressionism”，而“post—”这个前缀词有着“后于……与……对抗”的意思，它其实是对印象派的一种反叛，它并非一个流派，而是印象派之后出现的一种绘画现象，它没有供人交流的社团场所，更没有共同的艺术纲领与组织宣言。没有相似的艺术风格，但是却又有共同的绘画理念，即在绘画中不拘泥于事物的客观物象，通过挖掘事物的本身价值充分展现画家的主观印象，而这也是后印象派区别于印象派以及新印象派的关键。后印象派的画家有着多种多样的绘画风格，有的擅于把握事物的形态结构以及主观重量感，用画笔改变事物的体积形态来展现其自身特征；有的擅于运用光影的强弱以及画笔的力度，利用激昂的笔触挥发内心对自然的热爱；有的擅于在理性中释放强烈的情感，利用独特的平涂绘画方式以及装饰性的画风挥洒胸怀。后印象派各个画家之间拥有着各自独特的画风，艺术风格千变万化，但他们都拥有一个共同理念，即在追求事物本质特征的过程中把握主观感受的再生，不断挖掘新的绘画艺术表现形式与方法。

（2）后印象派的代表人物。后印象派的独特绘画风格严重冲击了西方传统美术形式，而后印象派的代表人物则是凡·高、塞尚以及高更。他们三人是后印象派的巨匠，是后印象派的引领者，是现代绘画艺术的先驱。后印象派的三大巨匠在他们的作品中淋漓尽致地展现出他们对事物形态结构的肯定，以及对色彩装饰、光影、绘画艺术设计、变形手法的充分运用。

塞尚完全突破传统的艺术绘画手法，专注于自己的内心想法，通过有意识地筛选并结合结构的理念将事物完整的展现出来。塞尚擅于把握事物的结构，注重理念观点以及绘画整体美感，重视绘画要素的排列次序。塞尚追求绘画艺术的坚实结构以及理性与自然的完美结合，塞尚终其一生都在为他理想中的拥有质感、体积感、稳定感的事物坚实结构而探索。例如，塞尚的作品《静物》、《圣维克托尼尔山》，在对事物的理性分析中挖掘结构特性，结合内心主观感受，完成极具现代气息的绘画艺术作品。塞尚独特的艺术绘画追求推动了西方美术形式的变革，解放了人们拘束的传统绘画思想，是当之无愧的欧洲现代主义之父。他主要影响了现代主义中结构主义的发展。

凡·高与塞尚不同，塞尚追求事物的坚实结构，而凡·高则注重于人性的表现。例如凡·高的作品《向日葵》、《自画像》。都是运用快速连续的笔触以及夸张的绘画方式，激昂地表达自己内心对生命的感受，赋予作品深沉的内涵。他主要影响了现代主义中表现主义的发展。

高更与前两者不同，主张利用记忆中对事物的印象进行创作，追求艺术绘画的纯真。例如高更的代表作《塔希提岛的少女》、《我们从哪里来？我们是什么？我们到哪里去？》。高更运用简单而激烈的色彩，豪放的笔触，描绘出自然而清新的原始美感。他则主要影响了现代主义中象征主义的发展。

（3）后印象派对西方现代艺术的影响。后印象派完全违背西方传统美术形式的绘画原则，给艺术领域带来新的绘画思想与创作观念，启迪了现代主义艺术。后印象派的两大主张：主张着重于理性观念的把握，重视事物的结构性，以及主张画家内心情感的表达，则引领着现代艺术的前进步伐。后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，强调了绘画的立体感与风格独特化，也使绘画的构图更具有力度，放大了艺术家的思想界面，是西方现代艺术的起源。

4 结束语

后印象主义的出现推动了西方艺术的前进，颠覆了传统艺术逻辑，为今后的现代艺术提供了新的观念与创作手段，带领着各个绘画流派摸索新的艺术发展道路。

那张名画作文

冷风飕飕吹来，轻而易举攻下我的防御系统，眼前这幕景，使我的心房情不自禁的将锁一个个解开，待“它”探索我内心最深处的心迹。

我走进了这空洞虚无的`时空，一抬头，“哇！”蓊郁高大的树林，隐蔽了我的视线，但却给人一种气派俨然的威严感，每棵树都犹如用无情冷酷的眼神看着我，盯着我向前进，像是在指引些什么……，“砰！”心中捶下重重一击，多哀愁的夜啊！像是神秘的夜女士，时而湛蓝，时而黑，弥漫着忧郁的气氛，但是月先生，却温柔的散发光晕，静静陪着夜女士，并召集星星孩子们为夜女士散发耀眼光芒，加油打气……。

我回到现实，看着身旁这位憔悴而苍白，硬撑着身子到外头透透气的病人，我轻抚她日渐灰白的秀发，为她静静盖上被子。再次凝望着这片星空，我多想像月一样，能守护着我最挚爱的亲人，使她像夜一样永久陪伴着我，而不是像树林里的枯叶，随时准备掉落，凋零在这个时空，而随风消逝、远走……，触到伤心处，内心如海水般波涛汹涌，悲伤与无能为力的痛，随着一条条涓涓细流，滑落脸庞，一颗颗珍珠滴上草地，彷彿使这片草原也跟着怏怏不乐，啜泣了起来。

我爬起身，像是领悟些什么似的，了解到只要默默的支持着她，用爱的光晕包围着她，也会有那么一天，夜能喜悦起来，健康的朝我挥挥手，看！现在的夜，不就转为漂亮的宝蓝色，甜甜的对着我笑吗？

冷风再次吹来，我却只感到一阵凉爽的微风，沁入我的心脾，真希望能再一次“旧地重游”，回到那段美丽时光，再次走进──梵谷的星夜。

作为一个美术管理人，一天面对大量的美术作品审视，那么，我们该如何去快速地审视一个美术作品呢?其实审核一个作品无非是看作品有无偏离视觉标准的那个度。老调重弹，依旧是围绕我之前提到的几个要点来作为审核作品的那个度：构图，调子，元素和内容。下面将通过banner，

因为广告banner的尺寸限制，所以，在审核的时候也最快能看出是否是一个及格的美术作品。下面用几个比较典型的作品来说明一下：

以上bannner广告一眼看上去，问题在于：调子色彩上背景色运用了浑浊的颜色(这里顺带一提，做美术设计千万别运用带灰的浑浊颜色，会显得脏)。文字选用与布局上混乱无层次及前后视觉顺序，里面涉及的颜色老土怀旧，例如右下角的button，在审核后把意见回馈给设计师后会看到一下改进：

显然易见修改前后的初稿banner广告背景色明度清楚，标题文字排版合理，字体新颖了点，加上点缀的创意表达，继续优化则是合格的作品，修改前后设计感起码相差了1年。

商业设计总会碰到很多商业色，例如蓝调，经常会碰到，好像以下的banner背景的色调与其他设计感都是属于比较浑浊的，应该提醒设计师多运用商业用的明快色调，例如再下图

banner设计因为时效性和频繁性，一般投放时间往往不是很久，因此一般审核时候注意广告是否清晰明了便及格过稿，不适宜太雕琢花太多心思，我们需要人力投入到其他大的A,B级项目。

那么如何的banner一般能一次性通过呢?请看以下例子：

黑格尔对艺术美有着明确的定义：美是理念的感性显现，理念相当于艺术的内容，艺术的形式就是诉诸感官的形象，而艺术要把这两方面调和成为一种自由的、统一的整体。黑格尔认为，艺术的黄金时代已经过去，在希腊和中世纪晚期，人们更注重主观理念的演化，而相比之下，现代的艺术则更加偏重理智文化。

在黑格尔的年代，也就是18 世纪末至19世纪上半叶，法国大革命为整个欧洲带来了思想改变的风潮，人们开始质疑权威和传统，强调理性，并且开始朝个人主义方向发展。这个时期，人们对艺术的观念也产生了变化。艺术家们开始寻求一些新的题材来进行创作，其中历史和革命题材首次大量进入了人们的视线。此时，新古典主义画派崇尚理性的表达，追求复古的精神，重视艺术在人民中所起到的道德教育。他们所选用的题材都是比较严肃的历史题材，重视形式，倡导形式美的原则，摒弃鲜艳的用色，主张减弱画面的色彩。黑格尔美学中对艺术的内容和形式的自由统一的要求正适用于新古典主义画派的绘画风格。

法国新古典主义画派画家雅克·路易·达维特（1748—1825） 的《马拉之死》描绘了法国雅各宾派革命领袖之一马拉在浴室中被杀死时的情景。我们在欣赏这幅画的时候，能够明显地发现达维特的创作并非是情感冲动，而是一种对完善过的理念的表达。他并没有百分之百地还原马拉死时的画面，而是通过精心的设计塑造出一个在生命最后一刻仍在工作的英雄，这毫无疑问地美化了革命派的形象，并且成功地体现了他所想要体现的理念—具有一种政治煽动性的效果。

同样的例子我们也可以从他早些时候的另一幅作品《贺拉斯兄弟的宣誓》中找到。这幅作品描绘了古罗马时期贺拉斯家族的三兄弟代表罗马与伊特鲁利亚的古力茨亚人为避免大型厮杀，将以三对三决斗的方式决定罗马城和阿尔贝城的归属问题的故事。画面表现了在出征前，贺拉斯三兄弟的父亲鼓舞儿子们为了大义而勇敢奋斗、不怕牺牲的场景。由于罗马人与古力茨亚人有联姻关系，旁边的三位妻子正在为自己的丈夫和家人而哭泣，与表情坚定的三兄弟相对比，整幅画面体现了强烈的戏剧效果。这幅画表面上叙述了一个历史事件，实际上联系当时法国大革命的背景，正是在提倡一种为了革命和大义而不怕牺牲自我和家庭的大无畏精神，呼吁人们加入革命的队伍，这幅画的政治作用可见一斑。无论构图方面还是在严格遵循古老的法则，三兄弟的位置和画面上方的留白比例都是经过严密设计和计算的。达维特通过这幅作品，旗帜鲜明地体现了他当时的政治理念，这正是黑格尔美学中所强调的理念和形式的完美统一。

随着1794 年热月xxx的结束，雅各宾派的覆灭使作为雅各宾派主要负责人之一的雅克·路易·达维特遭遇了牢狱之灾。这一巨大的人生变革使他思考起自己过去的行为和思想。出狱后的达维特看到社会的现状，丧失了对革命的信心，在这样的情绪中，他创作了《萨宾妇女》。从这幅画中，我们可以明显看到画家的心境和理念发生了巨大的转变。它表现了已经育有儿女的萨宾女子冲到战场上来阻止自己的父兄和丈夫战斗的场景，画面中心张开双臂的女子，仿佛在大声呼喊着停止战争，这正代表了达维特此刻的心情：渴望和平。这个时候，画家理念的改变使得画面的题材和表现发生了变化，即使理念发生了改变，在达维特的作品中，我们仍然能够找到画面和画家理念的统一。

进入19 世纪，达维特受到为了进一步巩固自己统治的拿破仑的邀请，进入皇宫为王室作画。他从1805 年开始创作《拿破仑一世加冕大典》，这幅画是为了纪念拿破仑在1804年2 月2 日于巴黎圣母院隆重举行的国王加冕仪式。当时拿破仑极其傲慢地让罗马教皇亲自来巴黎为他加冕，并且亲自夺过王冠为自己加冕。达维特为了避免尴尬，特地将内容更改成拿破仑为皇后加冕，既突出了拿破仑作为皇帝的中心位置，同时也没有令教皇太过难堪。此时的达维特已经成为拿破仑的追随者，这幅画充分体现了拿破仑的地位和气势，也能从中看出达维特心境的转化。

《受胎告知》是常见的宗教题材绘画，描写的是圣经里的故事，故事出自新约·路加福音：一日天使加百列奉神的差遣到拿撒勒，告知已许配约瑟的童xxx利亚，她蒙主恩，将产下神的儿子---耶酥，天使加百列奉神的差遣把这个消息告知了玛丽亚。

