简谈冷军油画作品的艺术特点论文

　　冷军是*超写实**油画的**人物。但他的超写实并非传统意义上的超写实，如果将它的作品归属到传统写实**或者超写实**未免武断。那么，冷军的油画究竟有什么特点呢？快跟小编来一起看看吧！

　　简谈冷军油画作品的艺术特点论文

　　冷军的作品不仅使用直接画法，保留了作品的绘画性，并且加入了现代的新思想。从他的作品中，我们不仅能看到画面精致的质感、真实的色彩，还能从他的作品中读出大家都能懂的情感。冷军评价自己的作品道:“我的作品很通俗……我的话没有那么深奥，但很丰富，内容很多。冷军作品从题材内容、技法表现、思想情感上都给观者带来强烈的精神和视觉冲击。无论是他的《世界风景》油画系列，还是锈迹斑斑的复印机技术，都在向人们毫无争议地展示着这种“肉眼的真实”是任何机器都没办法做到的。

　　冷军的作品可以分为三个阶段，第一阶段是上世纪上半期，**作品有《网—关于网的设计》《文物—新产品设计》《世纪风景》系列以及《五角星》系列等。第二阶段是20世纪90年代末，**作品有《突变—有刺的汤》《锯子》《强保》。第三阶段重新回到绘画本来之中，**作有《肖像之相》系列，以及近几年的竹子题材的作品。

　　一、冷军的超写实油画风格的形成

　　冷军的超写实风格是自然而然形成的客观、真实，他说自己形成这样的风格靠的是“感觉”。从小就酷爱画画的冷军在绘画方面有特别的天赋。幼时乐于海报、宣传画的临摹，经常是先记下海报、宣传画上的图，再默画;回忆不起的时候再跑去看，如此重复。长期的临摹使他对物的形象记忆能力越来越强。幼时没有系统学习过绘画理论，只是依照海报、画册等临摹，或许是冷军绘画风格不拘一格的原因。

　　还在学院学习时期，冷军就对写实描绘、细致刻画、生动表现非常热衷，着迷于静物本身的残缺和痕迹，并在画面上生动表现。他认为绘画的乐趣就在于不断深入细节。虽然之后有过改弦易辙，偏向抽象和表现**，但最终仍回归到写实，并且越走越深、越来越细致、越来越充实。

　　二、技法—冷军油画中的真实与细腻

　　在百花齐放、百家**的艺术形式和艺术理念中，冷军选择了实物写生这一方式。他用各种办法按自己的想法将实物拼接起来，大量使用焊烧、拼接、复印，将生活中的各种物品组装成自己内心向往的样子，然后将这些生动的形象“转移”到画布上，最终将作品由实物的真实上升到艺术的真实。他曾受到照相写实**的影响，但是不久便不满足于那些毫无生气的单纯的复制品，转而寻找艺术上真实并且细腻的道路。

　　1.技法中的复制性

　　冷军第一阶段的作品《五角星》，其材料来自废旧的弹壳。炮弹隐含着战争、残酷的喻义，但是经过冷军的焊烧、切割，成为**正义的五角星。在创作手法上，先用暗色的灰调的油画颜料在玻璃板上厚画一个五角星形，将这个造型清楚地复印出许多轮廓来，然后将轮廓不断地变形。这复印的过程，己经不再是对画面意义的关注，焦点更加对准的是视觉上的效果。

　　2.技法中的装置性

　　对于第二阶段，评论家彭德称其为“异型绘画”。1998年秋季，在绘画创作之余，冷军开始将布条、手术刀和奶嘴组合在一起。通过复印机技术，形成一幅黑白色的图，用丙烯的黑色强化图的暗部、黑色部分，然后刮出亮部和高光，强化其效果。

　　3.技法中的细腻性

　　第三阶段，冷军依旧保持着一贯的严肃、真实、细腻的风格。最直观地体现该阶段艺术水*的是2012年10月27号在**举办的“限制·**”画展。这次展览展出了他的63件作品，其中包括他从2004年以来创作的人物肖像系列《小唐》《小姜》等。

　　三、情感—冷军油画中的理性与感性

　　冷军的油画不只是真实地再现事物原本的样子，其独特的构思和高超的艺术技巧使作品反映出他对社会的态度和观念。他的三阶段作品也可以这样形容:

　　1.绘画中的愤青情结

　　冷军第一阶段的作品有着一种无可劝说的冲动，属于图说式的表达，作品篇幅较大。他形容自己这一阶段的作品:与现实相抵触叛逆，反应比较强烈也比较简单而直观。例如《世纪风景》系列，利用油画的形式反思工业文明给社会带来的影响，促使人们重新思考工业社会中工业发展与环境变化的关系、人与机器的关系、人与人的关系《世纪风景》系列三将铜板、铁块、钢筋、水泥等一群工业元素置于一起，包围着稚嫩弱小的玩具。通过不同材质、不同用途的东西纠结在一起的不**、相抵抗，表达出工业文明带给我们的灾难—人类终将自掘坟墓。

　　2.绘画中的含蓄性

　　冷军第二阶段的作品变得含蓄、温和了很多，直观体现在作品的篇幅变小，图解也不那么直观，有了很多隐涩的东西，表现了在工业文明发展的'社会里人性的扭曲和精神的躁动，让观众能读得出是什么内容却不能明确地表达出来。例如《突变—有刺的汤匙》，题材的制作过程虽然与《五角星》类似，但将汤匙这个我们熟悉并且和我们的生活紧密相连的生活用具变异，却在提醒着我们人与物的关系在工业**发展的当下变异。

　　3.绘画语言对本体的回归

　　第三个时期可以分为两个部分:第一部分是纯粹的个人绘画观念的变化，第二部分是重新回归到当今社会传统的意义。工业文明使人们的生活环境受到了极大的威肋、:空气质量变差，生活垃圾无处安置，工业废物太多，生活必需品质量变差……各种各样的恐慌使人类面临越来越多的问题。人们渴望人文的关怀，重新感受文艺复兴的以人为本的时代。

　　从第三时期开始，冷军的油画作品就出现了大量“美”的东西—美的人，美的事物。冷军作品中*稳细腻的用笔和画中人物传达出来的神情体态，给人一种宁静*淡的感觉。在《蒙娜丽莎—关于微笑的设计》中，他运用到了家喻户晓的“蒙娜丽莎”这样一个主题，运用“蒙娜丽莎”的经典神情和造型，塑造出一个东方女性的端庄典雅的微笑。他想借助这样一个形象使艺术再次回归到人文**的精神上来。

　　四、结语

　　印度哲学家克里斯提那曾经说过:“一个人只有全身地特爱自己的工作，才能调动全部的潜能—包括时间、经历与智慧去提高自己。”冷军常常为了创作出一幅超写实油画作品，从创意到构图再到绘画完成常常要几个月甚至数年，他的那种对超写实技法的一如既往的精神，对画面精致、细腻的追求精神也是我们应该不断追求的。

　　【拓展阅读】

　　一、冷军的人物介绍

　　冷军，出生于四川，毕业于武汉师范学院汉口分院艺术系，是*当代超写实**油画画家，湖北省第八届文联副*。现任武汉画院副院长，*国家画院油画院研究员，国家一级美术师，*美术家协会会员。

　　冷军是*当代超写实**油画的领**物，其独到的构思结合非凡的艺术技巧在画坛独树一帜。其作品的最大特点就是极端写实，画面丝毫毕现，形象精致入微。其作品多次参加**外大展，数次获全国美展大奖，声名海内外，是**非常有影响的青年美术家。

　　二、冷军的创作特点

　　冷军的作品可以让观赏者感受到一种惊心动魄的力量。透过层层油彩，冷军带给观赏者的是沉默、冷峻和深刻———“干惟画肉不画骨，忍使骅骝气凋丧”，杜甫曾在诗句中写出，好的作品要有风骨，要“有神”。而冷军用普通的画笔，把颜料和思想混合，在画布上**恣肆地展示出他对绘画的理解。在他手下，画笔有灵魂，作品有风骨。

　　在架上油画遭到****，写实**备受冷遇的当代画坛，冷军却以其超级写实**风格，在*画坛独树一帜，是*当代超写实**油画的领**物。所有的观者都会对他纤毫毕现、精细入微的画面叹为观止。

　　用手画与用脑画

　　由于种种原因，冷军少年时，很长时间也是在大脑里绘画。冷军不像其他孩子从小就开始专门学习画画，他小时候没有经过正规的绘画训练。他最深的记忆是，由于喜欢画画，上小学时邻居为他找了个老师。这名老师给了他一些画册让他临摹。“现在想起来，那时候的临摹让观赏者受益匪浅，基本功也是在那时得到了锻炼”，冷军说，写生、静物这些绘画的“必修课”没有上，或许这也是以后绘画不拘一格的原因。

　　家住新华电影院附近，他就向电影海报学习。因为胆子小不敢当众画，他看几眼记在心里，然后跑回家画出来，再看几眼，回家继续画。为了摹写美术厂的一幅国画老虎，他每周步行去一次，看了就拼命记在心里，回家再画。觉得画的不像了再去看。回忆起少年时代，冷军有一种感觉，自己画的不是很多，但脑子里总是想着如何画，因此画出来的东西，每张都有进步。

　　让作品“说话”

　　冷军的油画作品，以其独到的构思结合非凡的艺术技巧在画坛独树一帜。他用作品强烈表达着他作为一个人，对这个世界的态度和看法。1993年到1996年，他创作了大量的带有主题性和价值倾向的画作。韩国一座百货大楼倒塌后，冷军有感而作《世纪风景之三》。在画中，稚弱的儿童玩具被一片工业瓦砾包围，表现了人在工业社会的弱小和无助。用注射器、手术刀、旧床单等，在病床上拼出世界地图的模样，这是《世纪风景之四》的内容。冷军想说的是，文明世界逐渐被艾滋病等送**病榻。冷军作画不单靠画笔。他在作画之前，要首先制作实物。报废的发动机、大块的水泥、电焊枪、老虎钳，这些甚至比画笔还要重要。这在传统绘画手法中无从寻找。冷军笑谈，不择**是自己技术的法宝，凡是适合表现的，都可以为我所用。

　　不能复制的追求

　　2001年，冷军个人画展在深圳美术馆展出时，受到一位身为美术老师观众的投诉：“画家把画拍成照片开展览，画展成了摄影展，作为观赏者感觉受了欺骗！”听说此事，冷军哈哈大笑：“做艺术是件很**的事，他们有说的**，我有做的**。”原来，这是他采用复印技术发明的一种另类艺术，评论家彭德称之为“异型绘画”。冷军在作画前先把实物用焊枪等进行加工，然后用复印机复印出来，再对着实物近距离写生，看上去比黑白照片要更有精神上的张力，并融行为、设计、精神内涵于一体。他创造性地将复印机引入绘画，被业内人士评价为“具有开创性，具有艺术史上的断代价值”。采用复印技术的冷军，在艺术追求上没有复制过去。从最初的《大柿子》等静物写生，到《五角星》等超写实**作品，最后到《锯子》等复印画，他在不断寻找新的台阶。1993年他的作品《文物——新产品设计》问世后，就有人断言，这是冷军的**作。1995年，冷军创作了《世纪风景之二》后，又有人说冷军已经到了颠峰。而1999年，他的作品《五角星》荣获了第九届全国美展金奖。科学求真，艺术求美，冷军向往内在的宁静，他始终坚信的是：只有走的正，才能一步步靠近艺术殿堂。

　　冷军的作品以其独到的构思结合非凡的艺术技巧在当今*画坛独树一帜，其作品的最大特点就是极端写实。

　　而画面中"图式"的运用也有其独到的见解。他在文章《自圆其说》中有这样一段文字："对于图式中'简化'原则的使用则有意回避了古典写实绘画因炫耀技巧而大量堆砌物象的矫饰**手法。使用'减少'了内容的画面因单纯而更显强烈，并且'极少'的方法所传达出的古典至善的理念更能有效的表现出对事物'存在'的虔诚意向和古典**中'至尊至上'的美学理想，不仅如此，因'减少'还剔除了大量与美学无关的内容，使画面更加纯洁，更加神圣。

　　油画空间感很强

　　《蒙娜丽莎-关于微笑的设计》

　　冷军的素描作品《蒙娜丽莎-关于微笑的设计》（石版素描）此件作品将达·芬奇著名的《蒙娜丽莎》解构、重组、赋予其全新的意义，用其精湛的写实技巧描绘出一位身着毛衣、抱胸微笑的东方女子，她的每一根发丝、衣服毛线上的每一个交叉都得到精心的刻画。

　　*艺术品网2006年11月19日报道：2006上海艺博会上*武汉画院展出的冷军一幅《蒙娜丽莎－关于微笑设计》石板画作品，其笔下的物象钉是钉铆是铆，纤毫毕现，精致入微，其视觉的“真实感”比照相毫不逊色，衣服的肌理质感刻画得栩栩如生，深深吸引了人们的眼球。

　　*写实油画发展的黄金时期是上个世纪七八十年代，当时涌现了一大批优秀的写实油画作品，[13]如罗中立的《父亲》、陈丹青的《*组画》、何多苓的《春风已经苏醒》等作品成为那个时期的标志。后来陈逸飞、艾轩、杨飞云、王沂东等人共同成立了“*写实画派”，这标志着*写实油画以群体的实力形式亮相给世界和*绘画界。艾轩说：“*现在最高水准的写实**绘画绝对走在世界的最前列……很多**人到*来对*的写实**绘画都惊讶不已，他们想像不出在古老的东方会有人把**的艺术推向极致。”

　　油画《小唐》

　　看了冷军许多超写实**的绘画作品之后，观赏者身边画画的朋友多次和观赏者说过，冷军的写实作品要比杨飞云，陈丹青，艾轩，何多苓的作品还细腻。而且，观赏者也体会到了，他的作品已经达到了“细而不腻，逼真而又非真”的地步。甚至*行了欧洲古典大师级的绘画水*。这幅画真有“宛如活生生的真人一般，她似乎就要在观赏者眼前改变姿势。每次回头再去看她时，都有那么一点点不同……”这也是优秀的艺术作品应该具有的效果。直到欣赏到《肖像之相——小唐》，能感觉到他的超写实绘画达到了一个新的、理想的高度。

　　站在这幅作品前，能感觉到一种惊心动魄的力量。它牵扯着人、让人无法呼吸。此时，艺术与观者的互动交流达到了完美的境地。透过层层油彩，带给观赏者的是沉默、冷峻和深刻的思考。《小唐》这幅画，同样也是冷军对现实作出的反应。他说：“在满世界都是那些怪异的、暴力的、**的画面充斥的今天，人们很少能真正看到一些优雅、健康、深刻而审美的好作品，观赏者现在有一种强烈的愿望，想画些可读、可看的，具有传统审美价值的作品。”

　　《肖像之相——小唐》的人物，是清纯甜美无邪的，像**教堂里的童女那样纯洁，她的形象和当下物欲横流的社会似乎有着鲜明的对比。少女那纯朴甜美迷人的形象，就像生活中的邻家少女一样。她的肌肤发着光泽，却又湿润。眼睛是那样的水灵晶莹，以极细致的线条勾勒出来的秀发黢黑而浓密，衬托出纯真、甜美、细腻的粉红色脸庞。嘴唇上自然的红色与脸部肤色十分地**，就跟真的皮肤一样，已经完全看不出绘画**的痕迹，似乎是高精度的放大照片，但又是实实在在用手工用颜料绘制出来的，真正达到了“细腻而不腻，逼真而非真”的大师水准。

简谈冷军油画作品的艺术特点论文扩展阅读

简谈冷军油画作品的艺术特点论文（扩展1）

——谈谈莫扎特声乐艺术作品研究论文

谈谈莫扎特声乐艺术作品研究论文

　　在学习和工作的日常里，大家总免不了要接触或使用论文吧，论文是描述学术研究成果进行学术交流的一种工具。为了让您在写论文时更加简单方便，以下是小编帮大家整理的谈谈莫扎特声乐艺术作品研究论文，供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。

　　《紫罗兰》中表现了诗情画意的情感这首作品是莫扎特在1785年6月8日创作的，其中充满了浪漫**气息，成为了当时艺术歌曲题材中的典范，为后来的的舒伯特、勃拉姆等人的音乐艺术创作奠定了德奥艺术歌曲的基础。

　　【摘要】莫扎特是十八世纪欧洲古典音乐的大师，在他的一生中创作了三十六首艺术类的歌曲，并在其音乐中融和了德奥艺术歌曲风格和浪漫**情结。赋予了音乐更多超凡脱俗的感染力和生命力，是首个开创德奥歌曲创作的作曲家。本文通过对莫扎特的声乐艺术作品的分析研究莫扎特音乐中“声”和“情”的融合。

　　【关键词】莫扎特;声乐艺术作品;“声”与“情”;融合

　　莫扎特的作品在众多的音乐大家中并不算多，但是这些作品的风格多种多样，旋律普遍比较优美，且具有严谨的结构，其中很多经典歌曲在艺术歌曲历史的长河中有着极其重要的艺术地位和价值。在这些作品中有着独特鲜明的音乐形象和简单质朴的音乐语汇，创作手法十分的细腻。在音乐中实现了对感情的融合。摸扎特的作品在不同的作品中利用音符和节奏的变化表现了音乐的不同情感，下面笔者就不同音乐风格中蕴含的情感进行详细的分析。

　　一、温和的情感情感和意大利音乐艺术的融合

　　在莫扎特《亲切的*静》中主要通过意大利文写成具有可可风格的精致、典雅的特征，歌词只有四句，内容主要主要表达了对人内心的和*和爱的赞美。在作品中莫扎特将其进行多次反复，其中的情感十分真挚，使人充分感受到**之美，同时具有均衡的美感。借助小广板的速度，整部作品的旋律十分流畅、优美，情感十分真挚，给人一种对**、光明和美好生活印象。这首歌由于自身古典和气派和优雅从容的风格，经常被女性歌者所喜爱，在音乐会上经常会选择这首曲子。

　　二、音乐中的咏叹

　　在摸扎特的《见异思迁的鸟》和《我走进树林》，是其在22岁时为当时的歌唱家奥古斯塔创作创作的，此时他正在Manheim逗留，以上两首音乐均有着当时十分流行的巴黎咏叹调风味。前者主要是通谱歌，歌曲中的旋律和织体比较简单，像宣述调，钢琴在伴奏中大量运用倚音，音乐风格十分活泼优雅。后面一首《我走进树林》中充满了戏剧性，音乐的节奏变化十分快，这个歌曲在莫扎特的创作中特别像充满着悲剧色彩的咏叹调。

　　最需要提的是莫扎特的《当露易泽焚烧她的负心情人的情书时》，虽然有着很长的歌名，但它在莫扎特所创作的歌曲中是特别的。该曲是莫扎特在1787年于维也纳创作的，整部曲子是在短短的二十个小结中完成的，其中充分展示了戏剧性和悲剧气氛，乐曲讲述的是一位露易泽的女孩烧毁了她不忠的爱人寄来所有信件的故事。歌声**泄女孩内心的痛苦，有时也会有优美的咏叹。在钢琴的伴奏中感情表达十分丰富，音乐形式变化多种多样，感情强而有力，充分表现主人公内心情绪的起伏。在激荡的音乐中我们仿佛可以看到逐渐化为灰烬的信件和熊熊燃烧的火焰。这首曲子展示了莫扎特的抒情和戏剧才华，作曲家本身不幸人生好像就浓缩在了着短短的一首歌曲中一样。

　　三、音乐中的诗情画意

　　《紫罗兰》中表现了诗情画意的情感这首作品是莫扎特在1785年6月8日创作的，其中充满了浪漫**气息，在那个时代被认为是诗和音乐的完美融合。很多音乐学者都认为这首歌在德国的歌曲艺术发展史上有着不可忽视的地位。这首歌中钢琴伴奏是音乐史上，首次脱离了歌唱的旋律，保持了**性角色，似乎是作家在缓缓的叙述着心声。这首曲子主要来自《爱尔文和艾尔米蕾》诗篇，其中主要利用拟人化的手法表达作者所向往的谦仰和纯真的爱情。莫扎特在创作中并没有进行传统的分节歌处理方式，而是逐段写成了一首含蓄并优雅的通谱歌，在描述中蕴含着深情，描述了对紫罗兰的美好向往，并哀叹其不幸的遭遇。整部音乐像是在哭泣一般，形象逼真，成为了当时艺术歌曲题材中的典范，为后来的的舒伯特、勃拉姆等人的音乐艺术创作奠定了德奥艺术歌曲的基础。

　　四、天真的童趣和音乐

　　1791年莫扎特在即将辞世前创作了三首充满童趣、天真优美的儿歌《初春》、《渴望春天》和《游戏》，有的人猜测这是莫扎特专门为自己的孩子所作的。歌曲中都使用了分节歌形式，结构简短，旋律和节奏很质朴，但是音乐的语言听起来十分美好生动、优美，充满了天真和童趣。明快欢乐的歌曲，令人难以想象此时的莫扎特正处于贫病交加、生活悲惨的处境。他特曾经说过：即便是我的舌头已经品尝到了**的味道，但是我仍旧会保持着乐观的创作心态。事实也正是如此，在他的三篇创作中为人们展示的是一个纯净、光明、充满乐观**精神的世界，使得人们对生活充满了信息和希望。

　　五、音乐中的风趣幽默

　　在莫扎特的作品中还利用音乐表达了风趣幽默的情感，例如《警告》和《老妇人》。这些不仅是为男低音写的交响乐伴奏，同时也是未完成的喜剧歌剧的插曲。其中将糖果比作少女，警告天下的父亲要像珍藏糖果一样将自己的女儿保护起来。音乐内容显示十分幽默。映射了当时社会风尚的败坏，在音型中具有鲜明的的民间特色，朴实自然，*易流畅，显示了莫扎特风趣幽默的一面。在《老妇人》作品中，描写的是一位妇人对年轻人进行了品评，在表情一栏中莫扎特特别标注了要“带有一定的鼻音”，这对歌者提出了不同寻常的要求。凸显了作家细致的观察力和对人物的特点的准确把握。在声乐旋律中使用了一字一音和局部的颤音，形象的的模仿了老妇人说话的特征，具有鲜明的形象特征。

　　六、小结

　　本文在结合莫扎特具体作品的基础上介绍了不同音乐中的利用的音来表现的情，两者之间实现了很好的融合，达到了良好的音乐效果，创造了莫扎特独特的艺术品位和魅力。

　　参考文献

　　[1]王玮涵.莫扎特艺术歌曲风格特征及声乐语言探微——以作品《亲切的*静》为例[J].金田,2014,04期(04).

　　[2]张天慧,李巧伟.莫扎特艺术歌曲在声乐教学中的重要价值[J].人间,2015,(13):100-100.

　　[3]李翔.莫扎特歌剧、艺术作品用于声乐教学之探究——以《鞭打我吧》《阿里路亚》为例[J].大家,2011,(02):7-9.

　　拓展：莫扎特钢琴作品的风格

　　莫扎特的钢琴音乐以优美、流畅、明朗、乐观为主要特征。莫扎特创造性继承、发展了阿尔贝梯低音写作手法,增强了低音的旋律性,既吸取了法国库泊兰古钢琴音乐中装饰音的曲雅趣味,又**地改变了装饰音的形式,使装饰音不再仅仅装饰作用使之为旋律的组成部分。这种新的钢琴语汇创造,不仅形成了莫扎特钢琴音乐所特有的纤巧、优雅的风格,而且对19世纪波兰钢琴家肖邦也有很大影响。

　　沃尔夫冈·阿玛德乌斯·莫扎特(1756~1791),奥地利作曲家,是维也纳古典乐派第2位大师。莫扎特的钢琴音乐是他创作中重要领域,主要钢琴作品,有20多部钢琴协奏曲,钢琴奏鸣曲20首,还有变奏曲、回旋曲和幻想曲等。

　　莫扎特的钢琴音乐以优美、流畅、明朗、乐观为主要特征。莫扎特在歌剧中表现的非凡旋律天才,也充分显示在钢琴音乐中,如钢琴乐曲中不仅慢板主题气息、宽广、悠扬、婉转,恰似歌剧中的咏叹调,甚至那些轻捷绮丽的华彩经过句,也都是发自心底的歌唱。莫扎特钢琴演奏风格,以典雅,精致,纤巧,细腻而着称于世。莫扎特创造性继承、发展了阿尔贝梯低音写作手法,增强了低音的旋律性,既吸取了法国库泊兰古钢琴音乐中装饰音的曲雅趣味,又**地改变了装饰音的形式,使装饰音不再仅仅装饰作用使之为旋律的组成部分。这种新的钢琴语汇创造,不仅形成了莫扎特钢琴音乐所特有的纤巧、优雅的风格,而且对19世纪波兰钢琴家肖邦也有很大影响。

　　《第十一钢琴奏鸣化曲》创作于1778年。1772年莫扎特结束旅行演出后,回到家乡萨尔斯堡任当地大主教宫廷乐长,为了摆脱大主教专横、粗暴、野蛮的**,希望到别的宫廷谋求职位,于1778年随母亲再度赴巴黎旅行演奏,可是这位当年红极一时的“神童”,如今在巴黎上层社会却受到冷遇,谋求职位落空了,母亲在巴黎又去世了,尽管遭到这种种不幸,但他仍写下了5首优秀巴黎钢琴奏鸣曲,这些乐曲情感内容深刻,大都乐观、明朗,带有一种启蒙时期特有的自信和乐观,然而乐曲中却不时流露出悲哀的阴影笼罩着。这5首钢琴奏鸣曲也标志着莫扎特钢琴奏鸣曲创作的完全成熟。

　　《A大调 钢琴奏鸣曲》就是其中最典型的一首乐曲,而上述莫扎特钢琴音乐创作手法及其特征,也充分体现在这首奏鸣曲中。《第十一钢琴奏鸣曲》,第一乐章,是由“主题和6个变奏曲目组成的变奏套曲”。

　　主题:带有再现二部曲式主题的体裁风格,近似意大利西西里舞曲民谣特性,旋律朴实,明朗富有歌唱性。在性格更为内在而抒情,音乐的安详情绪接近了莫扎特的精神,而表现出温暖情感的深度是空前的。主题优美的行板,6/8节拍,A大调,附点的节奏,音乐时值基本上一拍一音,旋律有意简化,同音反复也为后面变奏留有余地。在主题的4个乐句中,前半段为8小节,后半段为10小节:每句前半旋律流畅抒情,每句后半音响加厚是和弦式陈述。

　　而每乐句开始都以西西里舞曲特性节奏开始。主题的呈示部分与再现部分是歌唱性,中间部分主要是舞蹈性。整个主题是歌唱性与舞蹈性相互渗透各有侧重。从总的来看“莫扎特的钢琴奏鸣曲,不能同贝多芬32首钢琴奏鸣曲抗衡,尤其不能同悲枪,月光,热情比肩。但是在今天世界成千上万架钢琴,莫扎特和贝多芬的钢琴奏鸣曲乐谱,永远是放在一起的,肯定还要继续到下个世纪,只要人还是人,保有基本的人性……”莫扎特和贝多芬的曲子总是互补的,就像大阳和月亮、树林和飞鸟、天空和大海、永远是互补的那样。在我们这个星球上,哪里摆着钢琴,哪里就一定有两位作家的钢琴奏鸣曲乐谱放在琴上,这叫做不朽。