画面人物姿态轻盈富有动感，形象描绘生动。天使与马利亚的手势相互呼应，使画面有交流感，自然而然地流露人物感情。

这幅《受胎告知》为安杰利科所作，为一幅祭坛画 ，作于1440～1450年间，230×321厘米，现藏于佛罗伦萨圣马可修道院。画面纯洁温馨，使人看起来觉得非常美好优雅。天使抱臂向还是处子之身的马利亚告知她受到圣灵感召而怀了孕。正在看书的马利亚端庄的坐在凳子上，平静的接受这个消息，头微微前倾，专注地听着天使的诉说，马利亚没有对这个消息表现出太多的情感。画面整体给人以优雅温馨的感觉，画面中建筑与人的比例不和谐。不能和你好的将人物融合在景物中。

达·芬奇(Leonardo Da Vinci， 1452-1519)，代表作《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》。

这幅《受胎告知》为达芬奇所作，作于1472-75年。加百列左手持白百合跪在画面左边，圣母坐在右边，构图并没有什么创新之处。画面整体以深褐色为主，他选用对称的形式， 画了跪在草坪上传达神旨的天使， 和正悠闲地在庭院读书的马利亚两个形象。这里的天使报喜富有戏剧性。马利亚的神态虽然平静， 左手往后一缩的动作也显露出她内心的惊讶。她似乎不能自恃， 怀疑她是否听错了天使的话。她举起的左手和天使的右手形成和谐的呼应，使画面中人物的交流气息很强烈，使画面升生动，有气韵。美丽的大院字是运用焦点透视法来展现的， 宅院内华贵的建筑以及马利亚跟前的雕花桌子， 显得更加华贵。达·芬奇兴趣广泛，除了绘画，他还对自然科学感兴趣，通过自然科学的方式研究透视学，并在自己的画作中不断试验用透视法描绘真实的世界。圣母衣服的褶皱已经能表现出人体正确的解剖结构和衣服的质感，细腻的明暗表现更让衣皱显得真实、立体。两个人物身上的衣褶流畅自然。人物不能与景物很好的融合在一起，风景与人物的比例并不协调，风景只是人物的背景，无法达到人景交融的效果。这幅画还是会显出一下呆板，与波提切利的相比较来说，不是很生动活泼，没有很强的动感和气韵感。

简提列斯基(Orazio Gentileschi， 1562-1639)是意大利人，他的画形象描绘细腻，不露笔痕，富有质感和量感。起初他是样式主义改革派的代表画家，后追随卡拉瓦乔(Caravaggio， 1573-1610)的画风和选材，没有太多个人建树。后者的作品常被认为是巴洛克艺术的代表，豪华而极富浪漫主义色彩。

这幅《受胎告知》属祭坛画，最初为梅罗德收藏，故又称《梅罗德祭坛画》，全画分三个画面：中间为主体画，描绘天使驾临玛利亚的闺房传达上帝旨意;耳幅分别是供养人英加布列赫特夫妇像和圣徒约瑟木匠像。画面虽工整细腻，但画家并不着意于人物精神刻画，也不紧扣情节表现，天使仅作告知手势，而玛利亚则视而不见，听而不闻地在读圣经。画家更着力于借宗教故事，描绘人物的生活状态和环境道具，真实生动地刻画各种生活用品的质感和环境的空间感，显示出尼德兰传统细。

画面中加百列手持白色百合花单膝跪地，神情安详的圣母俯头聆听天使的教诲。光从画面左上角的窗户射入，一只鸽子出现在窗口。画面优雅动人，人物刻画极其精致华美。画面构图没有特殊之处，人物平实无华，圣母在专注的看书，并没有对突如起来的消息有惊愕的表现 。

以人为本 以读为本

评《一幅名画的诞生》

执教者:杨妍

评课者:施晓红

很有幸能亲临附小,在现场观摩这么多优秀青年教师的风采.现场的感受是如此的震撼,如此的亲近,如此的投入,以至于我的整个思绪和身心都沉浸入那一堂堂精彩的展示课中.

在我所听的课中,杨妍老师的《一幅名画的诞生》给我留下了深刻的印象.杨老师以其智慧的语言,丰富的表情,激情的投入,带领学生入情入境地走进了《一幅名画的诞生》这一课.整堂课情感充沛,激情四溢,在独具匠心的设计中,在精彩分呈的对话中,在诗一般的语言中,学生学的明白,学的充实.

抓住主线 条理清晰

课伊始,杨老师就以这幅名画为突破口,伴随着低沉悠扬的号子声,声情并茂的讲述这幅名画的知识.低缓的音乐,那暗沉的画面,使学生很快融入到课文所描写的意境中,让学生有了更为直观的情感体验,为学生更好理解课文打下感情基础.随后,杨老师让学生找出列宾创作过程中的三个时间,以〈伏尔加河上的纤夫〉的创作时间为主线,将课文分成主要三个版块,以文中三个时间为结点,一下子就使学生理清了课文的脉络,对课文有了初步的认识.整堂课思路清晰,过渡自然.在课的最后,杨老师利用板书让学生回顾这幅名画的创作过程,显得顺理成章,整个过程水到渠成,体现了教学的层次性和完整性,最后让学生在情感上产生共鸣.

以读为本 以人为本

《一幅名画的诞生》文本内容距离学生的年代已经久远,那样的情景是四年级的学生无法体验,更难以琢磨的.在教学中,杨老师善于把握课文内容,以读为本,注重引导学生在读中感悟,让学生通过朗读来表达自己的感悟,真正做到了以读为本,以人为本.为了帮助学生理解当时的时代背景以及列宾为何要画这副名画,杨老师抓住文中的关键词和关键句指导朗读,在身临其境的多媒体的辅助下,学生有侧重点的朗读,使学生走进名画,走进列宾当时的情感,从而更好地理解课文,让学生感悟到底层劳动人民身上无穷的力量,由衷地产生对于不屈不挠的可贵精神的赞美,同时引发对剥削统治阶级的憎恨.同时,杨老师在朗读上完全体现以人为本,很注重学生自己的情感,比如:假如你是列宾,看到这个情景有什么感触 让学生边读边思,在思中领悟,在读中体现.不是一味的不同形式的朗读,杨老师的每一次朗读都有目的,都留给学生自己内化的空间,如:你是一位画家,你会怎样构思你的画呢 从而使学生体会到列宾创作的过程及其对纤夫身上不屈力量的赞美.

语言训练 恰到好处

杨老师的语言训练,不是停留在文本表面.她从深层次地挖掘学生的思维力度.在学习列宾为了更好的创作所以与纤夫一起生活的时候,杨老师适时引入课外的阅读材料,让学生会读,更加会用,将课外的文本和课内的文本结合起来进行语言训练.同时,老师运用丰富灵活的多媒体,让学生感悟,如描写纤夫的一段,教师设计他们的年龄不同,有的( );他们姿态不一,有的( );他们神情各异,有的( ),这样的语言训练学生不断学会思考,学会组织语言,更会更加仔细的观察画面,精心思考,将文本内化,使学生的能力又上了一个台阶.

杨老师的这堂课在诗一般的意境中进行,给人以美的享受,因此这是一堂非常成功,值得借鉴的课.从杨老师的课上,我看到了对于文本的钻研,对于教材的把握,对于课文空白点的挖掘,对于整个课堂的驾驭.更要学习的是杨老师诗般优美的语言和流畅自然,深情的过渡语,这些都是我以后要不断努力的方向.

班级????????????? 姓名

一、填空：

1868年的夏天，列宾受同学之约游览涅瓦河，看到??????????????? ，这情景给他留下了??????????? 印象。两年后，他???????????????????? ，终于在1873年完成了作品《伏尔加河上的纤夫》。

二、说说涅瓦河边的哪些情景给列宾留下印象？

三、划出描写列宾创作这幅画的语句，说说你读懂了什么。

四、仿造课文第一小节，选择一幅画进行介绍。

五、阅读练习。

齐白石画虾

dàmínɡ dǐnɡ dǐnɡ的齐白石早已是家喻户晓了，但一提起他，我们总会bù yūe ěr tónɡ地想到他画的活灵活现的虾。灵动而呈半透明质感的虾在水中嬉戏，或急或缓，时聚时散，疏密有致，浓淡相宜，情态各异，着实惹人喜爱。然而白石老人取得这样前无古人的成就却是来之不易，据说他画虾先后竟历经八十六年， 真是千锤百炼才打造了“白石虾 ”。

齐白石老家有个星斗塘，塘中多草虾，幼年的白石常在塘边玩耍，从此与虾结缘。儿时欢乐的情景也成了他每每题画的素材。

为了画好虾，他在案头的水盂里养了长臂青虾，这样就可以经常观察虾的形态并写生，能更好的了解虾的结构和动态。

再以后，他在观察虾的过程中，将虾的进退，游的急缓，甚至斗殴，跳跃等情态统统收于笔端。

七十岁以后白石老人画虾已基本定型，但仍在不停改进，使其趋于完美，八十岁以后他的虾画得已是炉火纯青。画虾仅仅是白石老人的雕虫小技，在他的艺术宝库中千百幅艺术珍品静待我们去观赏学习。

1.? 根据拼音写词语。

2.? 文中哪句话描写了齐白石画的虾？用直线划出。

3.? 人们提起齐白石就会想到他画的虾，为什么他能将虾画得如此活灵活现呢？根据文章找出原因。

1. 你是可爱的男孩，慢慢的能独立的作画，画画也进步不少，希望以后要自己大胆的尝试，相信自己会很棒。

2. 你是一个懂事的女孩，上课认真，画画细心，画面有一定基础，希望你继续努力，让老师看到你更精彩的作品。

3. 你上课认真，接受能力强，一点就通，并有自己的想法，希望今后画画再放开些，大胆地展现自己的才华。

4. 线条大胆流畅，色彩鲜艳，构图完整，画面丰富，有一定的绘画天赋，继续努力。

5. 你是一个可爱的女孩，认真时，能画出一幅幅漂亮的作品，一旦想玩就有点随意了哦。加油啊!

6. 对绘画有兴趣，每次的绘画都很认真，画面清爽，色彩鲜艳，有一定的绘画天赋。

7. 你是个很清秀的女孩，每次作画都很细心，画面内容丰富，构思独特， 想像能力强。

8. 你很懂事，上课除了认真地听课就是细心地作画，相信你会继续努力，让老师欣赏到你更精彩的作品。

9. 作画认真，细心，想象丰富，若在涂色时再迅速些，会更展现出你的优势。

10. 作画专心，画面清爽，色彩鲜艳，洁净又不失灵气的图画，展现了你是个出色的好孩子。

11. 你是一个细心、爱干净的小女孩，每次看到你认真、仔细地画画涂颜色，真让老师喜欢。

12. 你是一位聪明可爱的女孩，画画也不错，如果上课都能管住自己，认真的画，相信你一定会很棒。

13. 你是位懂事而有个性的女孩，上课很认真，画画也很细心，动作很快，希望今后能更大胆的表现作品。

14. 你是个听话懂事的孩子，想象丰富，每次作画都很细心，画面内容丰富，构思独特，想像能力强。

15. 你的作品真不错，有绘画天赋，每次都让老师眼前一亮。希望你继续努力，老师期待着你更精彩的作品。

幼儿美作业班主任评语

1. 你是位懂事而有个性的男孩，上课很认真，画画也很大胆，动作很快，希望今后能更出色的表现作品。

2. 你是个聪明的女孩，上课表现不错，画面丰富，线条大胆流畅，色彩鲜艳，坚持下去，把自己的画打扮得更棒。

3. 线条大胆流畅，色彩鲜艳，构图完整，画面丰富，有一定的绘画天赋，继续努力。

4. 作画认真，画面清爽，色彩鲜艳，洁净又不失灵气的图画，展现了你的绘画特色。

5. 每一次作画都很认真，进步很大，无论在造型还是色彩上都有很大提高。

6. 绘画有进步，且有自己的绘画风格，画面大气，色彩鲜艳，妙趣横生，有一定特色，继续努力，争取越画越棒。

7. 通过努力学习，绘画有进步，只要大胆的描绘，努力加坚持，相信你一定很不错的。

8. 课堂上积极活泼，认真绘画，有进步，若能尽量地丰富作品的内涵，那样作品就更加棒了。

9. 有上进心，每一次都能专心绘画，且越画越好，有进步，坚持下去，大胆表现，相信会有更大的收获。

10. 你是个活泼的男孩，上课表现不错，想象丰富，若在涂色时再迅速些、专心些，会更展现出你的优势，加油!