　　演奏他的作品必须把握既含蓄、典雅,又玲珑剔透的音乐风格。具体地说,应当注意以下几点。

　　1.旋律性极强。

　　莫扎特的作品主旋律往往是简单而极富歌唱性的。弹奏时,应清晰突出,不能草草了事,每一个音符都必须弹得透而不燥,实而不硬,富有一定的韵味。

　　2.要弹出晶莹透亮的音乐。

　　在指触上要以non Legato为主,用指尖触键,快速而不生硬,奏出均匀清晰的音粒。

　　3.注重乐句的处理,强弱的对比。莫扎特的作品很少有大起大落的强弱对比,却差不多每一句都有渐强渐弱的曲线。其作品中很少出现f -PPP的强烈变化,但乐句与乐句之间却经常出现前后照应,强弱对比。有如对话一般,一问一答,错落有致。有时,短短的两个乐句,要弹好都并不容易。

　　首先,每个乐句本身必须要有渐强渐弱的曲线。其次,句与句之间,必须形成强弱对比。如第一乐句可以演奏得稍微弱一点儿,像是在提出间题。

　　第二乐句,可以演奏得较第一乐句稍强,以达到回答问题的效果。当然,还有其它的处理方法,但都必须有所变化,形成前后力度和强弱的对比。

　　4.重视谱面上的所有标记。

　　弹奏莫扎特的作品不允许演奏者有太多的**处理,而应较严格的按照谱面上的所有标记及提示进行演奏。如跳音、连音、休止等。这样,才能较准确的表达作者的意图。

　　5.正确地使用右踏板。

　　一直以来,弹奏莫扎特的作品是否应该使用右踏板,始终有着争议。我认为应当使用,但要少而精炼,决不能因为使用了右踏板而使织体清晰度,句法和奏法变得含糊不清。应尽量让人察觉不到,只是为了音色使一个难以应付的连奏变得更为容易而短时间地使用。恩格尔曾写过“哲学和美学文献中的莫扎特”,里面大量列举了欧洲哲学家和文学家,是怎样崇拜莫扎特的,其中说:“两百年过去了,作为欧洲精神的一个重要组成部分,莫扎特音乐不仅活着,而且还成为欧洲时代最强音之一。

　　谁能想象要是没有了莫扎特音乐,欧洲精神会成什么样子呢?世界难免会觉得单调和寂寞。”正如德国作家司汤达所说:“被莫扎特音乐迷住的人,将无法从其他音乐家的作品中得到满足。”

　　总之,要演奏和欣赏莫扎特的作品,须在正确理解,恰当地把握之后,才能使它们的美充分显现出来。莫扎特是个天生的音乐家,他所创作出来的音乐是来自天堂的音乐。物质生活的痛苦,全然不能影响其精神。尽管生活极端悲惨,他的作品却全无半点阴暗的气味。都像阳春一般流露着温暖的光,充满了生命力。如果说贝多芬是通过音乐表现其复杂的精神生活,是人生的艺术的话,那么莫扎特则是音乐通过了莫扎特表现其美是艺术的艺术。

　　莫扎特简介

　　莫扎特全名沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特，1756年1月27日出生在奥地利萨尔斯堡的一个宫廷乐师之家，1791年12月5日卒于维也纳，终年36岁。莫扎特从小就显露出极高的音乐天赋，他4岁跟随父亲学习钢琴，5岁开始作曲，6岁时和姐姐在父亲的带领下到慕尼黑、维也纳、巴黎、米兰、普雷斯堡等很多地方作了一次试验性的巡回演出，这次演出让莫扎特名声大噪，甚至被请进维也纳的`皇宫，为**做表演。这位音乐神童有着惊人的的创作速度，和辉煌的艺术成就，称他是天才一点也不为过。在短暂的生命历程中，他创作了二十多部歌剧，四十多首交响曲，五十余首协奏曲，二十七首弦乐四重奏等等，共计六百二十二首作品。莫扎特的音乐节奏清晰明快，旋律悦耳动听，很多伟人和科学家终生都非常喜爱他的音乐。歌剧是莫扎特创作的主流，他与格鲁克、瓦格纳和威尔第一起被称作是欧洲歌剧史上四大巨子。莫扎特的歌剧作品具有强烈的民族性、时代性和社会性。

　　拓展：声乐艺术演唱风格

　　声乐艺术是音乐艺术的一种表现形式，它是世界各族人民经过时间的积淀、历史的洗礼，在实践中发展而来的，是人类文明艺术创造的结晶。它就像一颗璀璨的明珠，永远屹立于世界文化之林，为人类文明的发展作出了跨越性的贡献。

　　一、声乐艺术演唱风格概述

　　声乐艺术，简单来说就是人们通过科学的练习方法，获得美妙的声音运用技巧，并且能够巧妙地运用歌声来表达音乐艺术作品中传递的思想感情。演唱风格描述的是音乐作品体现的主要的思想特点和艺术特征。从音乐创作的视角来看，风格指的是艺术作品中体现出来的独特性。关于声乐艺术演唱风格的分类，社会上比较普遍的分法是：通俗唱法、美声唱法、民族唱法。

　　二、声乐艺术演唱风格的特征

　　（一）通俗唱法的特征

　　通俗唱法是当今世界艺术发展的潮流，也是音乐艺术发展的产物。它不仅体现了声乐的流派、艺术发展状态，也反映了人民的生活环境和社会现象。它简洁易懂、方便学习、便于表演的娱乐方式，深受大众的喜爱。它的传播速度快、演奏氛围轻松**、演奏方式广泛以及较为直接地表达创作者的情感等特点，使得它迅速拥有了一大批忠实的青睐者。

　　（二）美声唱法的特征

　　美声唱法即美妙地歌唱。在一个多世纪前，这种起源于17世纪意大利的演唱风格传入*。它旋律优美、音色嘹亮、发音自如，极大地推进了*音乐艺术的步伐。

　　（三）民族唱法的特征

　　民族唱法由我国民歌发展而来，是一种极具民族烙印和群众基础的*传统演唱形式。它是*人民在大自然中辛勤劳作的时候创作出来的，具有深厚的群众基础，体现了**民族的精神所在。它广阔、雄壮、细腻、深邃的特点，展现了**民族音乐艺术的精、气、神。

　　三、对声乐艺术演唱风格的思考

　　（一）对待这三种声乐艺术演唱风格的态度

　　对于这三种声乐艺术演唱风格，我们不能凭主观臆测去评价它们的好坏与否。造诣高深的通俗作品，在唱法上也具有较高的科学性和艺术性，它们能准确地借用歌曲抒发心中的情感，拥有极高的艺术价值。我们要用批判的眼光、扬弃的精神去看待这三种演唱风格，撷取其的精华，丢弃其糟粕。

　　（二）声乐艺术演唱风格的多元化

　　由于社会的进步，声乐艺术的演唱风格越来越多元化。声乐艺术不会仅仅囿于一种演唱风格，创作者们将会发挥他们无穷无尽的创造力和才华，让声乐艺术演唱风格更加具有艺术的高度。只有三种声乐艺术演唱风格不断地融合、不断地加入新鲜的演唱方式，才能创造出更加美妙、空灵、多元化的声乐艺术。

　　（三）随着时代步伐的加快，声乐艺术演唱风格展现出新的趋势

　　由于时代的发展，区域间、民族间文化艺术交流沟通的机会增多，同一个世界、同一种音符的音乐大同思想，将会成为不可逆转的趋势，我们的思维和眼界将得到极大的开阔，声乐艺术将展现出新的生命力和朝气。如今，无论是美声唱法、民族唱法还是通俗唱法，都是声乐艺术的重要表现形式。但声乐艺术并不能拘泥于唱法，甚至可以忽略唱法，只要是科学地、自然地、优美地、舒畅地表达真实情感，都极有可能成为声乐艺术演唱风格的新趋势。

　　（四）跨界演唱风格独具魅力

　　跨界演唱风格拥有极强的融合性，将上述三种演唱风格以及原生态演唱风格巧妙地结合起来，取其精华去其糟粕，形成独特的演唱风格，极具艺术感染力。值得一提的是，这种风格并不是为了演唱方法而存在，而是强调情感的表达与传递，丰富了声乐艺术的多元化发展，进一步扩大了音乐市场的发展空间，值得读者深究。

　　四、总结

　　总之，任何一种声乐作品、演唱形式，都具有其自身的价值和意义，它们见证了人类文明历史的发展，体现了人类的聪明才智。我们应该怀着包容、尊重、敬仰的态度去看待它们，主动担当起传承历史的责任和使命。

　　拓展：声乐艺术的美学构建

　　一、声乐的审美概述

　　（一）旋律美是音乐作品的灵魂。

　　对歌曲创作而言，也毫不例外。作为音乐与语言结合的综合形式，音乐是其语言体系建构的核心。声乐美的魅力，主要取决于曲作的旋律美。曲调的整体构成，又包括旋律、节奏及和声等。其中，旋律音调是基础，声乐的普及与推广也主要依靠旋律音调的琅琅上口和情感风格的易感明快。音调美首先应该与歌词所提供的情感或情绪特征相适应，或是热情欢快，或是庄严雄伟，或是哀婉伤感，或是悲痛欲绝等等，都要在深入挖掘词意的同时掌握住情感的基调这一总的趋势。

　　（二）歌曲的分类。

　　歌曲有多种形式，从旋律、和声及节奏在歌曲创作中的地位和重要性这一角度也可尝试对歌曲进行划分。譬如传统歌曲旋律特别强调“人声性”，其情感内涵是建立在古典之雅致基础上的；多声部作品就特别讲究和声的编织与协调，具有“原生性”和“学院性”倾向；至于节奏，在非洲等原生住民的音乐中或现代流行音乐创作中占有重要地位。

　　（三）声乐演唱的音质美，是声腔美的造型基础。

　　音质本身既是声音质感的外在标准，也是歌唱发声效果的显现，它是建立在一定的技术与方法基础上的。而对技术与方法的欣赏，也是声乐美的重要原因之一。对高音崇拜，在歌剧上曾经一度泛滥就是很好的注脚。现在的流行音乐的包装或明星效应，在很大的程度上也是建立在歌手独特的声腔基础之上的。这类事例可谓不胜枚举。

　　（四）声乐声腔的字音美，字音美也是声腔美的重要构成。就*声乐艺术而言，依字行腔的声音造型方法，就包含了全部字音美的方法与技术总和。即使是**声乐艺术，对字音美的追求也是一个优秀的歌唱家必须去努力的。以尼科莱盖达为例，“盖达不仅曲目广泛，他的发音准确也是非常引人注目总的说来，优美的嗓音、清晰的发音、无可挑剔的技巧是盖达的特点。”清晰的吐字构成了歌唱家们完美声线的基础，譬如吉利、斯基帕、比约林等盖达崇拜的歌唱家都显示了这方面的优点和长处。字音美是“字正腔圆”整体艺术效果的基础。根据情感表达的需要，掌握与处理字的轻重强弱、高低抑扬、快慢疾徐、顿挫连断等语气、语势，往往也构成歌唱家润腔的依据。

　　二、多元化的歌唱理念

　　理念是行动的先导，对后续的行为起着重要的引领作用。所以要想形成多元化的演唱风格，就必须以多元化的演唱理念作为前提。民族声乐作为我国传统的声乐艺术，在漫长的历史发展过程中，已然形成了一定的审美标准和习惯。演唱者一方面要通过刻苦的训练和丰富的实践达到这个标准和习惯；另一方面则要认识到这个习惯和标准既不是一成不变的，也不是不能突破的。每位演唱者都可以进行个性化的尝试和探索，也只有大胆的创新，才能形成鲜明的个人风格。

　　反之，如果仅是一味的模仿，即便是模仿得再像，也会始终处于别人的阴影之下，没有个人风格，难以给观众留下深刻印象。比如在演唱技术方面，之前的众多演唱者都对美声唱法和民族唱法进行了有机融合，也取得了良好的效果。演唱者则完全可以进行更多唱法的融合，只要是科学的、优秀的，就都可以为我所用。只有树立起一种开放的、探索的演唱观，才能为走出单一化误区、形成多元化演唱风格打下坚实的基础。综上所述，我们从两个方面概括了声乐艺术美的总体构成，表明构成美的因素的具体特征和相互之间的融合关系。我们认为声乐的审美特征，一方面蕴涵在歌唱之中，“声乐性”的多寡强弱是其标尺，声与情是其核心；另一方面是由声乐的客观因素体现的，词与曲的格调韵味起着风向标的作用。

简谈冷军油画作品的艺术特点论文（扩展2）

——谈*钢琴作品的创作特点论文

谈*钢琴作品的创作特点论文

　　无论在学习或是工作中，大家都接触过论文吧，论文对于所有教育工作者，对于人类整体认识的提高有着重要的意义。为了让您在写论文时更加简单方便，下面是小编整理的谈*钢琴作品的创作特点论文，仅供参考，大家一起来看看吧！

　　摘要：

　　几代音乐家创作了大量优秀的*钢琴曲。这些作品具有浓郁的民族风格和高雅的艺术品味，在长期的演奏实践中，显示了持久的艺术生命力，多数作品具有以主调音乐创作为主流，以优秀民歌、古曲、戏曲、器乐曲为素材改编，旋律模仿民族民间乐器音响，以及旋律与和声具有*民族特色的创作特点。

　　关键词：

　　*钢琴曲 民族特色 创作特点

　　*钢琴作品的创作经过几代音乐家的努力，创作了大量优秀的钢琴曲。这些作品以其浓郁的民族风格和高雅的艺术品味在长期的演奏实践中，显示了持久的艺术生命力，其所渲染的艺术氛围，至今人为之倾倒，逐步使钢琴曲这个“舶来”的音乐创作形式被我国各族人民所接受，并在长期的艺术实践中使其更加具有了民族文化精神和艺术价值，笔者在多年钢琴教学中，大量的学习并使用*钢琴曲作为教材，深深的被我国民族音乐的博大精深所折服。为了更深入了解研究*钢琴作品这类创作体裁，本文从*钢琴曲的创作特点作如下论述与探析。

　　一、以主调音乐创作为主流的创作特点

　　主调音乐是多声部音乐的一种，整部作品的进行以其中某一个声部（多数情况下是高音部）的旋律为主，其他的声部以和声或节奏等手法进行陪衬和伴奏。主调音乐的特点是音乐形象明显，感情表达明确，欣赏者比较容易能够融入其中。和声是主调音乐最重要的创作基础。*钢琴作品无论是早期赵元任的《和*进行曲》、萧友梅的《哀悼引》、还是新*成立后作品如王建中的《梅花三弄》、黎英海的《夕阳箫鼓》等作品，都是运用了主调音乐创作手法，采用“民族化”的旋律风格创作的，其主要特点是以五声音阶为骨干的七声音阶旋律和三音列旋律相结合。通过委婉质朴的旋律和流畅多变的节奏，完美地表现了“江山多娇，风景如画”的意境，抒发出作曲家对大自然景色的美好感受和对祖国锦绣河山的眷恋之情，并通过各种音乐因素的对比，使乐曲的音乐变化起伏有致。

　　二、以优秀民歌、古曲、戏曲、器乐曲为素材改编的创作特点

　　作曲家充分挖掘和利用传统民间音乐，繁荣民间音乐文化和民间音乐创作，做到古为今用、借古颂今，不仅丰富和发展了民族音乐文化、传承和弘扬了民族文化精神、给民族音乐赋予新的内涵和精髓，同时也成为凝聚民族力量、激昂民族斗志、鼓舞人民士气、推动历史发展与社会进步的重要精神支撑。相信这也是众多钢琴家和作曲家们将具有传统民间持色的'音乐，作为改编*钢琴作品素材的出发点之一。根据我国传统民间音乐改编的*钢琴曲，或直接移植原曲加以整理、修饰；或截取主题旋律片断加以提炼、发展。不仅在音乐素材的选题上贴近传统音乐，更是在西洋音乐结构的基础上，创造性的运用具有*色彩的编曲方式，使得原作品形象更加饱满，内涵更加丰富，也更易在当今世界文化交流的范围内传播民族精神。

　　改编，作为一种特有的创作形式，在当今*文化发展史上，已成为不可缺少的重要部分。如王建中的《军民大生产》改编自同名歌曲，其歌曲原型是陇东民歌《推炒面》；《山丹丹花开红艳艳》改编自同名合唱曲，其歌曲原型是陕北民歌《当**的哥哥回来了》和《女孩担水》；《翻身道情》根据秧歌剧《减租会》中的一段陕北道情为素材改编；《绣金匾》根据同名歌曲（该歌曲原型为陕北民间小调《绣荷包》填词而成）改编；周广仁的《陕北民歌主题变奏曲》，是根据陕北民歌《三十里铺》改编的叙事性钢琴曲；汪立三于1953年改编根据同名陕北民歌改编的《兰花花》也是一首受到好评的钢琴曲；储望华的《正月新春》则是一曲苍凉、淳朴的信天游，《**区的天》则是一首热烈挥洒的陕北民歌；刘庄的《钢琴变奏曲》取材自山东民歌《沂蒙山小调》；尚德义的《喜丰年》以东北民间小调的旋律骨干音和***的民歌《丢戒指》的曲调为基础创作；崔世光的《山东风俗组曲》之《乡土小调》和《对花》亦同样以山东地方民歌为素材创编；桑桐的《小白菜》改编自同名河北民歌，《刮地风》取材自流行于我国西北一带的汉族传统小调；还有殷承宗等人创作的钢琴协奏曲《黄河》在取材自同名合唱曲的基础上，也加入了船夫号子等元素，第三乐章《东方红》的旋律部分更是直接取材自陕北信天游。这些根据民歌的主题旋律改编、创编而成的钢琴曲，在很大程度上保持了作品的原貌，并且予以进一步的创作发展，使其音乐形象更加丰满。

　　我国古曲、戏曲文化源远流长，表演形式及唱腔各有特色。在钢琴改编的过程中，作曲家们更为注重节奏的安排和韵味的细腻感。作曲家综合运用了大量的**作曲技法，并与*传统乐曲融合，表现出浓郁的*韵味，深化了传统音乐的意境。如《夕阳箫鼓》、《阳关三叠》、《百鸟朝凤》、《梅花三弄》、《三六》、《流水》、《*湖秋月》、《十面埋伏》等。《喜相逢》原为山西梆子和二人转等地方戏曲的过场音乐，后经冯子存改编为笛子独奏曲，郭志鸿又将其改编为钢琴小品；《兄妹开荒》原为陕北秧歌剧，汪立三于1978年将之改编为钢琴曲；秦文琛的《朴素的民风》以秦腔音调为素材，呈现了板式变化的戏曲风格。乐器作为另一种音乐表达形式，其渲染能力在广袤的荒漠大地中表现得淋漓尽致。根据这些民间器乐曲改编的钢琴曲的最大特色，就是模拟这些器乐的声响效果。如王建中改编的唢呐曲《百鸟朝凤》，赵晓生于1976年创作的改编曲《冀北笛音》等等，都生动地刻画出了北方人民朴质豪爽的性格和生活情趣。

　　三、旋律模仿民族民间乐器音响的创作特点

　　*钢琴曲的创作来自于民间丰富的音乐积淀，其中模仿传统的民族民间乐器是钢琴创作的重要手法，在音乐表现手法上利用各种不同的**借助于钢琴模仿弹拨乐器、吹拉乐器、打击乐器等表现具有民间特色的韵味和意境。模仿弹拨乐器中具有**性的有《梅花三弄》与《阳关三叠》，音乐中很好的“再现”了古琴的声音，曲中分别用琶音、倚音、和弦等不同手法模仿了古琴的单散音、滚拂散音、复散音等，给人以空旷之感，余音缭绕韵味无穷。对吹拉乐器的模仿比较典型的有《冀北笛音》，全曲比较完整地“再现”了笛子的各种技法所奏出的声音特点。通过各种装饰音来模仿笛子的颤音、滑音、历音甚至花舌音的效果。综合性模仿比较有**性的有黎英海等改编的《夕阳箫鼓》，模仿了箫、古琴、琵琶、古筝等多种民族乐器，因此在演奏时需要**的音色变化。箫的音色悠远柔绵，古筝的音色清晰圆润，琵琶的音色清澈明亮、慷慨激昂。弹奏中“模仿”其他民间乐器的演奏效果时。在掌握所模仿乐器特点的同时。手指的指触是另一个弹奏的关键。通过指触细致**的变化获得所追求的音色，使音色在刚柔、深浅、虚实、明暗中将音乐表演的惟妙惟肖，韵味无穷。

　　四、旋律与和声具有*民族特色的创作特点

　　旋律的调式大多采用了民族五声调式。如黎英海的《蓝花花》、《采茶扑蝶》（C羽调）、《三十里铺》（G徵—C徵）、《嘎达梅林》（E羽调式）、《绣荷包》（C商调）、《绣红旗》（G徵—C徵）等。这些作品在旋律中多次使用转调，而且融进了一些地区的音乐因素，使作品大量体现了主调钢琴音乐的民族化。*的审美讲究“中庸”，讲究神似，结构随意，正如*的水墨画一样，是一种清淡的色调。*音乐继承了这一特点，旋律起伏跌宕，热情奔放，一切情感在线条的旋律中

简谈冷军油画作品的艺术特点论文（扩展3）

——写实油画艺术下的素描创作论文

写实油画艺术下的素描创作论文

　　无论是在学校还是在社会中，大家总少不了接触论文吧，论文是描述学术研究成果进行学术交流的一种工具。那要怎么写好论文呢？下面是小编精心整理的写实油画艺术下的素描创作论文，仅供参考，大家一起来看看吧。

　　一、素描在写实油画创作中的奠基作用

　　（一）素描中“线”在写实油画创作中的作用

　　“线”是素描最基本元素之一，写实油画的起稿都是通过线条描绘创作对象的轮廓，在此基础上进行虚实明暗处理完成的。线条的曲折虚实能很好表达创作对象的性格，以及作者的创作思想。线条手法重实能营造出庄严凝重的氛围，画面的沉重感也都能由线条的内在力量传达出来；线条手法简易轻盈能表达出画面温婉**的宁静之感，似无意又有意，画风简约又不失大气。素描通常以黑白为主，黑色线条与白色底稿之间，由两种互补色的鲜明对比，使画作产生一种黑色线条在画上运动的动感。作者借助线条的神韵生动形象地表现出写实油画的灵动，其真实的情感和思想内容也得以表达。由此可见，线条在写实油画创作中占据举足轻重的地位。

　　（二）造“形”塑“体”在写实油画创作中的作用

　　“形”是通过线条描绘刻画的实物轮廓，“体”则是以“形”为前提塑造的实物体态体积。素描其实是造“形”塑“体”的主要表现形式。写实油画对画面实物的形体要求非常苛刻，一般要求具备清晰的形体轮廓，突出表现所画对象的主要特点，画家通过对线条的取舍和加工，以达到提高形态精确性的目的，确保形状轮廓的清晰程度为完成体态步骤打下坚实基础。正是由于“体”因“形”的存在而存在，后期画家才把形体单独从写实油画中提炼出来，并不断洗练完善。在油画创作中，“体”从实物的长度、宽度和高度三个方面刻画，“形”体现的是*面效果。“体”赋予了实物体积感和空间感，因而实物具有了三维立体空间感。画家主要通过对素描线条的明暗层次、远近关系、虚实关系等表现手法的综合运用展现实物真实感。素描中线条的颜色由深及浅分，大致只有黑、灰、白三种色调，多数美院高校的教学要求是教会学生处理素描实物的明暗关系，通过观察实物在自然光照射下的明暗效果，施加练习，学会运用明暗层次和线条的关系，利用三色的不同排列组合突出实物的立体空间感和真实感。

　　（三）素描在写实油画创作中的空间作用

　　随着科技的进步与社会的发展，生活中越来越多视图呈现出三维立体的空间感，为使画面更具真实感，现代素描已经出现了3D素描，给人以美好的遐想空间以及形象的幻觉。以往的艺术作品更多以二维空间的*面形式出现在人们眼前，从整个美术历史进程来看，早期的写实油画都只具备*面视图效果，即使是*面效果，也需要利用素描对画作的虚暗实明、远小近大关系谨慎处理，若要达到三维空间效果，则需在此基础上进行素描明暗、素描阴影、素描层次关系的调整。世界名画《蒙娜丽莎》的手稿由多层素描重叠而成，显而易见，美术巨匠达芬奇的素描手法已达到了炉火纯青的境界，这也透露出作为一名画家只有具备了扎实的素描基本功，才能创作出传世之作。素描的空间透视作用在写实油画中得到了广泛应用，按透视角度可分为成角透视、倾斜透视和*行透视。利用这种素描原理，能加强视觉的表现张力，拓宽写实油画的表现领域，形成现代超写实绘画风格，这对科幻绘画、广告设计，以及现代美术设计风格都产生了极大影响。

　　（四）素描对写实油画创作题材及思想内容的影响

　　为精确表达作者的创作思想和创作题材，画家通常在写实油画的准备阶段对写实油画的'构思进行素描构图，再不断修改完善。素描的过程一方面是过滤与明确画家创作主题思想的过程，作者在创作准备阶段，需要以素描的形式粗略考虑画风和画面构图的整体安排，考虑这样的安排布局是否合理；另一方面，也是作者对所要表达思想内容的进一步深入剖析理解，作者利用素描绘画反复思考与揣摩，提炼写实油画的素材，研究绘画手法和技巧对写实油画主题思想的综合反映，为确定写实油画的画风与画调起到奠基作用。古今中外的画家在写实油画创作中非常重视素描时的初步构图，在构图中不断修缮，力求完美，胸有成竹后对素描构图定稿，此后才敢对写实油画进行具体创作。

　　二、素描在写实油画创作中的决定性作用

　　（一）素描水*决定油画创作水*

　　首先，在我国多所美院入学考试要求中，都将素描纳为一项重要的检验标准，用以考察学生是否具有扎实的素描基本功以及绘画潜力。因为没有扎实的素描功底，学生很难在写实油画创作中表达自己的思想，也难以掌控造型能力，以及色彩与形体的综合运用能力，完成的作品也会因此显得空洞无实和*庸。因此，为了写实油画长期健康稳定发展，要充分发挥素描绘画的积极作用，提高学生素描绘画水*，从而提高其写实油画的艺术创作水*。其次，放眼国际，绝大部分写实油画大师都是素描绘画能手，但这些具有国际地位的大师到底先成为写实油画的传奇人物，还是先成为素描绘画的高手呢？答案显而易见，一幅优良的素描绘画底稿是一幅写实油画**的基础，没有坚实稳固的基础很难使写实油画技艺登峰造极。因此，素描对写实油画创作具有积极推动作用，素描水*的高低在很大程度上决定了写实油画创作的档次。最后，素描不仅是写实油画的基础，还是所有美术绘画的基础。素描水*的高低与素描手法的娴熟程度和技巧综合运用有关。素描功底薄弱的画家很难创作出画作**，多数作品无法表达画作主题和实物本质，甚至不能精确传达个人情感和思想，究其原因，还是由于缺乏深厚的素描功底。基本功不扎实，在美术上的造诣必然无法达到精深。

　　（二）素描风格决定油画创作风格

　　*的写实油画学者中，很多油画家的素描作品对象以人物居多，表现手法也多以柔美、典雅、朴素为主。让人惊讶的是，他们的写实油画创作风格也一直保持着与素描绘画同样的画风，传达出宁静安详。其中，最为典型的就是油画家靳尚谊。除此之外，朝戈是另一个典范，在他的素描作品中，注重通过描绘人物的动作神态刻画其内心，写实油画作品画风与他的素描画风如出一辙，通过描绘沉静安详的神态表现人物内心深处的*和，画作具有强烈的时代特征，揭示当代人物特定的内心变化。淡化对象形体轮廓手法是素描流派**象画派作风，力求描绘自然风景的真实性。著名印象派画家莫奈等人不提倡在室内作画，倡导在自然状态下进行户外写生，希望直接刻画自然光的日常色彩。他们摒弃了前几个世纪的压抑色调，开创了清新明朗的阳光色调，他们的写实油画风格与素描风格在后期都展现出真实自然的风格。由于油画大师在素描内容选择上各有见解，素描风格也各具特色，这无形中影响了他们在写实油画中的创作表现手法，因而也决定了写实油画的画风，这些各具风味的油画艺术表现风格在美术发展进程中百花齐放。