11. 作画能力强，能不受约束，充分发挥想象，富有绘画激情， 充满着你智慧的光芒，继 上课认真，细心作画，若能更大胆些，效果更佳，相信你会继续努力，让老师欣赏到更精彩的作品。

12. 你画画认真，就是胆子小了点，如果绘画的时候再放开一点、不要那么拘谨，你一定会画得更好。

13. 很直爽，进步很大，运笔大胆流畅，一点也不缩手，体现出你的童真稚趣，若再加点耐心定会更棒。

14. 活泼的你，绘画有进步，若在绘画中再耐心、认真些，作品一定会更棒，而且绘画中要遵守纪律，以免影响他人，继续加油。

15. 每次都能积极参加，上课认真，画画有想法，就是缺少点胆量，希望你大胆地去尝试。

16. 画画大气，有进步，只是有时乱用记号笔不注意涂色而影响画面，相信你会努力的，认真画画，画出更美的作品。

17. 你是一个懂事的女孩，上课认真，画画细心，画面有一定基础，希望今后在绘画中再放开些，展现自己的自信心。

18. 你是个聪明听话的男孩，上课认真，作画也很不错，希望你继续努力，相信你会绘出更优秀的作品。

19. 周毅坤你是个活泼的男孩，上课也很认真，若能尽量地丰富作品的内涵，那样作品就更加棒了。

20. 章沐成作画能力强，能不受约束，充分发挥想象，画面妙趣横生，富有绘画激情，若再细心些会更棒。

对于中国学生来说，在没有一定西方文化语境下，学生很难理解风格迥异流派众多的西方美术作品。因此，西方美术作品欣赏，一直是美术教学中的一大难点。理解美术作品不是简单的自我评述判断，这需要对美术创作、美术史、美术批评、美学的理论有一定了解。

美术创作是一种实践活动，是美术家创作的过程和技巧。我们可以这样理解美术家的创作：任何创作都处在某个特定的历史文化语境之中，学生自己的创作也不例外。美术史是以介绍美术的风格流派的特征及变迁、艺术家的生平和作品为主。学习西方美术史可以帮助学生搞清美术风格和流派发展变化并加深对艺术活动的复杂性的认识。美术评论是一项专业的谈论和解释评论美术作品的方式。美术评论可以帮助学生不带有个人偏见正确的理解美术作品，有利于学生根据文化和时代做出正确的评判。本文所说美学是指审美经验与艺术评价的批判性反思。这有助于提高学生艺术的理解力和综合的审美欣赏水平。

1、美术作品的描述

描述是形象的叙述，是作品的认识和解释。

从美术评论角度：区分作品的门类，是绘画作品还是雕塑作品；区分作品的题材，是风景画还是人物画；它的使用的材料是什么，是油画颜料还是金属材料等；鉴别美术作品的由哪几部分组成的；在技术方面观察并给予评价，比如美术作品是运用了厚涂法还是薄涂法。

从美术史的角度：陈述美术作品的尺寸；找出形成美术作品的历史环境；美术作品的时空背景；美术家的个人传记；作品的符号隐喻等等。符号学可以告诉我们图像有特定的含义，比如在教会中，蒲公英代表不幸。

2、美术作品的分析

分析就是把作品分解成部分，把复杂分解成简单的要素来研究一种思维方式。从美术评论角度：分析是超过描述的，是更进一步来寻找作品形成的原因。具体指美术作品的要素和规则，它们包括色彩、线条、形、肌理、明暗关系和空间，以及均衡、比例、运动、节奏等。

从美术史角度：比较不同美术家的作品，找出区分不同流派的最重要的方法。

具体以梵高的《星空》为例，请考虑以下问题：这幅画是否完整？美术家是怎样运用颜色、形、线条、肌理？作品是否让人产生运动的幻觉？作品运用了什么的手法，是否夸大了生活的真实性？作品的焦点在哪？美术家怎样运用了明暗对比和色彩对比？这些旋涡形状的线条是否在引导我们的视觉视线？这些线条给你什么样的感觉？你是否还能找出使用同样方法的美术家等等？

3、美术作品的说明

说明是为了探讨美术作品所蕴含的内在意义，以及艺术家透过美术作品所表达的观念思想。

从美术评论角度：美术作品所传递的信息唤起了观者的心理状态的反应，这种心理状态回应往往是观者的回忆、情感、价值观在起作用。比如观者面对的同一幅作品会有不同的情感感受。另外，不同的题材也会对观者的情感产生影响，比如爱国主义题材的作品会激发观者的爱国情感。美术作品的色彩、形、线条、肌理等元素也会引起观者的独特的感觉。

从美术史角度：根据美术家的时代背景创作背景来理解作品。例如，中国学生想要理解西班牙画家戈雅的绘画作品中的艺术感染力，就需要了解戈雅所经历的社会和政治社会背景对戈雅本人影响以及对艺术的影响。另外，美术家的传记、心理分析以及美术家在作品中所使用的形象符号在当时文化中的特殊意义等，也可帮助学生更好地理解美术作品。

以蒙克的《呐喊》为例，理解他的作品时要思考这些问题：画面传达了什么样气氛？画面中的人物的是什么样的情绪？画面的色彩是否有特定的意义？旋涡形的线条给人什么样的视觉感受？光线的戏剧化的夸张是为了说明什么？人物的形象是否有象征的意义，象征了什么？是什么样的个人经历影响了此件作品的创作？艺术家在创作此作品时感情是否受到什么事件的影响？是什么样的人生经历，影响了他的艺术风格？如果从美学的角度来看，人物的呐喊与宇宙人生有何关系？

4、美术作品的判断

判断就是判断一件艺术作品的艺术价值。

从美术批评角度：判断艺术家作品运用了什么风格，是具象派和写实主义、抽象派、表现主义或情感主义、超现实主义，还是几种风格并用？

从美术史角度：需要进一步探索美术的内容、历史背景、符号的含义和创作的原因等因素等。

具体评论美术作品时要考虑以下问题：美术作品的创作目的什么？采用了什么风格的？美术家兴趣是否在于表达情感？美术家是否侧重于线条、形状和颜色的排列的表现方法？这幅作品是怎样影响其他艺术家的？当时的环境和事件怎样影响这幅作品的？美术家的生活和个性又是怎样影响作品的？此画在媒介和技巧上有何贡献，又是受何种风格的影响？如果将美术作品的色调由冷色变成暖色，这幅画又给人一种什么样的感觉呢？美术作品所包含的概念，感觉和理念是否象征了美术家的本身或当时的文化？

最后要说的是，美学更富有理论的色彩，要求教师在力所能及的情况下运用美学的辩证方法，通过分析具体的作品引导学生进行哲理性的追问，提高学生的鉴赏水平。

如果试着把儿童美术、原始美术、民间美术、西方现代派美术摆在一起，你会发现：无论从内容、形式、风格和创意上比较，还是从发生、发展去看，都有着惊人的相似。

儿童的世界是独特的，他们不是大人的附属品，也不是缩小的成人，而有其独立的完整的世界，尽管他们的画充满稚气，看上去似乎是下意识的即兴之作，但仔细品味，却发现那奇特的想象，简朴的造型，强烈的色彩，率真而随心所欲的艺术表现，不能不使人叹服。

诚然，只要把儿童美术和原始美术、民间美术、西方现代派美术仔细比较分析一下，你就会发现他们的相似不足为怪。

一、原始美术、民间美术与儿童美术

从审美特点来看，原始美术、民间美术与儿童美术无论在表现的主题，还是造型思维、描绘手法直至整个风貌上，都有不可忽视的共同点。这些共同点是：

第一，在造型思维上，原始艺术是对原始意象的幻觉的再现，从保存下来的那些最早的艺术——岩画、彩陶、雕塑看，原始艺术本能与仿造自然是丝毫不相关的，原始艺术家在描绘时并不依赖对直接对象的观察，而是凭自己的记忆进行的再创造的结果。比如我国西南边陲的沧源岩画，大都描绘在陡峭的崖壁上，作画者在作画时不可能随时参照被描绘的对象，他只是要依赣意象唤起平时观察的事物和重新体验原来的知觉，去检验自己通过意象所创造出来的形象。而民间美术在创作思维方法上，保留和运用了原始思维的认识方法，都有强烈、粗犷、诡奇等相同的外部特征。如黄河流域一带农村流传的剪纸“抓譬娃娃”“招魂娃娃”、布制品“人头鱼”等。同样，儿童画画时并不是依靠被描绘的对象，而是借助他自己平时的观察而记忆下来的知觉去表现对象。因此，我们说在描绘对象方面，原始美术、民间美术与儿童美术同出一辙并不为过。

第二，在造型手段上，原始美术家仿佛意识到局部的细节刻画能给他们带来心灵的解脱和欲念上的满足。同时，原始人面对变幻不定的世界的不安感产生了一种强烈的寻求安定的需要，在造型上往往回避对三维物体和有深度物体的表现，把表现对象限制在高度和宽度的展开上。这就形成了我们平常说的“平面意识”。跟原始美术一样，民间美术中民间美术家不是像受过专业训练的画家那样用一只眼睛观察事物，也不是用静止的眼睛去捕捉对象的片面，在他们的眼中，形象本身就具有各方位的时空感，他们在表现同一座山时，会把山上、山下、山前、山后的动物、植物和人陈铺在一块平面空间里，有时还采用互不遮挡的人物造型。同样，未经专业训练的儿童，往往因对事物的深度和三维缺乏理解和分析，既不懂得透视学，也不恪守重力法则。因而在儿童美术中出现了细节丰富的人物和动物常常飘在空中的画面，而且画面多呈平面。

第三，在整体风貌上，原始美术造型粗犷、色彩强烈、人物怪诞奇特，有的面目手足皆为人形，而腋下生出双翼，跳跃于龙身、鱼背，有的大头短躯、巨鼻阔嘴，手掌伸出三指，如同鸟爪等等。原始人认为这些奇异的造型能赋予艺术品神性与灵气——超自然的力量。而民间美术在制作过程中，由于材料的简朴，不作过多的雕琢、修饰，保持着粗率、质朴的制作痕迹，恰恰因此而显露出淳朴天然的趣味来。同样，在儿童美术中，由于儿童年幼无知、天真，对自然界的理解尚未模式化，他们以自己的奇异想法来表现，在绘画当中也就表现出稚拙、奇异的风格。

第五，民间美术有较多的属于游艺民俗活动，它们本身的魅力往往是和游艺过程密切联系在一起的，如：木偶、皮影、龙灯、舞狮、旱船等都是在表演和张挂过程中进行观赏的。而儿童美术中儿童天性就是喜欢玩游戏，游戏是他们最感兴趣的事情，自然在他们的美术活动中也离不开游戏，他们往往在游戏中完成作品。

二、西方现代派美术与儿童美术

西方现代派美术中表现的荒诞和随意性跟儿童美术中的荒诞和随意是一致的。“怪诞艺术比起优美、崇高的艺术更加深刻地表现了人之所以为人的内在生命力。”这是西方一些现代画派对怪诞艺术的看法和推崇。现代派大师马蒂斯、xxx等人就从古代非洲的绘画和雕塑中吸取那些怪异而又荒诞的特点，在我们的眼中是不合常规，是荒诞的，这与儿童美术中无意识，加之对事物的荒诞想法而制作的画面极为相似。

西方现代派美术中的塔奇主义，又叫“涂抹主义”，其主要特征是随心所欲地用各种物质材料任意涂抹，其主要代表美国画家杰逊波·洛克曾公开称“当我画画时，我不知道我要画什么，只有画成以后，我才看到我画了什么。”这与儿童绘画的涂鸦期、象征期的美术特点是一致的。