　　三、结语

　　素描对完成写实油画的艺术创作有重要意义，而且对提高写实油画的质量有不可估量的影响，无论是对油画创作的形体、色彩、空间构图，还是对作者思想情感的表达，都起着决定性作用。因此，美术学习者要增强学习、夯实素描基本功的积极性，以达到提高写实油画创作质量的目的。

简谈冷军油画作品的艺术特点论文（扩展4）

——法国批判现实**作品《人间喜剧》的艺术力量论文

法国批判现实**作品《人间喜剧》的艺术力量论文

　　现如今，大家一定都接触过论文吧，借助论文可以达到探讨问题进行学术研究的目的。你所见过的论文是什么样的呢？以下是小编整理的法国批判现实**作品《人间喜剧》的艺术力量论文，欢迎阅读与收藏。

　　文学的价值在于它在一定程度上反映了当时的社会状态，对文学的研究可以是多角度的，但对现实批判**艺术力量进行**研究的却很少。在不同的国家，由于当时社会****和人们生活状态的不同，现实批判**所表现出的特点有所区别。而法国的现实批判**文学，尤其是巴尔扎克的《人间喜剧》把人类的现实批判**情怀推向了一个新的高度。

　　一、《人间喜剧》现实批判**的艺术力量

　　1.浪漫的批判精神

　　《人间喜剧》是法国贵族没落、资产者发迹的真实写照，尽管巴尔扎克是上流社会的一分子，对贵族阶级充满同情，但他也深刻地认识到贵族阶级终将消亡，新兴的资金阶级和**将继续**法国的现状。在他的小说中，他背离了自己的阶级，深刻地揭露资本家原始积累的**和丑陋，并对他们的阴谋和权术进行了深刻的批判，甚至鼓励法国的工人阶级****，防抗**，追求社会的*等。在《人间喜剧》中，具有浪漫情怀的现实批判**发挥到了极致，用自己小说使人们认识到社会的不公和虚伪，把文字变成投入**阶层的匕首和利刃，在这部作品中处处能看到批判的言词，对当时的社会的具有的意义。作为**阶层，资产阶级贪得无厌，麻木不仁，对包括工人在内的劳动阶级进行残酷的**和**，人们只能委曲求全，久而久之，沉默和忍让成为了人们的行为习惯，而巴尔扎克作为一个的现实批判**作家，并不缺少勇气，他承担起了唤醒人们反抗意识的勇士，热情讴歌了工人阶级在追求**、*等、**上所做的努力[3]。巴尔扎克在《人间喜剧》中借物抒情，表达作者对劳动人们遭受不公*待遇的愤慨，呼唤人们的国民意识，鼓励为追求***等而奋斗。

　　2.规律严谨

　　大自然叶黄叶绿，循环交替。《人间喜剧》中社会的变迁也符合自然的变换规律。从人物来来讲，每个人的言行符合他所处的阶层，符合他**的规律和法则;从阶层来讲，资本阶层注定要代替传统贵族阶层来**社会，原始的资本阶层注定要被新一代的基本阶层所取代。大自然中万物的不同意象与小说所展现的意象符合，极大地提升了小说的艺术魅力。在《人间喜剧》中，巴尔扎克不单表现了对自然界万物的喜爱，也借助于他们的意象表现了当时的社会发展状况。贵族阶层、原始的资本阶层就是秋天的黄叶一样，注定要被吹散，在吹散的过程中，小说对他们的交锋进行了展示，通过他们之间的勾结、对抗来表现他们的虚伪、狡诈，借此直接抨击当时的社会的各种丑陋现象，呼喊出自己心中的价值观。在自然界中，秋天预示着破坏，使鲜花枯萎，树叶凋落。而《人间喜剧》中秋风则是指每次法国**，**的出现使得土地、资金开始重新分配，那些秋天过后长处的新芽绿叶则是每次**后涌现的新一代**和资本基层，他们继续剥削地层的劳动人民。但作业也相信，春天发出的新芽和绿叶也有好的一部分，这些好的部分正是为社会那些积极好的力量。他希望秋天能带来新的绿色，更加的生机勃勃，望借助于**来使社会更加的公*，让社会更加的欣欣向荣。但法国历次的**并没有达到作者的要求，他们只是换了一波更加贪婪、虚伪的**者，在希望一次次的破灭中，作者对他们的批判也更加的深刻和丰满[4]。《人间喜剧》作为巴尔扎克的**做，很真实地反映了当时的社会状况，以及社会需要进行改变，创造***的需要。《人间戏剧》正是承担了一部分**的任务，作者对他们的批判就像是秋天，将他们像清扫垃圾一样清理干净，切除社会的**，让社会恢复生机，人们有尊严快乐地生活在秋天过后的天地里。与自然界里的秋天一样，《人间喜剧》勇于打破思想禁锢，鼓励人们对不同的命运进行抗争。从某种程度上看，被剥削的劳动人民就像是沉默、*静的大海，他们沉睡着不断地被剥削着，但大海苏醒的那一天也终究到来，在苏醒的那一天，大海将展现出强大的力量，使得丑陋、虚伪的资产阶级而**。大海不单与被剥削的劳动人民契合，也是《人间喜剧》艺术魅力的真实写照。 秋天不单扫除了枯枝落叶，也唤醒了万物的萌芽新生，那些美好的、有益的将会留下，*的、**的将会继续被扫除，也符合《人间喜剧》的批判精神。尽管**对社会具有一定的破坏作用，但整体来看，还是的，因为秋天过后，社会将迎来一个崭新的世界、那时人们生活*等，不再受到资产阶级的**，也说明了让世界天旋地转的**是非常必要的。就像一场暴雨，可能会摧毁一些树木花草，而暴雨过后，生命力顽强的树木花草将会迎来一个新的发展良机。

　　3.形象对比深刻

　　有人说，从**层面或社会层面理解是对《人间喜剧》的过度解读的，作者只是想表达自己的喜好和厌恶，只是想批判一些贪婪的基本阶层和虚空的贵族基层。但无论怎样，正是由于作家对社会万象的敏锐的嗅觉以及独特视角，作家才有了源源不断的创作素材。纵观巴尔扎克的个人作品，最引人入胜的还是对人物的刻画，而在《人间喜剧》中，关于人物刻画的段落比比皆是。本文以奥老头为例进行说明：

　　《高老头》是法国批判现实**大师巴尔扎克的**作，充分体现了《人间喜剧》的主题旋律和巴尔扎克式的艺术风格。

　　当高里奥老头住到伏盖公寓时，他分住在二楼一间最好的房间，每年交1200法郎的膳宿费，他衣着讲究，每天还请理发师来给他梳头发，连鼻烟匣都是金的，他算得上这所公寓里最体面的房客，人们都叫他高里奥先生。寡妇老板娘还向他搔首弄姿，想改嫁于他，当一名本地区的阔太太。

　　第二年年末，高老头就要求换次等房间，并且整个冬天屋子里没有生火取暖，膳宿费也减为900法郎。大家把他当做“恶癖、无耻、低能所产生的最神秘的人物”。

　　第三年，高老头又要求换到最低等的房间每月房钱降为45法郎，他戒了鼻烟，打发了理发匠，金刚钻、金烟匣、金链条等饰物也不见了，人也越来越瘦，看上去活像一个可怜虫。

　　开始，他每个星期可以去女儿家一两次，后来改为一个月，都最后女儿连门都不让他进，最终他病倒了，穷困地死在一间破烂的小阁楼上，女儿们连葬礼都不参加。因为什么而发生这样的变化：心甘情愿地让自己的.两个宝贝女儿──这是两个毫无人性、甚至可以说毫无廉耻之心的女人――一点一滴地榨干了自己的心血。

　　主人公高里奥老头白手起家，作为一个精明的面条商人，他在大饥荒的年代把握时机发了大财。他无比娇惯自己的两个女儿，不惜肝脑涂地地满足她们的一切欲望，并以巨额陪嫁使她们分别成为了伯爵夫人和男爵夫人。两个女儿挥金如土的习性加上上流社会尔虞我诈的倾轧，最终吸干了高老头最后一点钱财。当老人一贫如洗时，他的女儿、女婿再也不许他登门，高老头最后贫病交加地死在一个破烂公寓的小阁楼上，而女儿们甚至连葬礼都不出席。通过高老头的悲剧，作者对金钱至上、道德沦丧的社会现实给予了抨击。通过对高老头形象与女儿形象的对比，我们能清晰地认识到上流社会金钱至上的**。父亲把女儿视作掌上明珠，把所学的心血都放在她们身上，为了让她们嫁得好一定，不惜为女儿们置办奢华的嫁妆，把自己的所有积蓄都投入到女儿无尽的欲望中，不在乎自己的居住条件、生活条件，直至自己的财产被女儿榨干，最后在孤单、贫穷中死去。女儿把父亲视作摇钱树，用金钱的多少来衡量与父亲的关系，父亲有钱时被视作上宾，随着父亲的钱逐渐被她们偷空，她们对父亲的态度也不断发生着变化，在生命的最后，父亲没有了钱却闭门不见，让父亲孤单、潦倒地死在租来的公寓中。在最后，作者对大女儿、二女儿的嘴脸进行细致的刻画，她们以可笑、荒谬的理由决绝见父亲最后一面，这既引出了高老头最后的独白，又使之形成了鲜明的对比， 通过对女儿的控诉，让读者更能深刻感受到女儿们的不义，感受到金钱维系的社会人与人之间关系的冷漠以及亲情的淡薄，也进一步讽刺了社会上层不认父母，只讲金钱的**行径。

　　二、结束语：

　　文人墨客无病**者居多，但巴尔扎克作为一个现实批判**作家，在写作上却能从实际出发，没有矫揉造作的词汇，在文学中引入批判精神，对**阶级的腐朽进行了揭露，对整个社会的发展具有的作用。《人间喜剧》不仅是当时社会法国社会的真实写照，也是文学殿堂里的一座丰碑，极富艺术魅力。

　　参考文献：

　　[4]高正衡.通过巴尔扎克的《人间喜剧》看法国十九世纪世俗文化[J].赤子，2012，（11）：54.

　　《人间喜剧》是一部具有史诗性的现实**巨著，它反映了这一特定时代的法国社会风貌，并以历史学家的严谨态度描述了法国社会发展变迁的历史，正如巴尔扎克在这部巨著前言中所宣布的创作宗旨：“法国社会将成为历史家，我不过是这位历史家的*而已，开列恶癖与德行的清单，收集激情的主要事实，描绘各种性格，选择社会上的主要事件，结合若干相同性格的特点而组成典型，在这样做的时候，也许我们能够写出一部史学家们忘写的历史，即风俗史。”

　　巴尔扎克所说的风俗史是一个时代的物质生活和精神生活的历史，是一个时期的社会生活的广阔画面。要写出一部时代的风俗史，只写几个人物显然无法实现这一重任的，必须塑造几百个甚至上千个人物，而各个人物又有其特殊的生活环境和生活遭遇，因而形成了各自不同的思想、情感、处世态度、习惯等个性特征。只有通过对这些不同性格的刻画，对他们所生活的不同环境的描述，才能表现一个时代的社会风貌。《人间喜剧》中两千四百多个人物中，描写得生动活现而又具有一定社会典型意义的，就有将近一百个之多，法国十九世纪社会生活中各阶级、各阶层、各类型的人物，在这里几乎都应有尽有：资产者、新老贵族、贵妇人、千金、官吏、大学生、大商人、狱卒、教士、银行家、显贵、****、医生、**、出版家、画商、戏子、雕刻家、律师、小地产所有者、*园主、农民、管家、仆役、车夫、贫民、**而且，每一个阶级、每一种类型的人物还不止一个模特儿。以资产者而言，这里有金融资产阶级、大银行家纽沁根，有城市高布赛克，有农村里谷，有大资产阶级兼地主葛朗台，有小资本家赛查·皮罗多以**而言，有夏倍上校、于洛将军、勃里托、艾格尔蒙、刚得兰、墨勒、狄亚德以及“心锁”与“美脚”之流。这些人物形象所组成的画廊，就是当代社会生活形形**的众生相的一个缩影。这个异常丰富的肖像博物馆使不同时代、不同**都感到惊异。

　　*在《致玛·哈克奈斯》中就曾高度盛赞巴尔扎克的《人间喜剧》“提供了一部法国社会，特别是巴黎上流社会的卓越的现实**历史”。[6]巴尔扎克的小说人物性格鲜明突出。他所塑造的典型人物，往往是在一个人身上集中概括了某一类人物的特征，并加以夸张，如吝啬、凶狠、奸诈、好色、嫉妒这些典型性格都受到一种欲望的支配，如葛朗台受金钱欲的支配，贪婪吝啬;拉斯蒂涅想往上爬的欲望煎熬着他，使他成为了野心家;高老头受父爱的情欲的支配，宁肯**自己，满足女儿。虽然巴尔扎克小说中的人物性格单一，但因为他强调艺术表现的差异，因此每个人物决不雷同。巴尔扎克主要通过具体细致地描写人物的肖像、动作、语言、生活细节等特征来表现人物的个性。

　　巴尔扎克是世界文学史上最伟大的现实**作家之一，而且，他是“最深刻意义上的现实**者”。尽管有时他也不回避使用夸张、虚构以及情节离奇曲折等浪漫**作家喜用的手法，但这些都只是为了更集中地反映出事物的本质和创造出现实**的典型。高尔基对巴尔扎克极为尊崇，他谈到《人间喜剧》时说过：“我在这套书里感觉到了巴尔扎克的天才，他的广大的史诗才能,他的构思的广阔，思想的勇敢，语言的真实和对未来的天才预见......使他成了世界最伟大的导师之一。”