艺术大师xxx曾经这样说过：“我花了终生的时间去学习像孩子那样绘画。”据此我们可以了解，儿童美术并非一般人所理解的那样简单。他们作画往往自问自答，他们总是带着好玩、好奇的心理去观察、发现所有的一切，并在绘画中发表出来。因为他们所表现的形象都是好奇心所选择、过滤的结果，都会有鲜明的个性、奇特美感。正因为如此，我们就要根据儿童的生理和心理特点来进行教学。注重培养儿童对美的感受能力和想象能力、创造能力和表达能力。作为教师，可以从原始美术、民间美术和西方现代派美术中寻找与儿童美术相似的地方，不断丰富和提高我们的教学内容和教学水平。

作为当代重要的艺术哲学家,阿瑟·,丹托批判性挪用德国古曲美学和分析哲学的理论资源,对艺术活动尤其是先锋艺术实践进行了系统而深入的分析和阐释.他独树一帜地提出了“艺术界”的概念,对艺术终结论进行了批判性发展,并重新要求我们重视艺术博物馆的功能等等,这样一些理论观点见解独到,受到了艺术哲学界的广泛而持续关注.他的艺术理论不仅仅为二十世纪风起云涌的先锋派艺术等重要美学存在提供了合法化辩护,而且为我们观察先锋艺术提供了崭新的理论视角.先锋派运动兴起以后,西方艺术领域从形式到内容发生了重大的发展和变化,丹托既对先锋艺术实践进行理论诠释,同时试图对“后历史时期”的种种艺术现象进行分析和阐释,为我们更好地理解怎样在“后历史时期”定义艺术提供新的理论思考.值得重视的是,丹托的艺术终结论没有墨守陈规,他自始自终对当下的艺术现象保持着“历史主义”的理论立场,不断与这些艺术实践进行对话和解释,从而为我们更好地理解当代社会条件下艺术存在的可能性提供了极具启发性的参照框架.

本文总体分成三个部分、五个章节：

第一部分是引论,阐明本文选题的依据和意义,说明研究的对象、范围以及研究思路和方法,交代研究必要性与可行性.国内外学者对丹托的研究取得了丰硕的成果,这些研究从各个不同的方面进行了非常充分的阐述,有的对丹托进行宏观介绍,有的就个别理论进行层层引证和阐述.但在本文看来,遗憾的是,纵观所有国内外研究,还没有人从艺术定义入手来把握丹托的艺术哲学.我们可以透过艺术定义这一视角,来对丹托的艺术哲学进行相对清晰和充分的了解.

第二部分是论文主体,总共由五章构成.它从逻辑上分成五个既相互独立又相互关联的部分

第二章集中论述了丹托“艺术界”革命性理论.在丹托之前,人们或者习惯于从为艺术规定某种本质的方式来理解艺术为什么是艺术,或者习惯于以以前的艺术品为参照物来确定当下的物品是否为艺术品.xxx·,戴维斯把丹托之前定义方式归为两种,第一种是功能性定义,第二种是历史性定义.丹托的“艺术界”理论的革命性在于发明了一种新的定义策略,在这个意义上迪基和卡罗尔都是他的追随者.戴维斯把这种定义方式称为程序性定义方式,这种理论强调艺术是通过特定规则与一定文化程序来定义的.从这种意义上来说,丹托“艺术界”理论的革命性贡献,不是一种程度上的改良,而是本质上的革命.

第三章着重论述丹托的“艺术终结论”.丹托沿袭黑格尔的命题,将艺术终结问题置于艺术史和美学理论的双重视野下来考察,依据艺术形态的历史性变化与艺术哲学观念转型之间的内在逻辑联系,从哲学对艺术的剥夺和艺术史的终结两个方面入手,来思考和认识艺术终结问题.笔者认为,在新的历史条件下,哲学对艺术的剥夺使得艺术的终结呈现出三种不同的方式：一是终结于哲学；二是终结于非线性发展；三是终结于多样性发展.哲学对艺术的剥夺使得艺术连续、进步、单一的发展模式终结,为重新认识和定义艺术提供新的契机.作为对艺术危机的积极回应,认真梳理黑格尔、海德格尔、阿多诺、丹托等人有关终结问题的历史线索和各种观念,指出黑格尔旨在通过艺术终结实现艺术的自由和精神的和解,海德格尔对艺术存在的追问实现通达真理的之路,阿多诺旨在通过艺术危机发现一种批判性的“反艺术”.丹托通过反思以叙事结构为主体的艺术史模式,希望通过“艺术终结”把艺术从“哲学的剥夺”中解放出来.笔者认为,艺术终结论并不是艺术活动的终止或艺术历程的真正终结,而是通过探讨艺术终结,为重新认识艺术、促进全新艺术实践的发展,在理论上提供新的可能.

第四章着重论述艺术机构在艺术定义中的作用.丹托认为,博物馆利用它的筛选机制在实际上承担了艺术定义的功能,丹托具体分析了传统博物馆的运作机制等,是对艺术定义社会条件的回应.传统博物馆*一些认定的艺术品,在已经成熟的博物馆体制背后,隐藏着一整套艺术定义的法则,传统博物馆一方面表征了传统艺术存在的样式,另一方面体现了传统的艺术认定方式.然而,随着后历史时期的来临,先锋艺术的全新实践已经使得博物馆无法死守固有法则而无视鲜活的艺术样式的出现,在这样的前提下,丹托提出了超博物馆的概念,从而延伸和拓展了博物馆的内涵和外延,使得博物馆与时俱进,能够持续回应不断翻新的艺术实践.

第五章着重探讨丹托对中国艺术的理论思考.在对中国艺术品的分析中,丹托把对艺术定义的思考拓展到西方语境之外,探讨在中国语境下定义艺术的可能性,一方面,让我们能够以一种新的视角重新理解中国艺术的意义和价值,另一方面,丹托也透过自己理论的跨语境运用,丰富了他对艺术定义的一些看法.

第三部分是结语,通过对丹托艺术定义理论的简要回顾和反思,客观地评估他取得的重要成绩和影响,同时又力图将他的艺术理论客观化,并试图在此基础上,为搭建适用于中国艺术的脚手架提供他山之石,为打造我们自己的艺术理论系统积累资源、添砖加瓦.对丹托的艺术理论进行符合中国实情的改造,可以为我们改造中国文艺理论做一些准备.

20世纪80年代,伴随着中国内地的改革开放,以及西方文化在中国的广泛传播,艺术从“*”时期仅仅为政治服务的狭隘概念中解放出来.中国当代艺术从这一时期开始起步,并迅速发展.中国的艺术家,尤其是青年艺术家采用“模仿”策略,大量借鉴西方现代艺术中的元素,演绎中国当代艺术.此外,中国当代艺术在发展过程中也结合中国本土文化中的元素,具备本土独创性.

从发生学层面来看,中国当代艺术是一部动态的历史.对于正在发生的历史,规律是难以探寻的.因此,本文不探讨当代艺术的发展规律,主要对xxx～2009这二十年内中国当代艺术发生、发展过程中的一些重要事件和问题进行梳理和实证分析,通过对艺术家个案研究,找出其与西方元素的对应关系及本土独创性符号,对中国当代艺术二十年作历史性回顾与理论性思考.

你勤奋、认真、好学是老师和同学心目中的好学生，是班上的佼佼者。更让老师开心的是，通过自己的努力，你又进入另一个阶段的学习，这就要求你更多从学习思考，自主的了解名师名画，吸取营养，才能更上一层楼。

通过近一段的时间学习，你有了不小的进步，但在进步中你是否还能发现自己另外的不足，努力的画，更多的画，可以很极大的提高自己。记得《芬奇画鸡蛋》的故事？比起他，我们这点的联系算什么？

你活泼、可爱，是我们画院“元老”级的学员。年幼的你早已获奖无数，但这已是曾经，现在的你还打算得多少奖？趁现在，少说话多画画，再接再厉，把同学赶超过去，再迎辉煌！和***同学一样，多年的绘画学习让你收获无数，你们因此也成为知音，让你的绘画学习多了一层欢乐。你们在平时的学习中不能携手“共进退”，要更多的争、超、比、赶，这才是挚友，益友。

刚到班上时，最让我眼前一亮的是你的画，现在来看，你的画还是很不错。但是想想效率，我不主张快而不好，但也不认同好而不快，这其中不只是时间的问题，还是技法的使用问题，记着老师上课想的，多体会体会，严格要求自己，才能有更大的收获。

你纯真可爱，你思维敏捷，想象力丰富，某些问题有自己独到的见解。常问出别人无法想到的问题，多么与众不同。你也尊重老师，对于老师的批评也能很好的接受。但你更要学会尊重自己，认识自己，知道自己想干什么，需要什么，才能更好的做好自己，你能的！

除了画画你还在考虑什么，你信不信？你的水平比你画面所体现的还要高，你所要做的就是把你的能力挖掘出来。多画些画，这些能力就可以在你的手上运用自如了。不信试试。

你觉得你现在的绘画水平怎样？我觉得不错，有不小的进步。你现在学习的内容是素描中的骨架，良好的基础才能建成高楼大厦。你这一步快要建成了，大踏步，向前，化茧成蝶！

看到你现在的画，老师很是欣慰，想想之前你的粗糙的画面，进步了！进不了！这其中一定下了不少苦功。下面的学习不能自满，曾热打铁，努力赶超，让同学们都向你投上羡慕的目光！

你是一名聪明、文静而勤奋好学的孩子，在自己的世界里创造出美好的画面。古人云：“文武之道，一张一弛”，细腻的同时也要学会抒发自己的豪气，才能画出更具情感的画面，多学习多吸收，闭门造车可不能成功。

初次转来我班，看你的画很不错，让我感叹，但后来却不没太多见到，为什么？是因为你的绘画技巧还未完全成熟，还需要的更多练习。只有每幅画画到极致才能在绘画上得到更多的提高。

真是人如其名，你长得秀气，富有灵气。你努力、认真、勤奋，在课堂上的你无可挑剔。正因如此，希望你能更加努力画画，多一点自己对绘画的思考，才能够更好的学习。多了解了解历史上伟大的'画家和他们的画作，感受大师的作品，可以更好的认识绘画，更好的全面认识和掌握绘画。

年幼的你在绘画中需要学习的还有很多，这是每个人都会经历的曲折，这无可厚非。你必须要好好的学习，向同学，向老师，你还小有的是时间，好好抓紧。画好画没那么难，相信自己，相信老师的画。

虽然你入学时间晚，但你画画还是有很大进步的，你能按老师的要求来学习画画。在以后的课程中，跟上老师的节奏，努力加油，陪以正确的学习方法，进步是迟早的，成功也就不远了。

你很独特，平时不是特别的凸出，但却能不轻易间能画出让大家意想不到的作品，你在绘画有一定的依赖性，不够独立，总希望得到老师的帮助，其实你能行的。多画画吧，练习多了就会可以了，加油！

你学过一段时间的国画，底子不错，尤其是在山水画在方面。但也要认识到一些问题，你还没能达到老师对你的预期要求，影响的你进一步的不仅仅是绘画技法，在各方面还要保持良好的习惯，决心意志也很重要，影响到以后的发展。时刻牢记，全面进步！

你的思维很独特，让人惊叹！有主见，有喜好，你是最让我愿意交流的学生。在画画方面同样有自己的见解，这是智慧的火花，保持下去，这是别人求之不得的，也是无法复制的。

好好画画，在这方面你好像还不太自信，其实大家水平都差不错，不要将时间花费在不必要的犹豫中，毫无价值。最后一段时间不也证明了这一点，多画多练习才是你应该做的。

巧评美术作品

每次评价美术作品时，我都用印章给孩子们印上与美术活动内容相关的特体形象，收到了意想不到的效果。

如让幼儿学画蘑菇时，我对幼儿说：“谁画的蘑菇漂亮，小兔子就会来采。”幼儿的`绘画积极性马上被调动了起来。为了招徕“小兔子”，他们画蘑菇时特别认真、仔细。讲评时，我一边巡视，一边在他们的美术作品上印上“小兔”。幼儿一边数，一边兴奋地交谈着：“我有四只小兔子来采我种的蘑菇，你呢？”“我有六只。”