简谈冷军油画作品的艺术特点论文（扩展5）

——宫崎骏的动画特点及其作品

宫崎骏的动画特点及其作品

　　宫崎骏是**动画师、动画制作人、漫画家、动画导演、动画编剧。毕业于**东京学习院大学**经济部。以下是小编为大家整理的宫崎骏的动画特点及其作品，希望对你有所帮助！

　　宫崎骏的动画特点

　　童真性

　　宫崎骏动画应该是在**动画界里比较接近儿童想法的片子。宫崎骏在动画中纵情地挥洒自己的想象力，不像很多片子那样有**的顾虑或者**的趣味。比如《龙猫》里小孩与龙猫们的戏耍，《魔女宅急便》里的自行车螺旋桨情节，骑笤帚起飞要别人吹，这些都是很童真的想象力。他的动画虽然看过以后会给人留下一些印象，影响人生观和世界观，但实际上直接的道德说教成分少。其实道德说教的成分在**现在的TV动画里普遍存在，TV动画最终还是教育的辅助**。

　　破坏性

　　有几位擅长拍剧场的大师，如宫崎骏、大友克洋、押井守等。大友克洋老师拍科幻片，押井守老师拍**片，他们的动画里出现死人很正常，也是剧情需要，但是片子看下来感觉死的人是可数的。宫崎骏动画里死人比较多，一般多是碰上灾难，也不怎么遮掩，能一下看出来。印象里这种情况在《天空之城》和《风之谷》里比较多。很多时候表现暴力可谓及其大胆，比如《幽灵公主》里很随意地就断脑袋断四足，还有各种武器的创伤试验，好像这部片以后就再不见有类似的东西。可能这是有一些想象力儿童化的缘故。总之在完全儿童的`想像中，灾难的事情不会考虑很多，也不会意识灾难的后果。当然宫崎骏动画中表现的破坏性是片子能让人有所感想的一个亮点。

　　民族特性

　　宫崎骏动画有点像张艺谋的片子，喜欢突出一些**民族有的东西，展现***的思想特点，虽然这些东西已经不**现代**了。比如说，《千与千寻》这部片子就表现了有**特色的思维方法和等级观念。(同样的东西在多数**动画中已经难觅其踪了)。《幽灵公主》讲的事情其实用柳田国男老师的民俗学理论可以帮助理解。片子想表达的是，**的洪荒时代，大和族集团和**列岛原住民(也就是柳田国男说的“山人”)的冲突。所以都是很民族的东西。

　　宫崎骏的主要动漫作品

　　1，《龙猫》

　　《龙猫》是由宫崎骏执导，日高法子、坂本千夏、糸井重里配音的动画电影，于1988年4月16日在**上映。高清重制版于2018年12月14日在*公映。

　　2，《天空之城》

　　《天空之城》（天空の城ラピュタ）是**吉卜力工作室制作的动画电影，宫崎骏担任原作、**、脚本设计、角色设定及导演，田中真弓、横泽启子、初井言荣、寺田农等人配音。该片于1986年8月2日在**上映。

　　3，《千与千寻》

　　《千与千寻》是宫崎骏执导、编剧，柊瑠美、入野**、中村彰男、夏木真理等配音，吉卜力工作室制作的动画电影，于2001年7月20日在**上映。

　　4，《哈尔的移动城堡》

　　《哈尔的移动城堡》，是宫崎骏继动画电影《千与千寻》之后，在2004年冬推出的作品。该片于2004年11月20日在**上映。

　　5，《风之谷》

　　《风之谷》（英语：Nausica of the Valley of the Wind）改编于宫崎骏的同名漫画，宫崎骏担任影片的导演，岛本须美、纳谷悟朗和松田洋治联袂献声。影片于1984年3月11日在**上映。

　　宫崎骏的简介

　　宫崎骏，1941年1月5日出生于东京都文京区 ，**动画师、动画制作人、漫画家、动画导演、动画编剧。毕业于**东京学习院大学**经济部。

　　1963年进入东映动画公司，从事动画师工作。1971年加入手冢治虫成立的““虫Production动画部”。1974年加入Zuiyou映像与高田勋、小田部羊一共同创作《阿尔卑斯山的少女》 。1979年转入东京电影新社创作了自己首部电影《鲁邦三世卡里奥斯特罗之城》 。1982年开始**创作漫画，在《Animage》上连载漫画《风之谷》，该作品获得第23届**漫画家协会赏 。1984年执导《风之谷》，该片获得罗马奇幻电影节最佳动画短片奖等4项大奖 。

　　1985年与高田勋、铃木敏夫共同创立吉卜力工作室。1986年执导《天空之城》，该片获得第41回每日电影奖大藤信郎赏等6项大奖。1988年执导《龙猫》，该片荣获第13回报知电影奖最佳导演奖等24项大奖。1997年执导《幽灵公主》，该片荣获第21届**电影学院奖最佳影片奖等27项大奖 。2001年执导《千与千寻》，该片荣获第75届******最佳动画长片奖及第52届柏林电影节最高荣誉“金熊奖”等9项大奖 。2004年执导《哈尔的移动城堡》，该片荣获第9届好莱坞电影奖最佳动画片奖等8项大奖 。

　　2013年7月16日，他敦促安倍晋三处理好*问题，**应向韩国和*谢罪 。

　　2013年执导《起风了》该片荣获第37届**电影学院奖最优秀动画作品奖等8项大奖 ，也是其最后长篇作品。同年9月6日宣布引退 。2014年11月8日荣获第87届******终身成就奖 。

简谈冷军油画作品的艺术特点论文（扩展6）

——《琵琶行》写作特点及艺术手法

《琵琶行》写作特点及艺术手法

　　《琵琶行》作者在这首诗中着力塑造了琵琶女的形象，通过它深刻地反映了封建社会中被侮辱被损害的乐伎、艺人的悲惨命运，抒发“ 同是天涯沦落人”的感情。

　　写作特点

　　1、情节曲折，波澜起伏：

　　在“醉不成欢惨将别”的时候，便“忽闻水上琵琶声，主人忘归客不发”，将情节推向另一个境界。第一次琵琶演奏已毕，“东船西舫悄无言”，似乎可以结束了，忽然又“沉吟”、“敛容”，琵琶女要诉说自己的身世了。琵琶女诉说一完，诗人便抒发自己的感慨，将自己的遭遇与琵琶女的遭遇联系起来，推动了故事情节的发展。更奏一曲，乐声进入了**，但诗人不再作正面描写，只说其声“凄凄”，并“不似向前”，写到这里，就戛然而止。这样，既能使人感慨不已，又能使人产生意深境远的感觉。这种曲折多变的情节，使琵琶女富于戏剧性的遭遇得到突出表现，她的琵琶绝技也得到了细致的描绘;而作者的心情和感慨也能淋漓尽致地表达出来。

　　2、以情动人：

　　这首诗以情动人，叙述事件，描写人物全都充满抒**彩。送客一节即以“秋瑟瑟”、“惨将别”、“茫茫江浸月”，给环境制造了伤感的气氛。琵琶女第一次演奏，诗人在描写琵琶女演奏的手法和曲调时，让情思幽恨贯穿始终。自叙身世一段，是“幽愁暗恨”的根源，更是充满了人物因昔盛今衰而产生的种种哀伤。诗人自叹经历，处处以环境衬托自身的感慨，充分描写了漂沦流落的悲切之情。末段，凄凄的弦声与哭泣声相互照映，更是写尽了诗人的悲痛之情。全诗使用的典故很少，语言精练明畅。诗人逝世不久，唐宣宗李忱写诗吊念他说：“童子解吟《长恨》曲，胡儿能唱《琵琶》篇”。可见本诗在白居易生前就受到广大人民的喜爱，传诵极广。

　　3、画面精采：

　　白居易的《琵琶行》，堪称绝妙的“有声画”，画面非常精采。

　　⑴　以景物烘托感情氛围。如秋江夜别“枫叶荻花秋瑟瑟。”“别时茫茫江浸月”，这种萧瑟的秋景对离情别绪是有力的烘托。“住近湓江地低湿，黄芦苦竹绕宅生。其间旦暮闻何物?杜鹃啼血猿哀鸣。”四句描写了环境的**，有力地烘托了“天涯沦落”之情。

　　⑵　用人物的神态、动作描绘出画面，表现人物的内心活动。如“犹抱琵琶半遮面”，画面传神地描绘了琵琶女娇羞的神情和犹豫迟疑的复杂心理。再如“沉吟放拨插弦中，整顿衣裳起敛容。”这里描绘琵琶女曲终时的动作、神态，不仅使人感到她的教养、经历不俗，而且自然地表现她由弹奏到自叙身世的内心活动。另外“满座重闻皆掩泣”之后的一个特写镜头，诗人“泪湿青衫”。画面的基调落在一个“泣”字上。当然对曲调理解最深的，动情最浓的，以至“泪湿青衫”的，还是诗人自己。“泣”的内涵显然是丰富的、深沉的。

　　4、叙事抒情水**融：

　　本诗所叙之事(秋夜江头送客、琵琶女的悲剧命运、作者的贬谪生活)饱含的感情成分;景物的描写，气氛的烘托;人物的动作，心理的细致描写;人物以抒情方式倾诉悲怀;精当的说明和议论的巧妙穿插，“未成曲调先有情”、“似诉*生不得志”、“说尽心中无限事”、“初为《霓裳》后《六幺》”、“别有幽愁暗恨生，此时无声胜有声”等等，对于塑造琵琶女的形象，有画龙点睛之妙，也是不容忽视的。凡此种种，都使这首诗满含着抒情气息，做到了叙事与抒情的密切融合，增强了作品的感**彩和艺术魅力。

　　5、形象类比，抒情言志：

　　《琵琶行》塑造了两个人物形象。在中唐商业经济发达、城市畸形繁荣的生活环境里，在当时互相倾轧、仕途险恶的`****里，琵琶女的形象和诗人的形象，都具有其现实的典型意义。此诗用形象类比法把两人之间的悲愤情感、不幸遭遇等方面进行类比，最后融合为一，从而推出两个艺术形象都有怀才不遇、沦落天涯的感慨的结论。形象类比，抒情言志，富有极强的艺术感染力。

　　6、结构谨严：

　　诗从“送客”起笔，继而写了“寻声”，“邀弹”、“询问”、“诉衷”、“感慨”等一系列互相关联，层层推进的情节。这些情节分则各为一个场面，合则是一篇完整、**的诗篇。

　　艺术手法

　　情节曲折

　　在“醉不成欢惨将别”的时候，便“忽闻水上琵琶声，主人忘归客不发”，将情节推向另一个境界。第一次琵琶演奏已毕，“东船西舫悄无言”，似乎可以结束了，忽然又“沉吟”“敛容”，琵琶女要诉说自己的身世了。琵琶女诉说一完，诗人便抒发自己的感慨，将自己的遭遇与琵琶女的遭遇联系起来，推动了故事情节的发展。更奏一曲，乐声进入了**，但诗人不再作正面描写，只说其声“凄凄”，并“不似向前”，写到这里，就戛然而止。这样，既能使人感慨不已，又能使人产生意深境远的感觉。这种曲折多变的情节，使琵琶女富于戏剧性的遭遇得到突出表现，她的琵琶绝技也得到了细致的描绘;而作者的心情和感慨也能淋漓尽致地表达出来。

　　以情动人

　　这首诗以情动人，叙述事件，描写人物全都充满抒**彩。送客一节即以“秋瑟瑟”“惨将别”“茫茫江浸月”，给环境制造了伤感的气氛。琵琶女第一次演奏，诗人在描写琵琶女演奏的手法和曲调时，让情思幽恨贯穿始终。自叙身世一段，是“幽愁暗恨”的根源，更是充满了人物因昔盛今衰而产生的种种哀伤。诗人自叹经历，处处以环境衬托自身的感慨，充分描写了漂沦流落的悲切之情。末段，凄凄的弦声与哭泣声相互照映，更是写尽了诗人的悲痛之情。全诗使用的典故很少，语言精练明畅。诗人逝世不久，唐宣宗李忱写诗吊念他说：“童子解吟《长恨》曲，胡儿能唱《琵琶》篇”。

　　音乐画面

　　这首诗最令人称道的是诗对琵琶乐声的描写。由“大弦嘈嘈如急雨”到“曲终收拨当心画”几句，将抽象的、难以感知的乐曲用形象生动的比喻模拟出来，既有听觉形象，又有视觉形象，读过后让人感到余音袅袅，余味无穷。其中“大珠小珠落玉盘”、“别有幽愁暗恨生，此时无声胜有声”等成了写乐声的经典诗句。“急雨”、“私语”、“莺语”、“泉流”、“珠落玉盘”、“瓶破水迸”、“骑出刀呜”、“裂帛”等一连串精妙的比喻匠心独运，无与伦比。这一段音乐描写与韩愈的《听颖师弹琴》、李贺《李凭箜篌引》和李欣的《听董大弹胡笳弄寄语房给事》并列为古典音乐的四篇妙文。但由于它的比喻*实、贴切，语言流畅、情感丰富，因此比其他三篇流传更广，也更为知名。

　　(1)以景物烘托感情氛围。如秋江夜别“枫叶荻花秋瑟瑟。”“别时茫茫江浸月”，这种萧瑟的秋景对离情别绪是有力的烘托。“住近湓江地低湿，黄芦苦竹绕宅生。其间旦暮闻何物?杜鹃啼血猿哀鸣。”四句描写了环境的**，有力地烘托了“天涯沦落”之情。