就这样，我如法炮制：画小虫，我印“小鸡”；画花儿，我印“蜜蜂”；画冰淇淋，我印“孩子”……采用这种方式后，每次讲评时幼儿都充满了期待。当然，他们的绘画兴趣和技能也随之提高了。

摘 要：中西绘画交流早在明万历年间就有，而清初的郎世宁则是公认的传入西画技法的第一人。郎世宁带来的西方绘画美学思想独特的魅力在于融合了传统宫廷画思想，成就了郎世宁特殊的作品风貌。

关键词：郎世宁;传统中国画;中西文化

Giuseppe Castiglione，汉名郎世宁，意大利米兰人，生于1688年7月19日，是18世纪以西法作中国画最有成就的画家。由于对东方文化极度热忱，促使他在康熙五十四年(1715)来中国传教。最初以传播教义为目的他为了获取传播xxx的便利和权益入职内廷，为帝王作画，并逐渐受到赏识和器重，至乾隆三十一年六月十日在北京病逝，他在中国的艺术生涯长达五十年。他的作品为了迎合当时封建君主的喜好，不断在中西文化的撞击中成熟，对当时的宫廷绘画产生了一定影响。因其画风受中西方绘画的共同影响，所以采用中西掺和的画法，纵观郎世宁的作品绘画风格特点可从以下几类作品中比较与传统宫廷画的差异。

一、人物肖像画

郎世宁在人物肖像画方面，以当时先进于中国的解剖学作为造型依据，加之擅长运用逼真画法描绘人物，体现出较强的写实能力，因而受到好奇西方学术、艺术和科技的清朝皇帝的器重。郎世宁的肖像作品追求立体感、准确性、比例合理、晕染精细、凹凸分明。这一类作品的特点可以从他几幅比较重要的作品当中如体现出来，其中比较典型的是《乾隆朝服像》《乾隆大阅图》《孝贤纯皇后像》《平安春信图》等。他的肖像作品最具特点之处在于对光源的处理方面，他采用正面光源，抛弃西画过强的光影对比，迎合传统中国画，这样的革新使人物面部整体感觉更柔和更清晰，这是郎世宁欧洲画法融合中国传统技法的再创造。

二、纪实画

郎世宁的纪实画作品主要有《马术图》《万树园赐宴图》《平定西域战图》《平定西域回部战图》《丛薄行诗意图》《哈萨克贡马图》等。

这些大型纪实画不仅抛弃了纪实画常用的长卷形式，也抛弃了传统中国画因封建等级制度而过度夸大帝王地位的画法，改为适当的人物比例，但在构图中将主要人物置于显著位置或者加强对主要人物的刻画来强调君主或主要人物的身份特殊性。其特点表现在主要人物具有肖像特征，对人物服装以及背景描绘具体而细致，层层渲染。郎世宁的纪实画不仅在绘画风格技法上有所改变，最重要的是在构图上都有别于传统中国画。

郎世宁纪实画的构图中将人马、聚散、景物处理的富有节奏感，体现了画面的虚实、物象的繁复，但又融洽和谐的关系，具有明显的欧洲画风。同时，他在绘画中也尝试从创作中争得自由，尽量避免把近景远景结合在同一个画面中，纪实画多采用宏观远视的方法，不仅使整个画面感觉有纵深感，还使人物和周围的环境符合实际比例，同时兼顾了中国人的视觉习惯又不违背西方人的作画习惯。

三、花鸟走兽画

在花鸟走兽类绘画作品中，《嵩献英芝图》《聚瑞图》《孔雀开屏图》《九犬图》《百骏图》《五马图》《柳荫双骏图》《万卉同春图》《仙萼长春册》等是其主要代表作。在绘制这一类作品时，郎世宁发挥了他高超的写生技法，用笔精到，宛然若生，利用西方透视和明暗作水墨画。不管是马匹、树木、水流、土坡，还是花枝、鸟雀等，都非常注重质感的细腻表现。

他在运用西方写生技法画蕴含传统中国元素的作品过程中适当添加了光影处理和明暗交界线的运用，使得花鸟走兽有了栩栩如生、呼之欲出的感觉。

在郎世宁的这类作品中，他更多的是来塑造形体，减弱了笔墨线条独立的审美意义，然而笔墨线条是中国绘画和书法造型的基础，对于受西方绘画影响较深的郎世宁自然难以体会笔墨线条的微妙乐趣，更多的是在意形体结构的把握，所以笔法全无。虽然如此，但是也给予了这个外国人改变中国传统中国画更大的发展空间。这种作画方式使他的画体积感和真实感以及空间感更强。这种有别于传统的绘画技法，是对传统中国画的一种补充，也是一种冲击，在画坛中开拓了崭新的艺术天地。

四、郎世宁绘画风格对传统中国画的影响

郎世宁在进入中国前学到的西方绘画特点是写实、写生、忠于自然、忠于光源、忠于黄金分割、忠于人体解剖，力求再现生活;同时，他也被中国画所体现的意境所吸引。因此，他尝试着适应中国的欣赏习惯和宫廷的需要用西法画中国画，郎世宁学习中国画技巧并不断用中西不同的观察方法和表现方法改造传统中国画。

总之，他致力于中西画法的变通与折衷，对传统中国画来说不失为一种很好的突破和尝试。虽然我们可以站在中国传统绘画或西方传统绘画各自的角度来评价郎世宁的绘画，但是我们也应该认识到他的作品所呈现出的这种特殊面貌中中西碰撞的艺术价值。

他的中国画中和了中西方的差异，也在一定程度上改变了中国人的审美趣味，因此要将他的作品放在特殊的历史文化背景下研究，郎世宁的画代表着一种新的审美趣味和一个新的画派，对后人在中国画探索新的技法或表达形式上有所启迪并产生深远而积极的影响。另外，郎世宁曾与中国士大夫年希尧探讨西法透视，并用年之笔撰写了《视学》，这也是一部详细介绍郎世宁西法绘画技巧的理论著作，也是最早介绍西方透视法的著作。而且，郎世宁的油画功底深厚，还给中国宫廷培养了一批学习油画的宫廷画家，对中国传统绘画与西方技法的融合发挥了重要作用。

参考文献：

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[5]崔人元.盛世画风――郎世宁的院体画[J],世界博览,2005(3).

是中国工农红军长征胜利80周年。长征是中国革命的光辉一页和恢宏乐章，为铭记红军长征艰苦卓绝的光辉历程，大力弘扬伟大的长征精神和民族精神，不忘红色传统、传承红色基因，培育和践行社会主义核心价值观，坚定不移地走有中国特色的社会主义道路，激励全市上下攻坚克难、开拓创新，后发赶超、有力有为，实现“凤凰展翅再腾飞”，共筑中华民族伟大复兴中国梦，^v^潮州市委宣传部、潮州军分区政治部、潮州市文学艺术界联合会拟于月份举办“伟大壮举 不朽丰碑——纪念红军长征胜利80周年潮州市美术、书法作品展”。现将有关事项通知如下：

一、组织机构

(一)主办单位：^v^潮州市委宣传部 潮州军分区政治部 潮州市文学艺术界联合会

(二)承办单位：潮州画院 潮州市美术家协会 潮州市书法家协会

二、征稿办法

(一)作品主题：弘扬主旋律，传播正能量，必须与红军长征题材相关，主题鲜明，格调高雅，富有创意，具有较强思想性、艺术性、时代性，注重体现地方特色。杜绝抄袭、剽窃他人作品的.行为。

(二)规格形式：画种、书体不限，要求不小于四尺，六尺以内，以竖式为主。中国画及书法作品勿托裱，由主办单位统一装裱;油画、水粉、水彩等其它画种需自行装框。

(三)征稿范围：面向社会征稿，组织专家评选后择优展出;特邀我市书画名家作品参展。

(四)截稿时间：自通知之日起至年9月25日。

(五)收稿方式：请各县区委宣传部、驻潮部队、县区文联、各艺术家协会积极做好宣传、组织、发动工作。各县区文联、驻潮部队、各协会可集中送稿。投稿作品请于截稿日前寄送或直接送交潮州画院。收件地址：潮州市枫春路中段文学艺术中心七楼，邮编：521000，电话：;联系人：陈女士，手机13632044440;余先生，手机13380475134。

三、作品评选

西方美术史的教学通常以带领学生们赏析名画作品的方式进行，但名画作品所蕴含的真正意义往往是深层次的、隐约的，并不能让人一眼看穿，因此，学生们在赏析西方美术史上的名画作品时常常会感到无从入手。另外，由于欣赏者的经历、知识修养与情感体验等也不同，因而，即使欣赏者赏析同一幅美术作品，不同的欣赏者肯定会有不同的解释与体会。所以说，鉴赏艺术作品的过程中是存在审美差异性的，即使面对同一幅艺术作品，欣赏者也会出现仁者见仁，智者见智的情况。名画作品中蕴涵的丰富意义引发欣赏者的兴趣，也能激发他们的深入思考与探究。西方美术史课上进行的著名美术作品的赏析不仅能够拓宽学生们的知识领域，促使他们更好地把握史论知识，还能提高他们的欣赏能力与审美能力。赏析名画作品需要做到以下几点：

一、把握名画作品中的典故

西方美术史上的名画作品通常描绘故事情节，正是这些描绘故事情节、记叙历史典故的意蕴丰富的作品才能成为名画作品。自有西方文明以来画家们常常以《圣经》故事、神话传说、历史故事、社会现实等为题材进行作品创作，因此，赏析名画作品时不知道名画作品所要表达与展示的内容，进行作品的欣赏与阐释就很困难了，体会名作传达的深刻含义与弘扬的精神就更困难了。所以说，要想赏析名画作品，体会其中蕴含的深刻意味，必须先把握西方名画作品所处的时代背景与特征、了解名画作品产生的深层原因，进而分析名作的形式与结构特点，把握作品的感情内涵。只有了解并把握了名作中典故的背景知识，才能领悟作品的深刻意蕴。

二、关注名画作品的表现特色

(一)了解构图、光线、色彩的运用技巧

构图规律是画家们系统、整体绘画的法则，众所周知，绘画中最经典的构图样式是金字塔形或三角形构图，西方美术史上很多圣母画像、肖像画等都是根据这种构图形式绘成的。后来西方画家们在这种构图样式的基础上用垂直线条加以装饰自己的作品，这种绘图方法经常被用于意大利的宗教绘画中。除上述经典的构图样式外，还有黄金分割构图、S形构图等多种构图样式。构图法则运用是否得当也体现着一个画家的艺术审美水平。三角形构图中区域的划分基本是在黄金分割构图的基础上进行的;画面中面与线的交叉运用，会使画面中的物体好像有远近、前后、高低之分，给人一种立体感;画面中的斜线以及它的平行线能够增强画面的动势，给人一种韵律感;画面中的物体如果是对称或平衡的，则能够凸显物体的静止静止状态，反之则凸显其运动状态。

绘画中能否取得最佳视觉效果，取决于画面中的物体颜色与画面整体背景的颜色对比是否明显。画面中强光的运用会降低强烈色彩的表达效果，强烈的色彩也会妨碍画作中的光线效果。了解了绘画中构图、色彩、光线、线条等的功能，会提升学生们赏析名画作品的能力，可以形成由表及里地系统分析，还可以加深学生们对西方美术史方面的知识的理解。

(二)了解西方名画中画家意念的表达

西方美术史可谓是人像的长廊，不管是具体的实物，如历史题材、宗教题材等，还是抽象概念，好像都是用人物画像来表达的。即使不是用人像来表达的，也有人的折射。西方名画作品中画面的捕捉以及意蕴的传达，来源于画家对人物的表现与处理。例如，现实主义观念的传达者米勒的名作《晚祷》就可以证明这一理论，画中辛勤劳作了一整天的农民夫妇在黄昏时分听到了从远处的教堂中传来的阵阵钟声，他们便停下手中的活进行虔诚地祈祷。画作中用金黄色这种暖色调来刻画黄昏，显然表达了画家对虔诚的劳动者的无比同情与真诚祝福，传达了画家致力于表现祥和、宁静的乡村景象，展现人性之美。

(三)体悟名画作品中的艺术精神

一个真正的、有担当的画家要有博大的胸怀与高远的志向，要致力于用自己崇高的价值观念去感染观众。文艺复兴时期达·芬奇的著名作品《蒙娜丽莎》在此后数百年的时间内激发后代画家们创作了无数其他的艺术体裁。达·芬奇的作品《蒙娜丽莎》采用的是经典的金字塔形构图，在人物描绘上力求和现实中的人物保持一致，却又尽量删去现实中人物的缺陷，以追求理想的人性美。西方文艺复兴时期是去神性而表现人性的时期，“人”的自主意识、“人”的世俗观念、“人”追求物欲的权利等在人文主义者的倡导与追求下逐渐显露了出来。这一时期是人性、“人”的文化开始自觉的时期。所以，在教授学生们赏析名画作品时，一定要指导他们学会体悟其中的艺术精神与文化性。

三、结语

名画作品赏析是西方美术史的教学方法之一，本文通过对这种教学艺术的探析，希望美术学专业的学生们不仅要学会理论知识，还要学会感受画作独特的美，并且从中发现形成美的技巧与规律，从而提高他们对绘画艺术语言与形式的感受力，并不断提高他们的审美境界。

摘 要：后现代艺术思想的主要特征是回归性、折衷性、混沌性与多重性，相应地表现在不求纯粹、善待传统、非个人化、多种标准几个方面，如对当代艺术不局限于视觉形式，绘画超越平面限制，雕塑与风景、建筑相结合，对于人类丰富的文化遗产要很好也地加以利用等。后现代艺术一改现代艺术的自我为中心的艺术创作理念，提倡艺术走向社会，贴近生活，强调艺术的社会功能，从而使世界艺术没有明显的界限，达到世界文化的多元，形成一定的全球语境。

一、西方后现代艺术观念

后现代艺术思想的主要特征是回归性、折衷性、混沌性与多重性，相应地表现在不求纯粹、善待传统、非个人化、多种标准几个方面，如对当代艺术不局限于视觉形式，绘画超越平面限制，雕塑与风景、建筑相结合，对于人类丰富的文化遗产要很好也地加以利用等。后现代艺术一改现代艺术的自我为中心的艺术创作理念，提倡艺术走向社会，贴近生活，强调艺术的社会功能，从而使世界艺术没有明显的界限，达到世界文化的多元，形成一定的全球语境。在全球化与多元化语境下。世界各国大力提倡艺术教育，并对艺术教育进行着一系列的改革，后现代艺术观念成为影响现代世界美术教育改革的重要因素之一。后现代主义虽然思想庞杂。但其实质还是追求一种更完美的现代性，期望人的行为更具合理性。因此，表现在现代美术教育改革中，则强调美术与日常生活的联系，强调通过美术教育使学生获得终身受益的美术能力，强调美术教育让学生运用多种手段、多种材料包括声、光、电，进行美术作品的创作，这些都与后现代主义所呈现的普及化、生活化、多元化、解构化等特征是分不开的。

二、西方后现代艺术观念对中国基础美术教育改革的影响

在现代全球化与多元化充斥的教育环境下，我国的美术教育更是素质教育中必不可少的一部分。后现代艺术观念也影响着我国的美术教育改革。在中国，由于近十多年来改革开放，大量引进西方美术作品和理论，更加深了我国美术界尤其是青年美术家对这个问题的关注。一个国家具有民族特色的艺术要得到发扬光大，必须遵循两个首要的原则，一方面要继承，发扬本民族固有的优秀艺术传统，另一方面又要广泛吸取其它国家艺术的有益因素。二者不可偏废。

我们对于接受外来文化艺术影响的认识，并不是在很早以前就十分清醒的，而是经过近百年来的实践，得出了正反两方而的经验，才逐步明白了一些这方面的道理。

三、对基础美术教育改革理念的影响

二十一世纪，随着信息化、数字化的时代的到来。理性和感性的发展处于一种不平衡状态，社会的高速发展，使人类偏离了自然，人们认识到艺术是理性和感性趋于平衡的途径，在课改中，不以单纯掌握知识技能为目的。试图改变艺术教育中学生机械模仿与枯燥训练技能的方式。把艺术知识、技能的学习还原到一种完整的艺术情境中，或把一定的知识技能渗透到某个人文主题中。后现代艺术观念的追求一种更完美的现代性，期望人的行为更具合理性的观念影响着美术教育观念，以人为本成为现代美术教育思想的主导思想，美术教育改变了过去的以传授知识为主的教育思想，提倡以培养人的个性，达到培养全面发展的人的教育理念。

四、对基础美术教育课程改革的影响

进入2l世纪，美术课程资源开发进入了一个新的历史时期，在美术课程资源的开发中把美术课程的过程与方法、情感、态度和价值观与知识、技能看作是同等重要的，美术课程资源也并不局限于美术学科本身，并拓展至自然、文化、社会等范畴。在课程设置上，则强调消除对于实用美术的轻视。将工艺美术、现代设计与强调审美的精神功用的纯艺术结合起来。在课程设置上，则主要体现以素质教育为依据，让学生获得终身学习美术的能力，改变过去以美术知识、技能为内容标准，而充分体现美术的情感性，加强学习活动的综合性和探索性，让美术课程和生活、自然紧密联系起来。

总之，西后现代艺术观念对世界的教育改革产生了重大影响。对于世界各个国家的美术教育改革更是有着不可替代的作用，在它的影响下。学校美术教育更注重美术与文化及社会的联系，设计一种更开放的、既能容纳又能扩展的美术课程成为世界各国美术教育改革的焦点。它同样也推动着我国21世纪美术基础教育改革前进的步伐。

参考文献：

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[5]韩俊.约翰伊顿与设计教育的基础课程[J].吉林艺术学院学报，2008，(1).

名画猎犬图鉴赏

《猎犬图》册页

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此图原载《历代名笔集胜册》，画一只猎犬慢步前行状，无背景。犬的形态生动，造型准确，刻画细致入微，毛茸茸的细毛和脚爪清晰可见。画面右上方署有“庆元丁巳岁李迪画”年名款。此图为李迪晚年小幅画精作，犬乃日常习见之物，丝毫苟简不得，而李迪描绘得逼真且活泼可爱，工笔细致带有些许的粗率，是一幅生动写实的绘画精品。

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李迪，河阳(今河南孟州)人，南宋院体花鸟画最具影响力的画家。北宋宣和时为画院成忠郎，南宋绍兴时复职为画院副使，历事孝宗、光宗、宁宗三朝(1162-1224年)，活跃于宫廷画院几十年。李迪所处的.时代，在宋徽宗之后。徽宗赵佶虽然不是一个好皇帝，但确实是个名符其实的艺术家，他对中国画史的贡献是无人能取代的。他不仅创作、保护并整理了大量传世佳作，其在位时还将画家的地位也提到中国历史上的最高位置。宋徽宗建立了翰林书画院，即当时的宫廷画院。以画作为科举升官的一种考试方法，每年以诗词做题目曾刺激出许多颇具新意的创意佳话。如题目为“山中藏古寺”，许多人画深山寺院飞檐，但得第一名的没有画任何房屋，只画了一个和尚在山溪挑水；另题为“踏花归去马蹄香”，得第一名的没有画任何花卉，只画了一人骑马，有蝴蝶飞绕马蹄间，凡此等等。这些都极大地刺激了中国画意境的发展，使得中国画在艺术上大大超越了唐代。

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李迪正是在这样的背景中成长起来的，虽然南宋时期的国力已无法与徽宗时期相比，但却沿袭了北宋尊祟画家的传统，这使得李迪可以自由地发挥其才能。李迪的作品具有典型的宋代宫廷花鸟画的特征，基本保持北宋工细写实的画风，如注意特定和瞬间的意境和情态的表现，构思新奇、主题鲜明、描绘生动、笔墨精妙、手法多样，给人以清新优雅之感。尤其重视对动植物形象情状的观察研究，他笔下的花草树木，务求生动逼真、合情合理、一丝不苟，反映出宋代宫廷贵族的审美特征。

教堂是基督教的精神象征，是基督教文化的主要承载物。在一千多年的发展历史当中，教堂的装饰艺术也在不断的更新和变化，它在每一个历史时期都有着明显的特征，体现出不同的历史文化和审美观念。根据教堂发展历史及特征的不同，可以将欧洲教堂装饰艺术分为罗马风格、哥特风格、巴洛克风格三个时期，每一个时期教堂的装饰都有鲜明的特点，探讨不同历史时期的教堂装饰风格，对于全面了解欧洲艺术发展具有重要意义，同时也能够对现代建筑装饰艺术的发展起到一定的借鉴作用。

一、罗马风格时期欧洲教堂的装饰艺术设计

罗马风格欧洲教堂的装饰艺术设计是指12世纪以前欧洲教堂的整体装饰风格。

1.以黑白色调的搭配为主罗马风格时期欧洲教堂的装饰艺术最具代表性的当然就是意大利的教堂，这一时期欧洲正处在罗马帝国的统治时期，因此这一时期的建筑体现了鲜明的古罗马特色。同时，这一时期战乱频繁，古罗马文化对当时文化的影响依然比较明显，xxx依然是最高的宗教统治者。因此这一时期的文化发展并不繁荣，受到战乱和统治者的影响，这一时期的教堂在装饰风格上主要是以黑白色调为主，其目的就是为了体现出罗马教皇的高高在上和主的意志神圣不可侵犯。由于当时战乱，主的仁爱思想受到很大的压制，而这也体现在教堂的装饰风格上。其中具有代表性的就是意大利的比萨大教堂，这座教堂建于1063年，教堂的外部与古罗马时期的建筑风格十分相似，采用的都是乳白色的大理石，在内部上与古希腊神殿的建筑风格也有很多相似的地方，内部有很多乳白色的柱子，既能起到一定的支撑作用，又能起到一定的装饰作用。走进大堂一眼就能看到高高耸立的柱子，以及两侧黑白条纹装饰图案，中央是一副正襟危坐的圣母装饰画，中间是著名的伽利略吊灯。整个装饰风格显得庄重、简约，又不失肃穆，很好地反映出了当时的欧洲文化。

2.多用精美的雕刻作为装饰众所周知，雕塑是欧洲艺术的杰出代表，在长期的发展历史当中，涌现出了大批优秀的雕塑家，如乌东、吕德、罗丹等，都是欧洲雕塑的杰出代表。雕塑最早可以追溯到古罗马时期，古希腊时期有关希腊神话的雕塑是其优秀的代表，而在古罗马时期，文化的繁荣让雕塑出现了第一个高潮。欧洲最重要的宗教文化当中，当然也不可避免会涉及到雕塑艺术的应用。除了比萨大教堂大量地应用了一些雕塑艺术之外，其它的一些教堂也有很多著名的雕塑艺术作品。圣彼得大教堂建于326-333年，随后虽然经过了重建、修正，但是依然保留了很多带有古罗马风格的雕塑，其中就有雕塑艺术史上的无价之作——xxx雕塑作品《圣殇》，当然作品的风格与罗马时期的雕塑已经有了很大的变化，但是依然能够看到那种传神的风格，这也是整个教堂最重要的装饰作品。当然该教堂还保留了公元3世纪的一些浮雕作品，虽然有的雕塑作品时间已经无从考证了，但是依然能够看到鲜明的罗马时期的艺术风格。