　　(2)用人物的神态、动作描绘出画面，表现人物的内心活动。如“犹抱琵琶半遮面”，画面传神地描绘了琵琶女娇羞的神情和犹豫迟疑的复杂心理。再如“沉吟放拨插弦中，整顿衣裳起敛容。”这里描绘琵琶女曲终时的动作、神态，不仅使人感到她的教养、经历不俗，而且自然地表现她由弹奏到自叙身世的内心活动。另外“满座重闻皆掩泣”之后的一个特写镜头，诗人“泪湿青衫”。画面的基调落在一个“泣”字上。当然对曲调理解最深的，动情最浓的，以至“泪湿青衫”的，还是诗人自己。“泣”的内涵显然是丰富的、深沉的。

　　(3)从“转轴拨弦三两声，未成曲调先有情”开始到“曲终收拨当心画，四弦一声如裂帛”结束，诗人用极富想象力的语言再现了琵琶女高超的演奏技术，曲调未成情以先出，是对音乐气氛的很好烘托，而弹的过程更是撵词摘句，活用比喻来描写音乐的进程。“大弦嘈嘈如急雨，小弦切切如私语，嘈嘈切切错杂弹，大珠小珠落玉盘”仿佛使人能够再次听到琵琶声一样，“间关莺语花底滑，幽咽泉流冰下难”更是给人以无尽的想象，带入到文字和音乐无法描述的空间，“别有幽愁暗恨生，此时无声胜有声”可谓点睛之笔，从音乐和哲学角度表达了至高乃无的学问，短暂暂停之后便是“银瓶乍破水浆迸，铁骑突出刀枪鸣”由静入动，如同万匹野马，同时出动，万丈瀑布，瞬时倾泻，“曲终收拨当心画，四弦一声如裂帛”，观众还沉浸在意犹未尽的音乐中琵琶女已经停止了演奏。

　　情景交融

　　本诗所叙之事(秋夜江头送客、琵琶女的悲剧命运、作者的贬谪生活)饱含的感情成分;景物的描写，气氛的烘托;人物的动作，心理的细致描写;人物以抒情方式倾诉悲怀;精当的说明和议论的巧妙穿插，“未成曲调先有情”“似诉*生不得志”“说尽心中无限事”“初为《霓裳》后《六幺》”“别有幽愁暗恨生，此时无声胜有声”等等，对于塑造琵琶女的形象，有画龙点睛之妙，也是不容忽视的。凡此种种，都使这首诗满含着抒情气息，做到了叙事与抒情的密切融合，增强了作品的感**彩和艺术魅力。他把歌咏者与被歌咏者的思想感情融二为一，说你也是说我，说我也是说你，命运相同、息息相关。琵琶女叙述身世后，诗人以为他们“同是天涯沦落人”;诗人叙述身世后，琵琶女则“感我此言良久立”，琵琶女再弹一曲后，诗人则更是“江州司马青衫湿。”风尘知己，处处动人怜爱。

　　人物塑造

　　《琵琶行》塑造了两个人物形象。在中唐商业经济发达、城市畸形繁荣的生活环境里，在当时互相倾轧、仕途险恶的****里，琵琶女的形象和诗人的形象，都具有其现实的典型意义。此诗用形象类比法把两人之间的悲愤情感、不幸遭遇等方面进行类比，最后融合为一，从而推出两个艺术形象都有怀才不遇、沦落天涯的感慨的结论。形象类比，抒情言志，富有极强的艺术感染力。

　　结构谨严

　　诗从“送客”起笔，继而写了“寻声”，“邀弹”“询问”“诉衷”“感慨”等一系列互相关联，层层推进的情节。这些情节分则各为一个场面，合则是一篇完整、**的诗篇。

　　诗人通过对琵琶女高超的弹奏技艺的描写和悲凉身世的叙述，表达了对琵琶女的深切同情，同时抒发了自己“同是天涯沦落人”的苦闷与感慨。全诗主题鲜明，脉络清晰，情感真挚，文辞优美。

　　语言生动

　　作品的语言生动形象，具有很强的概括力，而且转关跳跃，简洁灵活，所以整首诗脍炙人口，极易背诵。诸如“千呼万唤始出来，犹抱琵琶半遮面”;“别有幽情暗恨生，此时无声胜有声”;“门前冷落车马稀，老大嫁作商人妇”;“夜深忽梦少年事，梦啼妆泪红阑干”;“同是天涯沦落人，相逢何必曾相识”，等等，凝炼优美、叩人心扉。

简谈冷军油画作品的艺术特点论文（扩展7）

——戈特沙尔克钢琴作品艺术特色探析论文

戈特沙尔克钢琴作品艺术特色探析论文

　　当代，论文常用来指进行各个学术领域的研究和描述学术研究成果的文章，简称之为论文。它既是探讨问题进行学术研究的一种**，又是描述学术研究成果进行学术交流的一种工具。下面是小编帮大家整理的戈特沙尔克钢琴作品艺术特色探析论文，仅供参考，欢迎大家阅读。

　　摘要：

　　戈特沙尔克是**第一位获得国际声誉的钢琴家，也是第一位采用了**黑人、克里奥尔人民间音乐和拉丁美洲音乐节奏和旋律的作曲家，他一生创作了大量的钢琴作品。本文从戈特沙尔克的主要钢琴作品入手，探究他音乐创作的道路，探讨他的音乐特征和他独特的音乐风格，让更多的人了解戈特沙尔克，走进戈特沙尔克。

　　关键词：

　　戈特沙尔克;钢琴作品;民间音乐;舞蹈性

　　一、戈特沙尔克的生*

　　1829年5月8日路易斯莫劳戈特沙尔克(LouisMoreauGottschalk)出生于**新奥尔良，他的父亲是英国人，母亲是克里奥尔人，他有六个兄弟姊妹，住在新奥尔良法国区里的一间小屋里，后来和亲戚搬到新奥尔良孔蒂街，他的外祖母和保姆都出生在圣多明格岛(后称海地)。因此，他在那里接触到了各种传统音乐，如克里奥尔的旋律和加勒比海的节奏，以及悠扬的民歌。他很小就开始演奏钢琴。音乐天赋很快就显露出来，1840年小戈特沙尔克在新圣查尔斯酒店首次非正式的公开露面，人们把他称作为神童。1842年，年仅13岁的戈特沙尔克离开**前往欧洲进行学习，并意识到要想达到他的音乐目标就必须经过专业的训练。在他13岁就能做出这样职业化的规划通常情况都是和父母的雄心壮志分不开的。从他的信中能清楚地看出，他对自己有着极高的要求。他在写给他母亲的信中这样写道：“我很期待我自己在两年或更短的时间能够自食其力”。

　　然而在欧洲，戈特沙尔克有一个颇为坎坷的开始，巴黎音乐学院拒绝了他的申请，他只能私下跟随查尔斯哈莱(KarlHalle)、卡米尔斯塔梅第(Camile-MarieStamaty)和皮埃尔梅里顿(PierreMalenden)进行学习，之后又师从柏辽兹。1844年举行的钢琴首演确立了他职业生涯的开始，并得到了肖邦的高度赞扬，肖邦预测他很快将成为本世纪最重要的钢琴家之一。当他享誉欧洲后，于1853年回到**，举行了一系列的音乐会，他可能试图逃避一个他认为被自私和虚荣支配的环境，重新适应**文化这个问题似乎一直伴随着他。在今后的岁月里，他不得不为谋生而开始他走南闯北的日子。

　　1854年，戈特沙尔克在古巴停留了很长的时间，他的音乐兴趣正逐渐转向中美洲和南美洲。19世纪60年代，戈特沙尔克确立了他在**音乐界的地位，很大部分原因都和他的勤奋息息相关，仅用了四个半月的时间就在纽约一个地方演出了85场音乐会。1865年5月旧金山报纸上这样提到他：“通过铁路走遍了95000英里，举行了1000场音乐会”。波士顿出版社的音乐杂志这样评论道：“说实在的，我们还没有听到过比这更辉煌的演奏……他的演奏极其潇洒、峻峭，表现得雅致而万无一失;触键干净利落，优美清脆;运指洗练、流畅;音型总是那么匀称、确切;快速的八度经过句，操运得其妙惊人。从此，我们也许就品尝到名家演奏技巧的特有醇味了”。戈特沙尔克在1865年9月遭遇了他人生中的一个急转弯，他与他的学生在奥克兰女修女院的丑闻被**后，他不得不离开**前往南美洲，开始着手他的巡回演出。在那里他开始了他频繁的音乐会，他前往智利圣地亚哥、布宜若斯艾利斯、里约热内卢等地方举行音乐会，向南美洲的观众展示了他的技艺，赢得了热烈的赞赏。1869年戈特沙尔克不幸在里约热内卢得了黄热病，苦熬了三个星期后年仅40岁的艺术家在巴西迪如卡地区病逝，由于他的英年早逝使他鲜为人知。

　　二、戈特沙尔克的主要钢琴作品简析

　　《冥想曲“垂死的诗人”》(TheDyingPoet，Op.110)。作品创作于1863年，出版于1865年，是戈特沙尔克的**作之一，也是他在音乐会中演奏次数最多的曲子。这是一首悲伤的作品，6/8拍，降E大调，行板。此曲采用三部曲式写成，8小节的引子后，如歌的主旋律从低声部奏出，随后忧伤的旋律移到高声部，高声部采用重复音的出现，把该曲推****，最后以极弱的力度来终结诗人的情绪。此作品是戈特沙尔克的转型性的作品，在此之前他的作品大都是以舞曲为主，此曲是他在他的父亲去世后创作的，悲伤的情绪在曲子中也有深刻体现。《波多黎各的回忆》(SouvenirdePortoRico，Op.31)。作品是一首拉美风格的作品，副标题为《吉巴罗斯进行曲》或《农民进行曲》(MarchedesGibaros)，Gibaros就是当地的农民。

　　第一次听到这首曲子时，竟有种在听李斯特一首未曾面世的作品的错觉：明快的感觉与铿锵节奏的交织，充分发挥着钢琴的演奏技巧。1853年到1854年间以及1857年到1862年间，戈特沙尔克抵达古巴，在这段时间里他游览了波多黎各、海地等国，这首作品就创作于1857年，取材于波多黎各的一首圣诞歌曲，2/4拍，降e小调，变奏曲式。在这首作品的创作中，作曲家将四种典型的加勒比海地区的节奏和类似波洛涅兹的节奏融入其中，写成了一首变奏曲变奏而成。此曲一开始从pp开始，经过四次变奏将全曲以ff推向**，最后又渐渐地消失在人群中，仿佛让我们感受到行进乐队从远处正朝着我们走来，从身边经过，又逐渐远去。《冥想曲“最后的愿望”》(TheLastHope，Op.16)。这是一首为迎合当时观众喜好的作品。1853年10月，戈特沙尔克的父亲去世，他深深地陷入了沉痛之中。为担负起家庭的重担，他不得不到处去演出来增加自己的收入。此曲也是戈特沙尔克广为流传的作品之一，于1854年出版，伤感中又带有甜美的感觉。

　　作品先以b小调开始，再转向B大调，是一首单二部曲式的作品，3/4拍。戈特沙尔克用简单具有浪漫**悲歌性的旋律描述出悲伤的情绪，运用了很多快速音群、颤音等华彩手法来表达虔诚的情怀。《西班牙随想曲“阿拉贡风格霍塔”》(LaJotaAragonesa,CapriceEspagnol,Op.14)。这是戈特沙尔克的**作之一，系作曲家为10架钢琴而作的《华丽的钢琴交响曲“在萨拉戈萨”》(ElsitiodeZaragoza)的片段。10架钢琴交响曲堪称钢琴史上的首创，曾先后演出过两次，一次在马德里，一次在哈瓦那。作品取材于西班牙的'霍达舞曲(Jota)，霍达舞曲(Jota)是流行于西班牙阿拉贡(Aragon)地区的一种民谣和民俗舞蹈，快速地三拍子节奏，一对或多对男女在一起以跳跃和旋转的方式跳起激烈的舞蹈，常采用吉他、铃鼓、响板、班杜里亚琴(Bandurria)等乐器来伴奏。戈特沙尔克的这首曲子就是建立在阿拉贡舞曲的基础上，降E大调，6/8拍，采用三种固定的伴奏音型，欢快、热情，具有典型的西班牙音乐的风格。《安达卢希亚的回忆》(Souvenird’Andalousie，Op.22)。这是戈特沙尔克1851年在马德里的一场音乐会上即兴创作表演的一首音乐会随想曲。作品为d小调，3/4拍。该曲是根据西班牙民间歌舞的旋律进行变奏而创作的，高音区的音色十分鲜明，速度较快，几乎都由二度和三度音程写成，三连音的节奏让我们感受到了西班牙音乐的**奔放、开朗和热情。

　　三、戈特沙尔克钢琴作品的艺术特色

　　(一)作品的民间音乐特性

　　戈特沙尔克生于**奥尔良市，他的父亲是英国商人，母亲是具有法国贵族血统的克里奥尔人，少年时代曾住在新奥尔良法国区里，他的外祖母和保姆都出生在圣多明格岛，他的祖父在圣罗斯地区做总督时拥有农场和黑奴。因此，在他童年时代就接触到了各种传统的民间音乐，少年时代他又到欧洲学习了11年，在接下来用11年的时间旅行、演出，横跨两大洲，深入到了民间，接触到了劳动人民的音乐，扑捉到加勒比海的节奏和种植园的旋律。这些音乐里包含了很多的舞蹈音乐，使得他的作品也极具舞蹈性。

　　(二)跨国界的音乐风格

　　戈特沙尔克所处的时期正是民族**音乐刚刚盛行的时期，他的音乐作品风格既继承浪漫**音乐的创作风格，同时也具有民族乐派的音乐风格。他从小在克里奥尔音乐的熏陶下成长，又受到欧洲音乐的影响，并在南美各国有一系列的巡演。他的创作也取材于**当地印第安人及黑人音乐，从中捕捉到了民间舞蹈的节奏，特别是黑人舞蹈的独特节奏。并在自己的创作实践中不断地加以吸收、利用、扬弃、尝试和创新。这些经历使得他最终形成了他自己独特的创作风格，作品不仅具有**本土的克里奥音乐的特点，同时还具有西班牙音乐和南美洲音乐的特点。

　　(三)作品的技术特色

　　1.模仿性手法的应用19世纪初钢琴的发音装置和击弦系统都得到了改良，踏板也得到了充分的使用，作曲家力图用更多的方法将钢琴的表想力发挥到最大化。戈特沙尔克就常采用一些创作手法去模仿民间弹拨乐器、打击乐以及动物的叫声。如《安达卢希亚的回忆》中就有对吉他的三连音轮指的模仿;《班卓琴》(TheBanjo，Op.15)是利用钢琴模仿流行于非洲的一种民间乐器班卓琴的作品;《拉加丽娜》(LaGallina，Op.53)从附点节奏的主题中能听到模仿母鸡的叫声出现，等等。

　　2.舞曲特性节奏在戈特沙尔克的钢琴音乐装作中，常采用舞曲特性节奏为主导，具有极强的舞蹈性。《西班牙随想曲“阿拉贡风格霍塔”》取材于西班牙的霍达舞曲，节奏欢快而活泼。《波多黎各的回忆》取自于波多黎各的一首圣诞歌曲，采用了南美洲的探戈节奏，节奏丰富而富有热情。《舞蹈》(Danza,Op.33)一开始就以法国波尔卡音乐出现，随后转入到一种西班牙舞蹈的哈巴涅拉的节奏上，再加入独特的切分节奏，更加显现出舞曲的特征。

　　3.炫技手法的运用戈特沙尔克的钢琴技巧有许多是借鉴李斯特的技巧，但他的作品中很少使用辉煌的技巧，他偏爱使用高音区的明亮音色并在高音区做出华丽的炫技，更多的是使用重复音、颤音、装饰音和经过句，以及使用大量的切分节奏，从而表现出轻快和活泼的舞蹈性。如在《巴西**变奏曲》(GrandeFantaisietriomphaleOp.69)和《波多黎各的回忆》中，他都采用了和弦震音以及切分节奏的创作手法，这些炫技手法使作品更加绚丽，具有迷人的魅力。

　　结语

　　19世纪的**音乐正如海绵般不断地吸收着欧洲音乐带来的精华，在20世纪之前**的音乐都是用欧洲音乐的标准来建立的，是戈特沙尔克把**音乐推向了世界。戈特沙尔克从小的生活环境和各地的巡演经历给他的创作提供了多民族的音乐创作要素，他到民间捕捉到了劳动人民的音乐，吸引着他创造出新奇而独具特色的音乐，使这些民间的舞蹈和歌曲能够以钢琴音乐的形式得到充分的展示，他对**音乐寻找自身民族特色的探索做出了极大的贡献。

简谈冷军油画作品的艺术特点论文（扩展8）

——安格尔油画艺术理性色彩论文

安格尔油画艺术理性色彩论文

　　无论是在学习还是在工作中，大家最不陌生的就是论文了吧，通过论文写作可以提高我们综合运用所学知识的能力。你所见过的论文是什么样的呢？下面是小编帮大家整理的安格尔油画艺术理性色彩论文，欢迎大家借鉴与参考，希望对大家有所帮助。

　　一、安格尔的油画创作概述

　　让奥古斯特多米尼克安格尔，法国著名画家。1780年出生于法国的朗格多克省，在父亲的引导下，自幼喜欢绘画，且表现出了过人的艺术天赋。1791年进入了图卢兹学院学习美术，后于1797年来到巴黎，进入古典**大师达维特的画室，并获得了十分突出的成绩。1801年，凭借《阿伽门农的使者》一举获得了瞩目的罗马大奖，此后先后创作出了《里维耶夫人像》、《路易十三的誓愿》、《大宫女》、《瓦*松的浴女》、《土耳其浴室》等作品，都在当时获得了好评。创作上的巨大成功，使他被选为了皇家美术学院院士，并担任罗马法兰西学院院长。1856年《泉》的诞生，被视为是其创作的最高峰。1867年1月，因肺炎病逝于巴黎，享年87岁。

　　二、安格尔油画艺术的理性色彩解读

　　（一）题材的理性色彩

　　油画是一门视觉艺术，而题材则直接关系到欣赏者对作品的第一印象，所以对整个作品有着重要的影响。安格尔的作品，每一题材都是经过其精心挑选的，从中也折射出了其理性的思考。首先是历史和宗教题材。在安格尔生活的时期，美术流派众多，在题材选择上也十分多样化，包含人物、风景、景物，等等。但是安格尔却另辟蹊径。因为和当时的上流社会接触较多，所以其知道**美术评比机构普遍更加喜欢历史题材，获奖者还能得到丰厚的奖励，所以安格尔自然不会放过这种机会。《阿伽门农的使者》就是一个典型，其取材于古希腊的神话，阿伽门农抢夺了阿喀琉斯的女俘虏，随之引发了双方的交恶，为了避免事端的扩大，阿伽门农带着女俘虏来到了阿喀琉斯的营帐前。除了形式方面的完美无缺之外，这幅画在当时还有另一层深意，即暗示当时的法国封建**和新兴资产阶级达成了暂时的妥协。又比如《洛哲营救安吉里卡》，表现的是*女王安吉里卡在被杀害之前，勇士洛哲骑着鹰马一体的座驾，杀死奥鲁克救下安吉里卡的情形。对于这个著名的故事，很多画面都曾经表现过，如德拉克洛瓦、皮库等人。他们都将这一场面描绘的十分激烈，甚至带有几分**的味道，人物的表情也是丑陋、惊恐等无所不包，给人以十分紧张的感觉。但是安格尔作品，却呈现出了一种截然不同的风貌，安吉里卡被描绘成为了一个女神，在**面前没有丝毫的恐惧，而是十分淡然。英雄救美的洛哲也只是将长矛轻轻放在了怪兽的嘴边，表情也十分庄重。这显然也是一幅带有**意味的作品，意在表明封建**和资产阶级之间的矛盾并非不可调和，应该尽量避免冲突的发生。这也是当时法国封建**者所乐于见到的结果，而安格尔也因此获得了梦寐以求的罗马大奖。抛开历史和**的因素不谈，安格尔能够凭借自己对当时时代和社会的认识，经过理性思考后创作出这样一幅作品，可见其用心之深。其次是人物题材。肖像画也是安格尔创作的一个重要方向，而之所以选择这种题材，则仍然是一种理性思考的结果。在获得罗马大奖来到巴黎时，安格尔的生计一度十分窘迫，所以其选择为上流社会人物画肖像画，这将给他带来直接的丰厚收入。比如1803年创作的《第一**者肖像》，就是一幅拿破仑的肖像画，并使他很快摆脱了生活困境。由此可见，安格尔在题材的选择上是煞费苦心的，尽管后来的很多评论者认为安格尔过于投机和钻营，但是从另一个角度来说，虽然题材上带有一定的功利性，但是在具体的创作中却是竭尽全力的，而且还能是使自己摆脱困境，获得更大的发展空间。因此是一种经过深思熟虑后做出的正确选择。

　　（二）构图的理性色彩

　　构图是创作者对画面中各要素的合理安排，对整个画面的风格表现有着重要的影响。因为欧洲古典画风是从文艺复兴时期萌生的，而文艺复兴又将理性视为一项重要的创作理念，于是透视学、建筑学、几何学等都能够在油画中找到身影。特别是很多宗教题材的绘画，其创作出来后是为了让教徒们膜拜的，而不是个人欣赏的，所以十分强调构图的完整性，力求展现出一种庄严肃穆的风格。对安格尔来说，其自幼接受的是古典**绘画教育，自然秉承了这种创作理念。首先是三角形构图。安格尔对这种最稳定的构图形式青睐有加。在他的大部分肖像画中，都采用了这种构图方式。如《保罗与弗兰西斯卡》、《路易十三的誓约》、《荷马礼赞》、《格拉奈》、《别尔登肖像》等，如《别尔登肖像》中，画面采取了四分之三侧面的角度和稍高的视点，人物坐在椅子上，身体略微倾斜。头部和躯**自然组成了一个稳定的三角形，而且四肢幅度很小的动作，又为这个三角形凭添了几分活力。而且如果仔细观察这幅画后还会发现，安格尔还在这个三角形中嵌入了一个圆形，画面中的人物手放在膝盖上，胳膊向外伸展，于是肩膀和手到膝盖就组成了一个圆弧。对此安格尔曾解释道，要尽量避免方形等轮廓，而是要追求一种稳定的圆润感。可谓是对传统的一种创新。其次是对前人构图的模仿。在安格尔看来，文艺复兴时期一些大师的经典之作，都是构图的典范，在他的创作中，也对前人的作品进行了模仿。比如《路易十三的誓言》是对《西斯廷圣母》的模仿，《泉》是对《维纳斯的诞生》的模仿，《莫第西埃夫人》则是对《阿卡迪亚》的模仿。以最为著名的《泉》为例，对比《维纳斯的诞生》来看，人物的站立姿势和头颈部的姿态都是一致的，变化的只是双手部分。而下肢部分则更加相似，都是以左腿作为支撑腿，右腿轻点地面而支撑住身体，这样一来就获得了一种紧张和轻松的状态对比。由此可见，安格尔在构图方面也是十分考究的，集中体现着其特有的审美风格。

　　（三）造型的理性色彩

　　造型是古典**绘画的基础，在古典**画风中，要求造型绝对准确，力求精准的再现客观物象。对此安格尔是十分认同的，但是同时他又认为，绘画要给人带来美感享受，当发现表现对象的真实美感有所欠缺的，绘画者可以通过自己的技术处理，使之更加完美。而至于处理到什么程度，是否真的能够获得优化的效果，则要看绘画者的审美和技术水*了。比如《大宫女》就是一个**作品。在创作之前，安格尔利用素描草图进行了多次研究，对整个画面的每一个要素都考虑的十分细致，并尝试着进行优化处理。画面中，人物的背部线条开始于所戴头巾的最高点，经过一个简单的曲线之后，经过左腿一直延伸到画面右侧。而手臂的曲线则在帷帐中得到了延伸，一直延伸到了画面的最顶端。可以看出，安格尔刻意设置出了两条曲线，从而使整个画面看起来更加唯美。而在实际中，多数人的人体曲线是不可能这般完美的。而且为了让整个画面更加协调，安格尔还让人物的左腿搭在了右腿上，这无疑是一个在现实中略显别扭的工作，而被安格尔刻意为之，自然是为了追求他心中的完美。又比如在《洛哲营救安吉里卡》中，一眼望去，人物的整个外部轮廓是十分流畅和完美的，但是仔细发现，这种流畅和完美的关键则在于，安格尔对人物的脖子进行了加粗处理。对此当时很多评论家颇有微词，认为其不尊重表现对象。而安格尔却认为，只有将对方表现的绝对完美，才是对其最大的尊重，对此**一部分真实也是值得的。且不对两种看法进行评析，由此可以看出的是，安格尔对于造型是有着自己独特思考的，并能始终坚持下去。

　　（四）色彩的理性色彩

　　色彩对于油画的重要性是不言而喻的。关于安格尔的色彩运用一直都存有争议，有的评论者认为安格尔在色彩运用上过于保守，不够光彩夺目；有的则认为安格尔追求的就是这种*静、理性和唯美的效果。两种观点都各有偏颇。其实安格尔在求学期间，曾对罗马画派、佛罗伦萨画派、威尼斯画派的作品进行了深入而细致的研究，并进行了大量的临摹，在此基础上提出了固有色加主观色的用色理念。既能够尽可能的反映出真实色彩，又能够让色彩在自己的审美表现中发挥重要的作用。比如《勃罗日里公爵夫人像》，被誉为是安格尔在色彩方面的杰作。一眼望去，整个作品的色彩是十分写实的，白皙的'脸庞、脖颈和手臂，在天蓝色晚礼服的映衬下，给人以生气勃勃之感。而金黄色的座椅靠背，则和身体的象牙白色以及礼服的天蓝色形成了鲜明的对比。但是再仔细观察后则会发现，其在色彩运用上绝不是再现这般简单，其先是将阴暗面降至了最低，然后重点表现色彩的纯度，于是身体的象牙白色和天蓝色就成为了整个画面中的高光部分。与之相对应的则是黄色的座椅和白色的披肩，都被降低了纯度，利用一种对比的手法突出了人物的色彩感，从而将整个人物刻画的高贵、典雅而唯美。人物的皮肤和各种丝织品的质感由精妙*整的用笔处理得恰到好处，清纯恬淡的设色烘托出公爵夫人丰满圆润的造型、高雅的气质，也由此实现了主观和客观的**。又如《瓦*松浴女》中，同样也是主观色和固有色结合的典范。画面中的女子背部呈淡黄色，周围则是绿色的帘子、白色的床单以及红白相间的头巾。每一种颜色都是物象的固有色，但是多种颜色组合在一起之后，却丝毫不给人凌乱之感，而是让人觉得**中有变化。由此可见，安格尔绝不是不懂色彩，而是对色彩十分看重，且苦心经营色彩。其在创作之前，就对环境、人物、服饰、佩饰等详加考察，制定出最初的色彩方案，避免出现过分刺激的补色关系，最终使其完美呈现在同一个画面内。综上所述，包含油画在内的所有艺术创作，从本质上来说都是一种主观情感的抒发，但是情感抒发并不是纯粹感性的，其本身就是一种理性思考的结果。作为安格尔来说更是深谙此道的，其总是能够用最合适的题材和技法，将其心中的情感予以最漓淋尽致的抒发，使其作品真正做到了雅俗共赏，而不是高高在上，晦涩难懂。由此获得的启示在于，在油画创作中，理应将理性思维贯穿于创作的始终，使各种情感的抒发得到一个通畅的表达渠道，同时也会因此获得形式上的诸多突破。也希望本文粗浅研究，能够起到抛砖引玉之用，给更多的人启示和借鉴。