二、哥特风格欧洲教堂的装饰艺术

哥特风格欧洲教堂的装饰艺术指的是12世纪到15世纪哥特文化流行期间，欧洲教堂在内外部的装饰情况。

1.装饰的色调丰富多彩从12世纪开始，欧洲社会逐渐步入了一个相对稳定的发展时期，在这一时期，繁荣的文化开始从希腊、罗马传递到欧洲各地，同时哥特文化开始兴起，这对欧洲教堂的装饰风格产生了重要影响。最明显的一个变化就是在装饰的色调上。从上文的分析中可以明显看出，在12世纪之前，欧洲教堂在装饰中主要使用了黑白相间的色调，虽然在一些绘画当中有别的颜色的使用，但是整体上呈现出黑白相间的特点。而到了哥特文化时期，欧洲教堂的装饰开始变得丰富多彩，最重要的一个变化就是金色的应用，当时教堂装饰中一般都是采用的纯金装，金色代表的是高贵和财富，正是因为金色的应用，让教堂变得金碧辉煌。其中作为梵蒂冈罗马教皇的驻地，圣彼得大教堂在改建以后，随处可见金色的应用，而多彩绚丽的绘画艺术让整个装饰色调显得更加丰富。比如说始建于12世纪末的丹麦奥尔胡斯大教堂，其主祭台上的神像几乎都是金色装饰的，然后用红色、绿色等其它颜色点缀，增强了一种神秘感，显得高高在上，不可侵犯（见图1）。

2.多彩的绘画艺术大量出现在教堂装饰当中，除了雕塑之外，最重要的装饰作品就是绘画。12世纪到15世纪之间，欧洲的绘画艺术开始从黑暗向黎明迈进。在这一时期，绘画开始大量用于教堂的装饰，并且与雕塑艺术相互融合，主要用于教堂内部墙壁、屋顶的装饰。奥尔胡斯大教堂的边门中就有一个非常典型的带有神秘色彩的绘画，这组绘画虽然以宗教为内容，但是表现的并不是耶稣、圣母等传统的题材，而是一种神魔鬼怪的装饰。其中最著名的就是《西斯庭教堂天顶画》，这是15世纪最著名的画家xxx的作品，位于意大利西斯廷教堂。作品在教堂短廊式的500多平方米的天顶上，以圣经《创世纪》为主线，先后描绘了九个基督教神话场景，包括《神分光暗》《创造日月与动植物》《创造水和大地》《创造亚当》《创造夏娃》《原罪?逐出乐园》《挪亚祭献》《洪水》《挪亚醉酒》，全部作品总面积达到600平方米，天顶画的装饰图案全部绘以建筑结构的样式，这与教堂实际的建筑结构取得谐和，因而当人们仰观整个天顶画时，它更显得庄严华丽。在主题思想上，xxx确定所绘人物的内容时，不拘泥于情节的宗教依据，只着重于表现人的本质力量，蕴含着基督教深刻的精神与历史价值，可以说达到了宗教绘画的一个顶峰，与达芬奇的《最后的晚餐》一起被称为15世纪绘画中的不朽之作和无价之宝。

三、巴洛克风格欧洲教堂的装饰艺术

巴洛克风格起源于16世纪，从17世纪开始流行于欧洲，这种艺术风格继承了文艺复兴时期的一些艺术风格，如错觉的再现传统等，但是却追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界，可以说是一种艺术的“浮夸”效果。

1.复杂而宏大的装饰应该说在罗马风格时期和哥特风格时期，欧洲教堂在内部装饰上是越来越复杂的，虽然说在哥特风格时期，装饰风格比较富丽堂皇，但这只是在一些局部地方的处理上，实际上在教堂内的大部分还是以单色调为主，当然圣彼得大教堂虽然有精美的壁画和大量的雕塑，但是整体上很协调，并没有复杂繁琐之感。但是到了巴洛克时期，不仅壁画的装饰范围越来越大，而且整个雕塑变得更加复杂，甚至出现了层雕等艺术手法，借助于建筑商的宏伟烘托出一个更加磅礴的宗教气势。如在意大利圣卡罗教堂的装饰当中，就使用了大量的几何图案，在装饰上讲究的是对称性，教堂的顶部是半圆形设计，在窗户的作用下，映照的是一层层的装饰画，可以看得到这些绘画当中有的描写的是圣经当中的场景，有的纯粹就是几何的装饰图形，与绘画交织在一起，烘托出整个教堂的宏伟（见图2）。巴黎圣母院装饰风格虽然比较简约，但是巨大的柱子与灰色的色调，显得教堂庄重而又不失宏伟（见图3）。

一、西方油画艺术中色彩的发展历程

文艺复兴时期油画诞生，早期的油画有着壁画、蛋彩画的痕迹。尼德兰的扬?凡?艾克兄弟的油画改变了西方艺术界一直使用蛋彩的历史。早期绘画主要以树胶和蛋黄为主要的结合剂，在经过了无数画家反复实验后，油画的结合剂转变为以油为主。早期油画的主要特征是鲜明的人物形象、强烈的明暗对比以及逼真的质感。文艺复兴前后的油画作品，颜色仅有黑、白、灰，色彩语言并不丰富，不会刻意追求色彩冷暖的对比，只是些许点缀其他色相的颜色，色彩的生动性十分欠缺。但是油画色彩不断地发展、变革，并由客观表现逐渐发展到主观表现，极大地提高了表现力，绘画语言逐渐完善。油画色彩在19世纪有了新的变革。画家康斯特布尔从室内绘画转向室外写生，在写生中获得更加丰富的色彩并将其表现在画面中。康斯特布尔凭着对大自然的仔细观察，感性地认识了补色原理。而德拉克洛瓦在其启发下将补色关系更多地运用到绘画中，在画面中采用了更多的色彩对比关系，提升了色彩的明亮度。景物的环境色、光源色、固有色是法国巴比松画派画家在不同天气条件下多次写生后认识到的，这对油画创作中准确地描绘时间、烘托画面气氛有着十分重要的影响。油画史中色彩方面最重要的一次变革无疑是19世纪法国印象派的创新。印象派画家将油画色彩从之前固有色的观念中解放出来。他们努力捕捉外光景物瞬间的色彩印象，画面中淡化了景物的素描造型，更多的是强调用色彩造型及光色的表现，注重运用色彩的冷暖对比，并尝试采用多种绘画技法。后印象主义画家在发展印象派丰富的色彩表现力的基础上，更加关注画面中个人情感的表达。这次色彩的转变使艺术家更加确立了绘画中主观色彩在油画中的地位，色彩的主观表现逐步增强。凡?高的油画造型和色彩语言就是这个时期的重要代表，他通过独特的色彩表现炽热的情感。

二、西方油画艺术中色彩的主要体现

1.色彩的主观性

艺术家在创作中并不是完全地将景物照抄在作品中，不会完全地再现物象的色彩，而是以个人情感为依托根据画面需要去创造，形成富有个性特点的绘画语言。色彩在油画作品中的主观性也是相对的，是对于景物所呈现的色彩本身而言的。

2.色彩的装饰性

色彩一直以来都是进行装饰的主要手段之一。从远古时代开始，人类为了装饰自己开始往身体上涂抹颜色。随着时代的演变，色彩在更多的装饰途径中发挥了作用，如陶罐上的花纹、布料上的各种色彩和图案。而色彩的装饰性在油画中被发挥得淋漓尽致。每幅画中都有画家独特的情感表达，各种情感状态都可以表现在作品中。在视觉的作用下，各种颜色都可以带给人们特殊的感受。著名画家克里姆特的作品《接吻》采用金色调，除了部分花纹外全部采用金色作为装饰，是一幅极富装饰性的油画。凡?高在《向日葵》中较多地采用了暖色调，黄色布满了画面，色彩不受拘束，大胆、奔放，极富表现力。

3.色彩的表现性

三、结语

在中西方文化长期的交流与融合下，西方油画在中国发展传播，油画色彩的观念发生了很大变化，油画艺术趋向多元化。在这样一个信息高速发展的时代，艺术家应该不断创造，不能简单重复前人的绘画理念、色彩经验，在吸收前人经验的基础上拓展出属于有中国特色的色彩语言，丰富我国的油画艺术。

名画《梦》观后感

今天，我们上课学的是静态观察法。老师让我们来了解一些名画。

在我心目中最欣赏的是《梦》这幅画。

《梦》这幅画是著名画家、雕塑家^v^画的。这幅画不大，大概三英尺长，两英尺宽吧，整幅画以暖色调为主，分别有红、黑、黄三种颜色，红色是沙发；黑色是墙的花纹；黄色是衣服的主色，造成了人与物的鲜明对比，让人眼前一亮。这幅画画的是一个女孩儿在睡觉，她的神情很安详，微挑的嘴角流露出恬静、淡雅的微笑。

仔细看这幅画，我觉得，这个女孩睡得很舒服，好像在做一个美梦，我猜想她有可能梦到了一桌子的海鲜大餐，有可能她梦到了她拥有着很多的钱，想买什么就买什么，所以她的嘴角挂着幸福的微笑。

听老师说，^v^让自己心爱的女孩当模特，画出她睡着的样子，有可能是因为这个女孩儿也会画画，她想看一看^v^的画技，所以^v^就把她画出来了。

《梦》是世界著名的画，光是一个打印版就如此令我惊叹，要是看到真的画，那不是更加震撼了？这幅画让我体会到了艺术的魅力。

精彩点评：芷涵文笔流畅，能够简明扼要地描绘细节，让读者仿佛也见到了真画。另外，文章段落间衔接自然，继续保持。如果能联系到^v^的生平来谈，升华主题，会更好！

一次下课的时候，老师在墙上挂起了一幅画，说让我们观察，下节课就学习描写这幅画。

我瞟了一眼，它立刻吸引了我的注意力。它是知名画家^v^的名画——《梦》。

我仔细地看了看，第一眼看到的是那白色衣服，白色中隐约点缀着淡黄，背景深红色中又有少许橙色，和冷色调的白色形成鲜明对比。

画中描绘的是一个少女，坐在沙发上睡着了。她头向右倾斜，嘴巴微抿，显得神情安详，又有点高兴，可能是做了一个美好的梦，她可能梦见了许许多多的'美食，自己正在“埋头苦吃”呢！不信你看，她嘴角仿佛还留着口水呢！

^v^想表达什么呢？我猜想可能^v^十分喜欢这个少女，而她好像又在做梦，也许是^v^希望她在梦里能梦见自己，想表达自己对她的一种“爱”吧！

我又查阅了这幅画的资料，果然证实了我的猜想。那时候^v^十分喜欢这个少女，一次，他趁那个少女睡着的时候，偷偷画了这幅画。我还听说，这幅画的原名是《躺在红色沙发上的睡觉的女孩》，后来才改成《梦》。因为^v^觉得这个女孩正在做一个美好的梦，又十分喜欢这个女孩，希望她在梦里梦见自己，便改名为《梦》。

“叮叮叮……”

上课的铃声响起了，我依依不舍地回到了自己的座位，我凝视着那幅画，沉思着这究竟是一个怎样的女孩，虽然我只观察了几分钟，但《梦》这幅画却永远留在了我的心里，它的色彩，它给我的感觉，使我终身难忘。

精彩点评：泰来有着不错的文字功底，整篇文章结构自然清晰，并且能够有意识地区分口语和书面语，继续保持！可以把画作的内容再写详细些，由画的细节来引申想象，这样会让文章更加充实哦！

我今天欣赏了梵高的名作《星空》。

我早就听说过梵高的美名，但是他的作品魅力究竟在哪里呢?这幅画把答案带给了我。

映入眼帘的.是那巨大、卷曲的星云，那一团团夸大了的星云，还有一颗如火焰般的柏树，那天空中挂的一轮明亮的月亮，都让我先入其境。

这幅画给我的第一印象就是拥有强烈的震撼力。《星空》这幅画无论从颜色搭配，还是从表现力的方面来讲，都给予人一种深刻的印象。

第二印象就是梵高的大胆创作力。这幅画展现了一个极度夸张的星空景象。那扭曲的星云，火焰般的柏树，都让我着迷，都让我陷入了思考。

梵高的一生充满了坎坷，他一生虽然努力地进行艺术创作，但他的画作都被人所讥笑，认为是“儿童画”，却不知道这是一幅怎样意义的画作。如果那个时候有人知道了梵高的意图，一定会明白梵高是一位多么伟大的画家。

我身临其境，被带到了那神秘的星空。

那高大的柏树，犹如火焰，似乎像吞噬什么。隐隐约约，感觉远处的山在骚动，给我不安的感觉。天空中的星云衬托着那巨大的明月，那轮从月浊中“走”出的月亮，暗示着什么，更让人觉得神秘。而那夜空中飞过的像卷龙一样的星云，似乎象征着梵高的挣扎和奋斗的精神。

我通过这幅画才知道梵高是一位多么伟大的画家，因为他能用他伟大的画笔创作出体现人物内心的作品，真是了不起。我实在是很佩服梵高，今后要向他学习，让作品融入自己的灵魂，使画面变得更生动。

一、西方素描绘画的空间艺术

空间艺术在素描范畴内一是指画面的设计结构，二是指在一个二维平面对深度的幻想。空间感从文艺复兴到塞尚开始的现代主义都与它的表现方式有着直接的关系，其中，焦点透视的三维空间和平面二次元空间以其直观可感的形式，在西方素描中得到最为广泛的运用。西方素描在绘画空间上很是注重静物和景物分割空间形成的几何形构成，大多是结合焦点透视法，安排一个深度空间，组织有秩序的几何结构和画面，以数学计算式的精确，递减景物大小和在深度中进行画面构成。画面中无论近、中、远景的物象都用清晰的黑线勾勒出来，有相对清楚的边缘，空间的深度和前后关系靠一块块有厚度的平面重叠堆砌而成，然后再根据画面的空间结构的需要，主观的拉长、拉高、拉宽平面，空间通过平面的前后重叠而达到清晰的显现。而后印象主义和立体主义的空间观念，是追求素描空间在内心感受上的主观空间想象，并非客观现实的真实，由此创造出了一种新的素描空间艺术表现，这是一种把对象拆散后拼接成空间中全新的物体景象的自由技法。这种技法可以在同一幅画里展示出不同视点看到物象的各个面，这就打破了文艺复兴以来用焦点透视法描绘空间的思路。同时，通过多点透视把物象分解重组成几何形小切面的方法，被后来的很多艺术流派广泛借用。现代主义的艺术创新，在素描绘画的空间形式上有很多层面都与文艺复兴时期有着内在的联系，这也是那时绘画空间的现代延伸。至于它们之间存在的画面空间感觉差异和制造出画面前后空间的深度和厚度感，那是由于时代的艺术语言的不同，但对素描绘画空间的认识和空间背后的艺术追求却很相似，都是在同一艺术系统里向着相似的方向探索，在这种形式上自由的运用超越了现实的空间，更加表达了艺术家们所要阐述的意境。

二、西方素描的视觉审美

西方素描视觉审美的雏形，是从乔托时期开始的，断断续续地朝着线性透视、空气透视及色彩透视方面的方向使用发展，到十九世纪后期法国的印象主义艺术，把传统的西方素描的视觉审美发展到顶点。画中追求客观的再现，提倡画家要到野外对景写生，尊重和强调光与色的客观变化规律。同时在这一时期，受日本浮世绘及中国书法等东方艺术对西方绘画的影响，孕育和产生了追求主观表现的现代艺术的萌芽，这种局面的形成原因应归之于东西文化的交融，西方素描的视觉审美观已开始逐渐缩短，并朝着融和的方向努力发展。就素描的艺术创作与对客观物象关系而论，西方素描受传统哲学思想的深刻影响，在视觉审美上注重具有光影层次、透视、凹凸、色彩变换的高度写实形象，追求造型的准确、质感、光感、体感。虽然从印象画派以后，西方素描开始重视表现性，注重主观情感作用，但是从根本上来讲，西方素描仍然属于一种再现自然的艺术创作观念，在视觉审美上更多的是一种科学的艺术，得益于自然科学，如物理光学、透视学、人体解剖学、色彩学等科学研究。特别是在“摹仿论”、“反映论”、“现实主义”的深刻影响下，这一规律更是得以共识。从绘画形式上看，西方素描的形式特征包括了空间和物象的简化、大量空白的运用、前后空间的渗透和物象内外空间的相互开放、平面性与深度空间的结合、素描秩序感的运用等等，其传达了一种静观审美的态度，这恰好反映了外在形式和内在精神相统一的观念，这种氛围暗示出静观的意境便是一种哲理性的审美意识与感悟。

三、结语

在素描绘画中，艺术家们始终把西方素描作为一门独立的艺术来看待，也正是这样，对西方素描发展历程的审视与思考，即可从康定斯基、塞尚到xxx等艺术家那里开始寻求素描艺术语言的拓展和创新，从梵?高充满表现主义激情的线条到波洛克的绘画杰出典范，便可看出，西方素描的概念和绘画之美已经在实践中为造型艺术带来了伟大的生命力，奠定了科学形体法则的基础。

一、罗马风格时期欧洲教堂的装饰艺术设计

罗马风格欧洲教堂的装饰艺术设计是指12世纪以前欧洲教堂的整体装饰风格。

1.以黑白色调的搭配为主罗马风格时期欧洲教堂的装饰艺术最具代表性的当然就是意大利的教堂，这一时期欧洲正处在罗马帝国的统治时期，因此这一时期的建筑体现了鲜明的古罗马特色。同时，这一时期战乱频繁，古罗马文化对当时文化的影响依然比较明显，xxx依然是最高的宗教统治者。因此这一时期的文化发展并不繁荣，受到战乱和统治者的影响，这一时期的教堂在装饰风格上主要是以黑白色调为主，其目的就是为了体现出罗马教皇的高高在上和主的意志神圣不可侵犯。由于当时战乱，主的仁爱思想受到很大的压制，而这也体现在教堂的装饰风格上。其中具有代表性的就是意大利的比萨大教堂，这座教堂建于1063年，教堂的外部与古罗马时期的建筑风格十分相似，采用的都是乳白色的大理石，在内部上与古希腊神殿的建筑风格也有很多相似的地方，内部有很多乳白色的柱子，既能起到一定的支撑作用，又能起到一定的装饰作用。走进大堂一眼就能看到高高耸立的柱子，以及两侧黑白条纹装饰图案，中央是一副正襟危坐的圣母装饰画，中间是著名的伽利略吊灯。整个装饰风格显得庄重、简约，又不失肃穆，很好地反映出了当时的欧洲文化。

2.多用精美的雕刻作为装饰众所周知，雕塑是欧洲艺术的杰出代表，在长期的发展历史当中，涌现出了大批优秀的雕塑家，如乌东、吕德、罗丹等，都是欧洲雕塑的杰出代表。雕塑最早可以追溯到古罗马时期，古希腊时期有关希腊神话的雕塑是其优秀的代表，而在古罗马时期，文化的繁荣让雕塑出现了第一个高潮。欧洲最重要的宗教文化当中，当然也不可避免会涉及到雕塑艺术的应用。除了比萨大教堂大量地应用了一些雕塑艺术之外，其它的一些教堂也有很多著名的雕塑艺术作品。圣彼得大教堂建于326-333年，随后虽然经过了重建、修正，但是依然保留了很多带有古罗马风格的雕塑，其中就有雕塑艺术史上的无价之作——xxx雕塑作品《圣殇》，当然作品的风格与罗马时期的雕塑已经有了很大的变化，但是依然能够看到那种传神的风格，这也是整个教堂最重要的装饰作品。当然该教堂还保留了公元3世纪的一些浮雕作品，虽然有的雕塑作品时间已经无从考证了，但是依然能够看到鲜明的罗马时期的艺术风格。

二、哥特风格欧洲教堂的装饰艺术

哥特风格欧洲教堂的装饰艺术指的是12世纪到15世纪哥特文化流行期间，欧洲教堂在内外部的装饰情况。

1.装饰的色调丰富多彩从12世纪开始，欧洲社会逐渐步入了一个相对稳定的发展时期，在这一时期，繁荣的文化开始从希腊、罗马传递到欧洲各地，同时哥特文化开始兴起，这对欧洲教堂的装饰风格产生了重要影响。最明显的一个变化就是在装饰的色调上。从上文的分析中可以明显看出，在12世纪之前，欧洲教堂在装饰中主要使用了黑白相间的色调，虽然在一些绘画当中有别的颜色的使用，但是整体上呈现出黑白相间的特点。而到了哥特文化时期，欧洲教堂的装饰开始变得丰富多彩，最重要的一个变化就是金色的应用，当时教堂装饰中一般都是采用的纯金装，金色代表的是高贵和财富，正是因为金色的应用，让教堂变得金碧辉煌。其中作为梵蒂冈罗马教皇的驻地，圣彼得大教堂在改建以后，随处可见金色的应用，而多彩绚丽的绘画艺术让整个装饰色调显得更加丰富。比如说始建于12世纪末的丹麦奥尔胡斯大教堂，其主祭台上的神像几乎都是金色装饰的，然后用红色、绿色等其它颜色点缀，增强了一种神秘感，显得高高在上，不可侵犯。

2.多彩的绘画艺术大量出现在教堂装饰当中，除了雕塑之外，最重要的装饰作品就是绘画。12世纪到15世纪之间，欧洲的绘画艺术开始从黑暗向黎明迈进。在这一时期，绘画开始大量用于教堂的装饰，并且与雕塑艺术相互融合，主要用于教堂内部墙壁、屋顶的装饰。奥尔胡斯大教堂的边门中就有一个非常典型的带有神秘色彩的绘画，这组绘画虽然以宗教为内容，但是表现的并不是耶稣、圣母等传统的题材，而是一种神魔鬼怪的装饰。其中最著名的就是《西斯庭教堂天顶画》，这是15世纪最著名的画家xxx的作品，位于意大利西斯廷教堂。作品在教堂短廊式的500多平方米的天顶上，以圣经《创世纪》为主线，先后描绘了九个基督教神话场景，包括《神分光暗》《创造日月与动植物》《创造水和大地》《创造亚当》《创造夏娃》《原罪?逐出乐园》《挪亚祭献》《洪水》《挪亚醉酒》，全部作品总面积达到600平方米，天顶画的装饰图案全部绘以建筑结构的样式，这与教堂实际的建筑结构取得谐和，因而当人们仰观整个天顶画时，它更显得庄严华丽。在主题思想上，xxx确定所绘人物的内容时，不拘泥于情节的宗教依据，只着重于表现人的本质力量，蕴含着基督教深刻的精神与历史价值，可以说达到了宗教绘画的一个顶峰，与达芬奇的《最后的晚餐》一起被称为15世纪绘画中的不朽之作和无价之宝。

三、巴洛克风格欧洲教堂的装饰艺术

巴洛克风格起源于16世纪，从17世纪开始流行于欧洲，这种艺术风格继承了文艺复兴时期的一些艺术风格，如错觉的再现传统等，但是却追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界，可以说是一种艺术的“浮夸”效果。

1.复杂而宏大的装饰应该说在罗马风格时期和哥特风格时期，欧洲教堂在内部装饰上是越来越复杂的，虽然说在哥特风格时期，装饰风格比较富丽堂皇，但这只是在一些局部地方的处理上，实际上在教堂内的大部分还是以单色调为主，当然圣彼得大教堂虽然有精美的壁画和大量的雕塑，但是整体上很协调，并没有复杂繁琐之感。但是到了巴洛克时期，不仅壁画的装饰范围越来越大，而且整个雕塑变得更加复杂，甚至出现了层雕等艺术手法，借助于建筑商的宏伟烘托出一个更加磅礴的宗教气势。如在意大利圣卡罗教堂的装饰当中，就使用了大量的几何图案，在装饰上讲究的是对称性，教堂的顶部是半圆形设计，在窗户的作用下，映照的是一层层的装饰画，可以看得到这些绘画当中有的描写的是圣经当中的场景，有的纯粹就是几何的装饰图形，与绘画交织在一起，烘托出整个教堂的宏伟